Lucia di Lammermoor è uno di quei fulgidi esempi di quanto un’opera si possa vedere e rivedere senza mai stancare, che si tratti di un nuovo allestimento, per la curiosità di capire come il regista interpreta i forti contenuti in essa espressi, o si tratti di uno spettacolo ormai celebre, per capirne il successo e riviverne le emozioni. Il Lirico di Cagliari ha difatti riproposto l’ormai famoso allestimento del dramma donizettiano che nel lontano Duemila vinse il premio della critica Abbiati per la sua forte carica drammatica e probabilmente per alcune innovazioni sceniche, che allora parvero molto interessanti.  

Chi ama il capolavoro di Scott ed abbia in mente le atmosfere cupe, opprimenti e in un certo senso sospese del suo romanzo alla base dell’opera, ritrova infatti in questo allestimento lo stesso ambiente nebbioso e se vogliamo delirante che poi si concretizza nella follia della povera protagonista. Certo ormai siamo ben abituati a vedere prospettive tridimensionali, sfondi marini proiettati e delicati veli che si interpongano tra interpreti e pubblico, nascondendoli e poi svelandoli. Si tratta comunque di un allestimento di diciassette anni fa e probabilmente tanti elementi scenici di oggi sono anche figli di quel grande successo, interamente curato da Denis Krief.  Il regista fece punto di forza l’estrema semplicità della messa in scena, lasciando che fossero i personaggi a ‘riempire’ lo spazio scenico e drammaturgico, con le loro azioni, le espressioni del volto, i movimenti nello spazio, resi fluidi anche grazie anche a dei costumi intelligenti e curati, che ci fanno pensare come spesso accade ad un’epoca più vicina a noi rispetto all’originale. Lucia è dotata di una carica emotiva accentratrice, il palco sempre in semi oscurità sembra rilucere al suo comparire: è la forza dell’amore e della sua fedeltà ad una promessa che non può mantenere, l’energia pulsante di una mente controllata dal fratello egoista, ma che tenta disperatamente di riemergere. Non servono troppe cose per Krief: solo belle voci, grande presenza scenica e tanta carica emotiva.

musica utilizzata in concerto edita da BTE Bernardo Ticci Edizioni (2016)

Di Pierluigi Guadagni

“Dimani sera il ser.mo signor Principe, ne fa recitar una comedia che sarà singolare, posciachè tutti li interlocutori parleranno musicalmente”.

Così scriveva il nobile Carlo Magni, alla vigilia della prima dell'Orfeo di Monteverdi alla Accademia degli Invaghiti a Mantova il 22 Febbraio 1607.

L'eccezionale successo replicato pochi giorni dopo presso la corte ducale mantovana, sancì uno spettacolo in cui  l'universalità umanistica trova una compiuta espressione e la vita stessa della corte si rispecchia, stilizzata e idealizzata.

Con l'Orfeo, Monteverdi e Striggio, costruiscono per la prima volta un dramma autentico nel quale individuano i sentimenti eterni su cui si reggerà per i successivi tre secoli, la rappresentazione teatrale e li realizzano con un linguaggio che contiene in sé, oltre agli stilemi del passato anche gli sviluppi futuri. Finalmente la musica non si limita più ad un sostegno espressivo , ma assume un peso determinante, il colore dell'orchestra si fa evocatore di passioni e la parola si scioglie in una curva melodica che la esalta.

Nell'ambito del Festival Monteverdi 2017,  la ripresa dell'allestimento de L'Orfeo dato nel 2007, ripropone il successo e i fasti della prima rappresentazione mantovana del 1607 avvicinandosi quanto più possibile alla atmosfera e alle peculiarità del tempo.

Il magnifico romanzo ‘Les liaisons dangereuses’ di Choderlos de Laclos da cui trae ispirazione Heiner Müller per Quartett era un delizioso, crudele, sottilmente infingardo e sfarzoso spaccato del glorioso Settecento francese, con le sue incredibili luci di superficie e tanto marciume dentro. Il contesto in cui viveva la nobiltà francese circondata da fascino è lontano anni luce dalla pièce di Müller degli anni Ottanta del secolo scorso. Già allora non si poteva decisamente parlare di epoca gaia e senza corruzione morale, figurarsi oggi che la società sembra navigare in acque sempre più torbide ed in ogni campo. Non c’è da stupirsi se l’allestimento di Quartett con musica di Francesconi al Teatro Sociale di Trento sia una sintesi di queste sensazioni e ci lasci un certo sconforto che però ci porta alla riflessione.  Müller aveva eliminato tutti i personaggi che ruotano attorno ai geniali e perfidi Marchesa di Merteuil ed il suo complice/amante Visconte di Valmont. Sono loro il fulcro della vicenda e di conseguenza essi stessi sono anche gli altri personaggi, in un gioco di trasposizioni, di scambi, in cui il loro amore/odio viene rappresentato fino all’epilogo tragico e quasi ovvio. Un intenso dialogo tra i due che si amano, si accusano, si minacciano e si sfidano. Una sintesi estremamente negativa e pessimistica dei rapporti umani e del mondo di oggi, in cui non pare esserci più posto per la gentilezza e la semplicità nelle relazioni di qualunque genere. Un ritorno alle origini in negativo, come avessimo di fronte Adamo ed Eva già carichi di angosce, di odio, di morte.

Volge quasi al termine anche questa tranche invernale della stagione operistica della Fondazione Arena, che in questi giorni ripropone l’allestimento di Norma che debuttò nel 2004 su questo palcoscenico a cura di Hugo De Ana che come sempre firma regia, scene e costumi. Opera mitica e grandiosa questa nell’immaginario del pubblico ed evidentemente anche del regista, che ha voluto sottolineare tale aspetto spostando l’azione scenica molto più avanti rispetto alla pur maestosa antica Roma del libretto di Felice Romani, calando i personaggi nell’altrettanto fastosa e spettacolare era napoleonica, tanto nei luoghi che nei bellissimi costumi tipicamente imperiali. Pollione è un ufficiale francese che con i suoi uomini invade l’universo di Norma, la sua giovane amica Adalgisa ed suoi druidi. Poco importano, evidentemente, i numerosi riferimenti a Roma ed ai Romani, visto che ci siamo spostati da un impero ad un altro..

De Ana ama le sontuose architetture che accolgono le gesta dei suoi interpreti, così anche in questo caso colonne semoventi e prospettive classiche avvolgono il palco che viene riempito quasi del tutto dalla maestosità di tali elementi. Tutto molto raffinato e godibile, ma forse poco funzionale, visto che coro e protagonisti hanno spesso poco spazio per muoversi soprattutto se tutti in scena.  Non mancano effetti scenici di fumo e fiamme a rendere più spettacolari talune scene, come nel finale tragico in cui si infiamma il rogo per Norma e Pollione, ed un successivo fermo immagine che immortala la scena come in un immenso quadro vivente.

Comunicato stampa

194 gli eventi organizzati, 44.353 gli spettatori, oltre 330 le giornate di apertura per spettacoli eventi prove e allestimenti, oltre 14.300 studenti coinvolti in progetti educativi.

L’Assemblea dei Soci della Fondazione Pergolesi Spontini, riunita presso il Teatro Pergolesi di Jesi giovedì 20 aprile, ha approvato l’esercizio finanziario 2016 della Fondazione. Un bilancio che si chiude con il segno positivo, per l’undicesimo anno consecutivo, e senza nessun deficit pregresso.

Nuova produzione di Lucia di Lammermoor al Teatro La Fenice di Venezia targata Francesco Micheli, che sposta l’azione scenica dalla Scozia del sedicesimo secolo ad un inizio Novecento italiano cupo e rurale, in cui gli obblighi famigliari e sociali superano sentimenti e legami parentali, tanto quanto accade in ogni epoca purtroppo. Se cambiano infatti le prospettive storiche e geografiche del racconto, non mutano le atmosfere tetre ed a tratti mistiche che si ritrovano anche nei romanzi veristi della nostra letteratura, in cui i sentimenti erano spesso schiacciati dalla morale dell’ ‘ostrica’ e dal necessario attaccamento alla ‘roba’ di famiglia. Per non perdere il patrimonio acquisito Lord Enrico è disposto a ‘vendere’ sua sorella al miglior offerente pagandone il fio con la vita stessa della cara parente e, per come ha impostato il personaggio Micheli, pare perdere egli stesso la ragione, risultando quasi beffardo nei modi e nelle azioni del secondo atto. Lucia è in balia degli eventi, ma ha in sé una grazia ed innocenza che conquista e pone immediatamente lo spettatore in empatia col suo personaggio. Se è vero che nessun ruolo è lasciato muoversi a caso, l’impianto scenico piuttosto fisso e l’insistente oscurità che avvolge l’azione (le luci sono a cura di Fabio Barettin) finiscono per creare una certa monotonia generale che rischia di stancare lo spettatore, pur comunque rispettando nelle linee generali il dinamico libretto.

È affidato ad Emma Dante l’inconsueto dittico in scena al Comunale di Bologna che vede protagonisti La voix humaine di Poulenc e Cavalleria rusticana di Mascagni in un’unica serata. Filo conduttore delle due opere è secondo la regista la forza della passione che lega le due protagoniste femminili, ‘una donna’ e Santuzza, entrambe deluse da un sentimento in cui avevano riposto forze e speranze. Secondo la Dante sono in contrapposizione due mondi, quello borghese parigino e quello contadino siciliano, mostrando come certe situazioni possano essere comunque rappresentate in ogni tempo e luogo. Ecco perché ne La voix humaine non capiamo certo di essere in Francia, ma ci troviamo in una stanza di ospedale semplicissima, ideata da Carmine Maringola, che certamente ad un primo sguardo sembra destinata ad ospiti di un certo livello pur nella sua schematicità. La Donna è in preda ai deliri della follia causata dall’eccessivo amore che prova per l’uomo da lei adorato e pertanto perseguitato da una infinita telefonata, interrotta continuamente dal servizio telefonico dell’epoca che non ha certamente nulla a che fare con la tecnologia cui siamo abituati oggigiorno.

Appuntamento prepasquale con un altro concerto dell'associazione Verona Lirica, la cui stagione volge al termine anche per questo anno molto produttivo e dobbiamo dire carico di belle soddisfazioni. Abbiamo apprezzato infatti alcune conferme di anni precedenti ed ascoltato anche qualche bella promessa per il futuro, nonché avuto il piacere di trovare strumentisti validi ed interessanti che hanno arricchito ancor di più l’offerta musicale proposta. Protagonisti questa volta sono stati il soprano Donata D’Annunzio Lombardi, il tenore Leonardo Caimi, il baritono Sebastian Catana ed il violinista Günther Sanin della Fondazione Arena che è tornato con piacere per sostituire all’ ultimo minuto il quarto ospite, il basso Paolo Pecchioli, che non è potuto intervenire per problemi di salute.

In coproduzione con la Oper Leipzig la Fondazione Haydn di Bolzano e Trento mette in scena Le nozze di Figaro di Mozart, unico titolo ‘classico’ della stagione che invece si rivolge principalmente al repertorio contemporaneo. Una produzione internazionale dunque che mette in gioco più forze in campo e dalla quale ci aspettavamo qualcosa di molto interessante e con un cast di alto livello, ma le cose non sono andate esattamente così. A partire dallo spettacolo che è sicuramente piacevole, ma nulla più.

Di Pierluigi Guadagni

Proseguono le recite  di Tosca al Teatro Filarmonico nello spettacolo che Giovanni Agostinucci mise in scena nel 2004.

Lo spettacolo, già recensito da MTG Lirica nella serata inaugurale del 19 3 2017, ha visto nella serata del 28 marzo 2017 nuovi interpreti per quel che riguarda le parti principali.

Nel ruolo eponimo Lilla Lee è stata un interprete precisa e corretta dal punto di vista vocale. Professionalità ed esperienza sono le chiavi che hanno portato il soprano coreano ad una performance molto interessante anche se a nostro avviso il ruolo di Tosca le risulta un poco stretto. Maggiormente a suo agio nei momenti lirici, dove la voce corre calda ed avvolgente, si trova in difficoltà quando si tratta di superare un impasto sonoro orchestrale travolgente come ad esempio nei concitati confronti con il barone Scarpia dove la voce rasenta l'urlo, per arrivare al terzo atto in palese affanno di fiato. Ci auguriamo una scelta più ponderata del repertorio futuro per apprezzare maggiormente le notevoli sue qualità vocali.

di Pierluigi Guadagni

Felicissimo concerto quello al quale abbiamo assistito nell'ambito della stagione sinfonica della Fondazione Arena di Verona al teatro Filarmonico.

Riuscitissimo grazie ad un Direttore d'orchestra che sa come coinvolgere degli strumentisti oltre che concertarli, per una pianista che non è più una giovane promessa ma una solida artista e per un'orchestra veramente in stato di grazia.

Cominciamo dalla pianista Leonora Armellini che si è esibita nel concerto k 595 n.27 di Wolfgang Amadeus Mozart.

Di Pierluigi Guadagni

"Le mie colpe travolgerà l'oblio,

ma l'amor mio... non muore... "

Prosegue la stagione lirica del Teatro Regio di Torino con la ripresa dell'allestimento di Manon Lescaut dato nel  2006 e impostato su di una rassicurante convenzionalità teatrale, che risultata molto apprezzata dal folto pubblico che ha affollato la sala del Mollino. Nonostante il cambio del nome del regista rispetto alla prima versione, non più Jean Reno ma Vittorio Borelli, abbiamo assistito ad una recita perfetta dal punto di vista funzionale.

C'era tutto quanto previsto dal libretto: le trine morbide, i lacchè,  i parrucconi incipriati, i ragazzi in marsina e le fanciulle con la scuffietta. Le scene di cartapesta curate da Thierry Flamand con la piazzetta di Amiens, il lettone dorato rococò di Geronte e la prua della nave a Le Havre. Tutto bellissimo e perfettissimo se non si scadesse nella noia di una regia un poco latitante, dove escludendo i movimenti delle masse corali, ognuno ha fatto come ha potuto in base alla propria esperienza.  I costumi  scenici disegnati da Christian Gasc, risultavano in perfetta linea e coerenza con l'impianto registico.

Torna a Verona la Tosca di Giacomo Puccini nell’allestimento che diversi anni fa La Fondazione Arena commissionò al regista Giovanni Agostinucci, artefice come molti grandi professionisti anche delle scene e dei costumi. In una ambientazione dal sapore tradizionale, ma che non è immediatamente collocabile indietro nel tempo, se non per pochi elementi architettonici classici o per i ricchissimi costumi, primeggiano le azioni dei protagonisti a cui viene lasciato ampio spago nell’ esprimere i differenti caratteri e le cui azioni si svolgono in uno spazio che comunque offre tutto ciò che serve. Tra gli accoglienti tendaggi del cantiere in cui Cavaradossi dipinge in Sant’Andrea della Valle sembrano ancora più sensuali gli scambi di tenerezze tra il pittore e la sua Floria. Essenziale ma efficacie anche lo studio di Scarpia ove non vi sono però candelabri da poter apporre alla sua salma come da prassi; infine secondo il regista Tosca sceglie di non buttarsi da Castel Sant’Angelo per sfuggire agli armigeri che la inseguono, ma si trafigge essa stessa con le punte delle loro armi dandosi letteralmente in pasto ai persecutori. Toni ed accenti cupi offrono le luci curate da Paolo Mazzon.

Quanto la magnifica Inghilterra sia ricca di storie affascinanti e drammatiche nella sua longeva esistenza storica non sta certo a noi ribadirlo. Possiamo solo godere i meravigliosi frutti che essa ha prodotto ispirando drammi a sfondo politico in cui la storia del suo popolo si intreccia con le vicende amorose dei protagonisti. Francesco Esposito resta evidentemente affascinato dall’intenso materiale che I Puritani di Bellini può offrire ad un regista, che si trova a maneggiare una vicenda ricca di sentimenti forti raccontata nel migliore modo possibile: con una musica travolgente.

Che ci troviamo nel diciassettesimo secolo e all’epoca di Oliver Cromwell lo si evince dai raffinati costumi dello stesso Esposito che tinge di scura austerità tutti i protagonisti ad eccezione di Elvira, sposa in rosso porpora ma poi calata in veste bianca nelle scene successive a simbolo della sua purezza incontaminata. Il rosso torna nello stuolo di castellani e damigelle, probabilmente riflesso della passione che arde nei cuori dei due giovani sposi appartenenti alle opposte fazioni di Puritani e Stuart. Il setting predisposto da Rinaldo Rinaldi e Maria Grazia Cervetti è invece piuttosto asettico, volto ad esemplificare sensazioni e moti d’animo piuttosto che situazioni concrete. In tal senso giocano ruolo essenziale le luci intense studiate da Andrea Ricci.

Prosegue la collaborazione tra l’Associazione Verona Lirica e la Fondazione Arena di Verona, che questa volta ‘ha prestato’ il lieto ritorno Gunther Sanin, primo violino dell’orchestra areniana, per il concerto che si è tenuto domenica 12 marzo con la partecipazione di artisti quali Rosanna Savoia, Sarah M’ Punga, Stefano Secco, e Mikeil Kiria.

Come sempre i pezzi scelti sono un mix tra i più conosciuti ed in un certo senso attesi dal pubblico e qualcosa di più ricercato e meno noto. Partenza con un classico duetto tra il soprano Rosanna Savoia ed il baritono Mikeil Kiria con ‘Quanto amore!’ da Elisir d’amore di Donizetti. Il soprano ha poi proposto le non affatto semplici arie di Donna Anna dal Don Giovanni di Mozart ‘Non mi dir, bell’idol mio’, la lunga ed impegnativa scena della pazzia di Lucia di Lammermoor di Donizetti con ‘Il dolce suono mi colpì’; infine un po’ di brio con Bohème di Puccini ed il valzer di Musetta. L’interprete ha una voce pulita e chiara, trasmette come abbiamo già notato in altre occasioni energia ed amore per ciò che sta eseguendo.

Dal ROF di quest’estate arriva a Bologna Il turco in Italia di Rossini nell’allestimento creato da Davide Livermore e la sua ambientazione felliniana che ci catapulta negli anni d’oro del cinema italiano, fatto di immagini popolari, personaggi tipici e perché no, di tanti sogni nel cassetto. Tipici erano i personaggi del regista romagnolo, a cui chiaramente si è ispirato Livermore, pensando a Prosdocimo ed alla sua ricerca di una storia perfetta da scrivere. Così come un novello Mastroianni il poeta indice una serie di provini alla ricerca degli attori adatti e come in un vero set cinematografico si muovono telecamere, si girano i ciak ed il set è costantemente aggiornato nei suoi elementi essenziali, coadiuvati dalle immagini video della D-WOK. Deliziosi i costumi di Gianluca Falaschi, che richiamano nelle fogge e nei colori proprio quelli indossati nei film di Fellini. Simpatiche e coreografiche tutte le comparse. Tante volte gli adattamenti dei libretti ci hanno perplesso, ma in questo caso il contenuto viene rispettato e soprattutto lo spirito della vicenda conservato. Un po’ esagerato ci è parso il ruolo di Selim, a tratti davvero macchiettistico e fin troppo ridicolo nei suoi atteggiamenti.

Ogni volta che si pensa ad un programma dedicato a William Shakespeare sono veramente tantissime le opportunità di scelta poiché tanti musicisti celebri hanno dedicato almeno una volta le loro composizioni ai capolavori del poeta inglese.  Ancora una volta Verona, una delle città più vicine al poeta dell’amore e delle passioni, offre una serata totalmente a lui ispirata, con pezzi di Verdi e Cajkovskij e la direzione del Maestro Andrea Battistoni.

La tempesta è l’ultimo capolavoro di Shakespeare ma è il primo pezzo ad aprire il concerto. Con i suoi simboli, la magia ed il potere della giovinezza che vince sui complotti e gli inganni degli adulti, ispirò Cajkovskij a comporre uno spartito narrante la storia del saggio re Prospero confinato dal fratello Antonio su un’ isola con la figlia Miranda. La tempesta è l’espediente con cui Prospero fa naufragare il fratello usurpatore del trono di Milano e da cui ha avvio tutta la vicenda. Il compositore russo ha riportato in musica il susseguirsi degli eventi con particolare attenzione al motivo del mare, prima piatto e poi tumultuoso, ed al motivo di Miranda e Ferdinando, innamorati nonostante di parti avverse (tanto per cambiare in Shakespeare). Così ascoltiamo note lunghe e silenziose che chiaramente indicano il preludere alla tempesta, ove invece il volume si intensifica ed il ritmo diventa stringente. Compare anche lo spirito dell’aria Ariel con la sua lievità, mentre le sonorità più aspre sono attribuibili al deforme Calibano. Battistoni guida l’orchestra dosando le energie calibrate a seconda dei diversi momenti, con precise indicazioni e la solita grande partecipazione.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Si inserisce nel cartellone della stagione Opera 20.21 dell’Orchestra Haydn anche questo che potremmo definire uno spettacolo di prosa musicata più che di opera in senso stretto: The raven (il corvo) del compositore Toshio Hosokawa. Ci troviamo di fronte ad una messa in scena sui generis che nasce dall’idea di accompagnare con una sorta di atmosfera sonora e coreografie di danza, la lettura cantata del celebre pezzo del poeta Edgar Allan Poe, ‘The raven’ appunto. Al di là del contenuto, dei significati reconditi del componimento o dell’epoca in cui fu scritto (1845), ci soffermiamo soprattutto sulle sensazioni che trasmette questo poema per cercare di interpretare gli intenti del musicista giapponese e del regista Luca Veggetti che ha messo insieme lo spettacolo cui abbiamo assistito.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Ancora una volta ci professiamo felici di poter assistere ad un’opera che in Italia latitava dai cartelloni lirici da troppi lustri e che il Teatro Comunale di Modena ha portato in scena in collaborazione con Piacenza, Reggio Emilia e Lucca: si tratta de La Wally di Catalani, penultimo appuntamento di una stagione che dobbiamo dire è stata piuttosto ricca.

La regia è di Nicola Berloffa, il quale sceglie di analizzare e sottolineare l’aspetto psicologico dei personaggi privilegiandone il lato più truculento. Sono tutti estremamente caricati nel gesto scenico e nel canto che certamente è sollecitato anche dalla partitura, come in preda ad un istinto di autodistruzione, forse dovuto alla durezza del clima in montagna o a difficoltà oggettive di ciascun personaggio.  Stromminger tratta la figlia con energica forza volitiva, la stessa Wally si muove come una iena mossa da profondo astio verso chiunque non comprenda i suoi sentimenti: che sia il genitore egoista o lo spasimante indesiderato (salvo ripensamenti di comodo), e perfino l’amato Giuseppe fidanzato con un’altra. Costui non è certo da meno, ed anche alla festa del Corpus Domini nella taverna di Afra aleggia una atmosfera che prelude alla tragedia.

Ritorna al Filarmonico di Verona I Capuleti e i Montecchi di Bellini con lo spettacolo che il regista  Arnaud Bernard aveva elaborato quattro anni fa e che oggi viene affidato a Yamala Das-Irmici per questa ripresa. I tragici amanti dello scrittore Matteo Bandello sono concepiti nella loro immortalità di coppia che, pur se soltanto nell’aldilà, superano barriere di casta ed odio atavico in nome di un sentimento anch’esso eterno. Perciò una sede museale ove sono racchiusi simboli eterni d’ arte e bellezza è parsa la cornice ideale per raccontare la storia di Romeo Montecchi e Giulietta Capuleti, che quasi come in un sogno surreale, si materializzano lasciando le cornici dei capolavori in cui sono racchiusi per tornare a vivere negli ambienti creati da  Alessandro Camera. Viene da pensare a delle ombre che di notte si aggirano nella pinacoteca rivivendo le proprie emozioni e storie, in attesa che il giorno rinasca e tutto svanisca con la luce del sole. La coppia protagonista ha qui un carattere molto forte, i due si spintonano, cadono a terra, mostrano una grande energia nell’esprimersi, soprattutto Giulietta, la cui forza dei sentimenti è tanto grande con Romeo quanto nei confronti di papà Capuleti, a cui si oppone per le nozze combinate.  Tutto il resto però è alquanto statico come notammo già a suo tempo. Il coro si sposta principalmente da una parte all’altra del palcoscenico e in generale tutti i protagonisti sembrano avere una sorta di rabbia in corpo che però esprimono sempre con pochi gesti ripetuti. Molto invece fanno le luci dai toni foschi e sinistri che (si fa per dire) illuminano le pareti e le tele esposte. Sembra quasi si voglia accentuare l’aspetto onirico dell’ambientazione. I costumi creati da  Maria Carla Ricotti sono di forgia pregevole e molto adatti al contesto che risulta di fatto raffinato.