Di Maria Teresa Giovagnoli

Continua l’attività dell’Atelier Accademia di Belle Arti di Venezia al Teatro Malibran, con la riscoperta di opere poco praticate o comunque adatte ad un pubblico frizzante e giovane come i ragazzi impegnati in questo tipo di produzioni. E’ la volta di Gina, opera del ventiduenne Cilea alle prese con l’esame finale al Conservatorio San Pietro a Majella di Napoli, di cui fu poi grande direttore. Ovviamente non si parla di capolavoro né si pretese all’epoca lo fosse: esso è di per sé uno scritto ludico, fresco e comunque interessante, poiché esprime in erba il futuro compositivo del grande Cilea della Lecouvreur. Opera di arie lievi, pervase di leggerezza, concepita in ogni caso da uno studente del conservatorio, e quindi giovane, che ne trasse anche un discreto successo. Il libretto di Enrico Golisciani è semplice e lineare: dalla commediola Catherine ou La croix d’or di Nicolas Brazier e Mélesville, ambientato in Francia al tempo di Napoleone, pochi personaggi ruotano attorno al destino del povero Uberto chiamato a  partir soldato e lasciare fidanzata e sorella in ambasce. La musica non diventa mai tragica o grave, pur nel dramma sfiorato già si preannuncia la felice soluzione, con lo scambio al fronte del volontario Giulio, pronto a sacrificarsi per la bella Gina e lasciarle il fratello a casa.

di Simone de Angeli

Arrivare nella splendida capitale portoghese per turismo e riuscire ad ascoltare qui una splendida edizione di un’Opera del primo ottocento italiano è davvero una singolare coincidenza!

In particolare se pensiamo che “nei patri lidi” è opera funestata da recentissime e scadenti esecuzioni in Teatri forse ben più blasonati e che, a brevissimo, sarà messa in scena alla Scala.

Ebbene, venendo alla rappresentazione del Teatro Nacional de Sao Carlos dobbiamo dire che è stata una rappresentazione davvero notevolissima.

Lo spettacolo di Graham Vick è di taglio “moderno” ma con costumi d’epoca e stilisticamente molto appropriati.

La scena di Paul Brown, che ruota su se stessa in diversi e sincronici movimenti, è rappresentata da due pedane che formano spesso una croce, più o meno inclinata, ed incorniciano paesaggi e movimenti di volta in volta differenti.

La recitazione dei cantanti è curata e di qualità pur senza guizzi, forse inutili in un’opera tutto sommato “statica”.

Le luci di Giuseppe di Iorio sono suggestive e creano un bellissimo contesto di chiaro scuri molto adatto ad una vicenda dal sapore vagamente “gotico”.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Il Teatro lirico di Cagliari sceglie di inaugurare la stagione d'opera con un altro lavoro del compositore bolognese Ottorino Respighi, che l’anno scorso aveva riscosso un bel successo con La campana sommersa, proponendo quest’anno la delicata fiaba  La bella dormente nel bosco, tratta ovviamente dal celeberrimo racconto di Perrault e con adattamento testuale di Gian Bistolfi. Era all’apice del successo Respighi quando compose questa piccola opera nel 1922, che in origine fu pensata per il teatro di marionette di Podrecca a Roma e destinato prevalentemente ad un pubblico di fanciulli. Quella che il Lirico porta in scena è invece la versione successiva del ’34  che, consentitecelo, piace anche agli adulti che una volta tanto tornano indietro e pensano alle fiabe narrate da mamma e papà prima di andare a letto. Naturalmente ciò è possibile grazie alle mani sapienti del regista Leo Muscato, il quale ha a disposizione un team capace di realizzare esattamente quanto nei suoi intenti nel felice rispetto dell’autore, tanto della partitura, quanto del testo.  

Di Maria Teresa Giovagnoli

Chiude la stagione operistica 2016/17 con il quarto titolo in programma il Teatro trevigiano intitolato a Mario del Monaco, affidando a Robert Driver la responsabilità di portare in scena Il ratto dal serraglio di Mozart e proprio il giorno del compleanno del compositore. È davvero interessante a nostro avviso poter testimoniare in quanti modi diversi si possa interpretare e rielaborare questo Singspiel a seconda della sensibilità del regista e del team che ruota attorno alla sua figura. In questo caso abbiamo assistito ad uno spettacolo giovane, fresco e delicato che, pur con gli aggiustamenti del caso, non tradisce lo spirito originario e scorre via piacevolmente.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Spinti da molta curiosità abbiamo voluto anche noi assistere allo spettacolo che ha inaugurato la stagione del  Teatro Comunale di Bologna e che tanto sta facendo discutere,  Die Entführung Aus Dem Serail di Mozart per la regia di Martin Kušej. Ci viene subito da pensare che l’idea su cui si basa questa messa in scena sia stata concepita con lo specifico scopo di far discutere, nel bene o nel male, purché se ne parli. A nostro avviso non è soltanto il fatto che sia stato completamente snaturato e alterato il contenuto delle vicende originarie a suscitare un certo clamore, ma soprattutto il constatare che lo spettacolo in se stesso non offra nulla di particolarmente significativo, tanto dal punto di vista drammaturgico quanto musicale. Ancora una volta le tristi vicende politiche internazionali e i fatti di cruda violenza cui assistiamo fin troppo spesso al giorno d’oggi, diventano fonte di ispirazione per mettere in scena un capolavoro che invece aveva già tutto quanto serviva per incantare e stupire. Nessun palazzo principesco per il pascià Selim, ma soltanto una landa desolata in cui si scorge una tenda beduina nella scenografia di Annette Murschetz. Siamo nel corso della prima Guerra Mondiale e l’unico interesse del Pascià e le sue guardie è guadagnare maggior autorità nei confronti delle grandi potenze tramite la cattura di alcuni ostaggi. Selim diventa dunque un terribile terrorista islamico, il cui capo delle guardie è un implacabile vendicatore, che non riuscendo ad ottenere i favori bramati dalla prigioniera Konstanze e dalla sua cameriera Blonde, decapita lei e tutti i suoi amici per vendetta, spacciando il gesto come prova di estremo rispetto per il suo signore. Certo anche nella versione originale questi non era uno stinco di santo, ma qui ci viene proposto davvero come un assassino sanguinario nei fatti e non solo nelle intenzioni. E via di corpi immersi nella sabbia in attesa del giudizio finale, guardie incappucciate che filmano i prigionieri minacciati da lame affilate.. Insomma uno spettacolo ben lontano da ciò che cerca chi si reca a teatro per evadere dalle brutture del mondo odierno.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Secondo appuntamento operistico al Filarmonico di Verona con Pagliacci di Leoncavallo, nel ricchissimo e colorato allestimento ormai parte della storia registica italiana, firmato da Franco Zeffirelli e ripreso quest’anno per il teatro veronese da  Stefano Trespidi. Ambientato dal regista toscano a cavallo tra gli anni Sessanta ed il secolo successivo, in una periferia degradata i cui condomini fatiscenti nascondono segreti e tragedie, conserva il sapore del Sud d’Italia, con la gente che si accalca incuriosita in piazza o si affretta alla finestra per origliare il litigio tra Nedda ed il respinto Tonio, i motorini che si fanno largo tra la folla, i panni stesi al balcone e naturalmente la voglia di vivere con l’energia di chi ha sempre qualcosa da raccontare, nonostante le difficoltà. Potrà essere un allestimento ormai datato, ove, come spesso accade con le regie di Zeffirelli, i cantanti quasi non si scorgono tra le folle delle comparse e gli immancabili animali, ma ne registriamo la cura dei più piccoli dettagli, come ad esempio aver arredato anche gli scorci delle camere che si intravedono dalle balconate, e poi la ricchezza dei costumi estrosi di Raimonda Gaetani, che non stonano trattandosi di personaggi atti a divertire un pubblico in scena altrettanto folcloristico, e naturalmente la piena adesione al libretto, elementi che ne fanno ancora oggi uno spettacolo funzionale che piace al pubblico, intrattenuto dai figuranti anche a sipario chiuso.  

Di Maria Teresa Giovagnoli

Di Pierluigi Guadagni

“Svenami tu, ma non espormi, o sire,

all'onta d'un giudizio: il regio nome,

fa che in me si rispetti.”

Anna Bolena è titolo di cesura nella produzione del compositore bergamasco.

L'elemento umano, il palpito della commozione cercato con ansia ovunque, porterà Donizetti ad abbattere barriere tra il genere serio ed il comico, riconquistando quella particolare unità di elementi che sarà la cartina di tornasole nella sua futura produzione musicale.

La protagonista del lavoro del Bergamasco, condannata innocente, è la tipica eroina dell'ideale melodrammatico; la pagina delle visioni allucinanti di Anna nel carcere di Londra, rompe ogni legame anche formale con gli schemi fin qui adottati da Rossini, Mayr ed altri compositori, aprendo la strada ad un nuovo declamato e ad un nuovo colorito strumentale dell'opera romantica.

Di Simone De Angeli

Poter ascoltare Don Carlo nella versione “integrale” in 5 atti è ormai evento sempre più raro. Probabilmente i costi, la durata, l’impegno complessivo economico ed artistico, scoraggiano le Istituzioni e fanno più “semplicemente” propendere per la tradizionale versione “ridotta”.

Non ha scelto la strada facile il Teatro alla Scala che, con questa operazione di “recupero” si pone al centro della Scena Lirica Internazionale reclamando il posto che, per diritto, storia e prestigio, le spetta.

Un lavoro “ciclopico” per energia, costi artistici e gestione delle masse che, possiamo dire fin da subito, è stato vinto senza tema di smentita.

Lo spettacolo è stato molto affascinante.

Le scene di Ferdinand Woegerbauer erano semplici, lineari, prive di orpelli, asciutte ma non fuori luogo, non fastidiose e non ridondanti (e questo in un’opera così “carica” è già un grandissimo pregio!).

Il sapiente gioco di luci di Joachim Barth e i bellissimi costumi di Anna Maria Heinreich che giocavano tutti sui toni più o meno accesi e “fluorescenti” del verde, oro (stupendo il costume di Filippo II) e melanzana (altrettanto splendido il mantello con pelliccia di Elisabetta di Valois) facevano da contrasto ai toni più cupi e scuri del blu violaceo e nero di Rodrigo e Don Carlo.

Costumi e luci dunque hanno fatto da “riempimento” dell’essenzialità delle scene e la regia di Peter Stein era molto curata nella gestione delle interazioni tra i diversi protagonisti. Tanto le passioni animavano il loro canto quanto erano volutamente “trattenuti” come se ci fosse sempre un filo, più in alto di loro, che gestiva le loro azioni portandole inevitabilmente al destino tristissimo che li attendeva.

Una regia di gusto, sobria, precisa, attenta, senza inutili guizzi e senza mai scadere in facili tentazioni di grossolaneria o di volgarità.

Con il nuovo anno continuano gli appuntamenti concertistici organizzati dall’Associazione Verona lirica, che dobbiamo dire si prodiga molto affinché una così bella forma d’arte quale la musica classica, fiorisca e venga diffusa il più possibile, almeno nell’ambito della propria città. Con molto piacere questa volta, come già in altre felici occasioni, oltre a cantanti lirici quali Valeria Sepe, Walter Fraccaro, Romano dal Zovo e Devid Cecconi, per la parte squisitamente strumentale si è unito al gruppo il Quartetto d’ Archi dell' Arena di Verona, in compagnia di Stefano Conzatti al clarinetto, per un Quintetto d’eccezione. Patrizia Quarta come sempre ha accompagnato i cantanti al pianoforte.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Ormai ogni volta che assistiamo ad una nuova produzione de Il Flauto magico di Mozart è lecito aspettarsi qualcosa di particolare o per lo meno di diverso rispetto alla tradizione. Dobbiamo dire che ultimamente abbiamo assistito ad interpretazioni discutibili, talvolta assurde, ma comunque la si metta è un'opera talmente densa di contenuti e significati che un regista può davvero sbizzarrirsi e inserire spunti di ogni tipo. Il rischio è ovviamente di strafare oppure uscire dal seminato. Per la nuova produzione in scena al Verdi di Trieste è stata chiamata la sudamericana Valentina Carrasco
che ha collaborato in passato con il notissimo team de La Fura dels Baus. Secondo la regista forza motrice del mondo sono i bambini, esseri di purezza indiscutibile e che muovono inconsapevolmente nel bene e nel male eventi e persone per il semplice gusto di giocare.

Si è concluso uno degli anni più difficili per la Fondazione Arena di Verona, con l’annuncio dell’ ormai definitiva perdita del corpo di ballo e la consapevolezza che i problemi non sono finiti, ma con la fiducia nelle masse artistiche che ancora credono nella forza dell’arte e della bellezza, da sempre divulgati dalla Fondazione. Così vogliamo pensare al concerto del 31 dicembre come un momento di speranza e di festa, con l’augurio che presto si possano trovare soluzioni efficaci da chi di dovere, per andare avanti puntando sulla qualità che da sempre contraddistingue l’arte italiana.

Un concerto festoso dal programma variegato è quello che Andrea Battistoni ha condotto al Teatro Filarmonico per salutare l'arrivo del 2017, con la partecipazione di coro ed orchestra areniani.

La prima parte è dedicata al repertorio operistico spaziando da Rossini a Verdi, Ponchielli, Leoncavallo, fino a Wagner, cui l’orchestra si accosta più che onorevolmente in occasioni concertistiche come queste. La Ouverture dal Guglielmo Tell vede bilanciati e morbidi tutti gli archi pronti poi per l’esplosione di suono insieme alle altre sezioni, che il Direttore sollecita ma controlla. Il coro preparato da Vito Lombardi si diverte ad interpretare le zingarelle ed i mattadori della Traviata, mentre la danza delle ore de La Gioconda offre un delizioso ponte verso il coro delle campane tratto da I pagliacci. Sembra sia ormai indispensabile inserire il coro del Nabucco nei concerti dedicati all’anno nuovo e così anche in questa occasione non è mancato, ormai fin nel midollo dei coristi che a sezioni unite offrono un suono ancor più omogeneo e coinvolgente. Da uno spumeggiante Fuoco di gioia si passa alla funambolica Cavalcata delle Walkirie, a conclusione della prima parte.

Fa piacere constatare con quanta compartecipazione ogni volta il maestro Battistoni conduca una orchestra che potremmo definire la sua grande famiglia. In una occasione come questa il beniamino di casa aggiunge ancor più brio e spontaneità ad una direzione comunque attenta e chiara. I musicisti si divertono e l’atmosfera si scalda, pronta per una seconda parte a nostro avviso più interessante per la presenza delle danze sinfoniche da West Side Story di Bernstein e l’Apprendista stregone di Paul Dukas. Il musical di Bernstein, anteposto a L’heure s’envole dal Roméo et Juliette di Gounod vista la sua attinenza con la trama, porta freschezza e diremmo ‘prepotenza’ melodica  al concerto, con i continui cambi di ritmo e di atmosfere, l’allegria e diremmo ‘nonchalance’ che si alterna a momenti di lirismo incredibile, è insomma una vera delizia, che ci piacerebbe fosse proposto in calendario anche qui. Niente male ascoltare l’apprendista stregone di Dukas, poema sinfonico dalle ambientazioni misteriose e un po’ sospese, che esemplificano esattamente il caos che il povero apprendista si suppone crei nel laboratorio del suo maestro. Naturalmente Battistoni ha divertito e si è divertito con l’orchestra della Fondazione Arena in bella forma chiudendo la parte ‘istituzionale’ con estratti dal quarto atto della Carmen. Non poteva davvero mancare però un doppio bis viennese: si sa che per quanto ci si sforzi di pensare a programmi variegati e coinvolgenti per festeggiare il nuovo anno, se mancano An der schönen blauen Donau (qui nella versione corale come in origine) e la Radetzky-Marsch non sembra davvero Capodanno, quindi anche l’orchestra dell’Arena di Verona ha fatto la sua parte e la serata si è conclusa con pizzico di spirito ed il Maestro Battistoni accomodato per qualche battuta tra i violoncelli.

Infine gli auguri di rito da parte di orchestra, direttore e presentatore e tutti a brindare con spumante e pandoro.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Con molta curiosità siamo stati al Teatro Lirico di Cagliari dove è in scena in questi giorni lo spettacolo de Il Trovatore interamente concepito in ogni sua parte dalla mente visionaria del regista trentino Stefano Poda. In un ambiente lunare, dove gli spazi sono amplificati da fasci di luce ed ombra che esaltano le figure umane ed esaltano le espressioni dei loro volti, il destino degli uomini sembra dominato dalla vendetta e dai sotterfugi. Ora il buio ora la luce intensa si alternano a testimoniare come il fato decida in fretta e senza possibilità di scelta, ed anche i poteri dei forti vengano rovesciati all’improvviso. Tutti sconfitti: Leonora nel suo sogno d’amore e di vita, il Conte di Luna come crudele innamorato e fratello inconsapevole, la tremenda Azucena lacerata tra amore materno e vendetta di figlia, e naturalmente il trovatore Manrico, giustiziato senza appello. Poda sottolinea l’aspetto estremamente truculento del dramma verdiano con una semplicità forse spiazzante; tutto sommato sono pochi gli elementi presenti in scena, ma sono combinati efficacemente per dare ogni volta l'effetto desiderato, come in un quadro surrealista di fronte al quale si resta spiazzati ma anche attratti. La grande mano che troneggia tra i protagonisti pare afferrarli e spingere ognuno verso il suo destino oscuro, irto di acuminati pericoli..

Spesso i teatri di tradizione si fanno promotori di progetti atti al recupero di opere raramente eseguite oppure addirittura sepolte e dimenticate negli archivi di conservatori o case editrici. Così il teatro Comunale di Treviso insieme all’Opéra de Chambre di Ginevra ha riportato sulle scene due atti unici buffi del grande Donizetti poco eseguiti se non addirittura sconosciuti: Il campanello ed Il giovedì grasso. Il progetto nasce in collaborazione con l’Opera studio del Conservatorio di Venezia e con il Consorzio tra i Conservatori del Veneto. Inoltre l’Università di Ferrara ha fornito il suo apporto per la trascrizione dei testi.

Va da sé che un progetto di questo tipo risulta piuttosto ambizioso e va certamente apprezzato soprattutto per l’entusiasmo che i suoi partecipanti hanno mostrato sul palco. Detto questo dobbiamo anche sottolineare che trattandosi principalmente di un progetto realizzato con studenti del conservatorio, il giudizio globale va formulato considerando un cast composto da chi si trova tuttora in fase di studio, approfondimento interpretativo e in alcuni casi di maturazione vocale e tecnica. Stessa cosa dicasi per la volenterosa orchestra composta da musicisti di sicuro talento ma che provenienti da diversi istituti, non hanno certamente l’amalgama che possono vantare le orchestre, diciamo mature, i cui elementi lavorano insieme da tempo.  

Di Maria Teresa Giovagnoli

Al Teatro Grande di Brescia arriva la Traviata che sta girando nel Circuito Lirico Lombardo da qualche mese con il curatissimo spettacolo di Alice Rohrwacher, regista nota al mondo cinematografico, che ha portato le suggestive atmosfere e la vivacità tipica dei lungometraggi anche sul palcoscenico operistico.   Succedono tantissime cose nell’ ambiente creato dalla scenografa Federica Parolini, un luogo che potrebbe essere non necessariamente Parigi, o in ogni caso un luogo di forti contrasti e grandi illusioni, laddove lo sfavillio delle luci e dei colori si contrappone alla desolante vita morale e sentimentale della protagonista, che come una diva del cinema è posta costantemente sotto i riflettori.

Di Maria Teresa Giovagnoli

Mai come questa volta siamo stati lieti testimoni di una apertura di stagione in un teatro, poiché le difficoltà che sta affrontando la Fondazione Arena da mesi sono note ormai a tutti e vedere come dopo uno stop forzato di tre mesi si sia riusciti ad aprire la stagione operistica con una produzione veramente interessante ci conforta e rinnoviamo il nostro in bocca al lupo per il futuro.

Lo spettacolo di Turandot cui abbiamo assistito proviene dalla Slovene National Opera And Ballet di Maribor ed è concepito dalla mente di Filippo Tonon, il quale riesce a portare in scena tanto il gusto fiabesco di un impero dorato quanto il dramma che lacera la protagonista, circondata di bellezza e potere ma anche e soprattutto di morte. Tutto è studiato per affrontare questo dramma in ogni suo aspetto, in modo da affascinare lo spettatore ma allo stesso tempo entrare nei personaggi e scavare nella loro psiche. Un viaggio soprattutto mentale che non ha bisogno di una ambientazione specifica: potremmo essere in Oriente ma ciò che vediamo è soprattutto quello che i protagonisti vivono e sentono. Ecco che dunque l’oscurità può avvolgere le scene tanto quanto la luce della speranza, secondo il perfetto disegno luminoso dello stesso Tonon. Menzione speciale va fatta agli abiti di Cristina Aceti che scolpisce letteralmente i ruoli sui corpi dei personaggi immediatamente identificabili. La principessa di gelo è meravigliosa nei suoi abiti lucenti ed impalpabili, ma Tonon la fa muovere quasi con circospezione, avvolta da un’aura di mistero, il suo sguardo è fugace, ella scruta e giudica eterea e sfuggente. Liù è tutta dolore e sofferenza nella sua composta miseria fisica e sociale; vi è contrasto estremo tra la brillantezza dei nobili e la semplicità quasi selvaggia dello stesso Calaf, suo padre e la povera Liù. Neanche a dirlo le tre maschere sono sgargianti e vistose quanto i loro caratteri bizzarri. Terribile e magnifico allo stesso tempo il look del Mandarino che risulta quasi inquietante.

Bellissime le scene di Tonon con ornamenti bronzei, argentati che accennano al palazzo e muovendosi o scomparendo disegnano un continuo gioco di prospettive e cambi di visuale. Gli interpreti hanno tutto ciò che serve in uno spazio essenziale e magnifico allo stesso tempo.

Buono il risultato anche sul fronte musicale ma con diverse perplessità suscitate dalla direzione del Maestro Jader Bignamini. I ritmi sono serrati e seguono la concitazione degli eventi, ma un’opera che vive costantemente in bilico tra speranza e dolore, tra vita e morte, i cui interpreti sono chiamati a mostrare tutto il loro mondo interiore, soprattutto in questo allestimento così intimistico, nulla di tutto ciò è emerso dall’orchestra sempre spinta al massimo; anche nei momenti più squisitamente lirici non abbiamo sentito pathos ma solo forza e potenza, in quella che ci è sembrata quasi una gara a chi fosse il più forte.

Di Rosy Simeone

Lo spettacolo andato in scena a Napoli è ancora quello di Francesco Saponaro di un anno fa e che riprendeva a sua volta quello del 2012.Già parlammo dell’estrema bellezza ed efficacia di questa produzione densa di momenti poetici e piena di antiche suggestioni; bellissimo il fondale di Parigi innevata in una atmosfera quasi rarefatta sullo sfondo del secondo atto. Le scene e i costumi di Lino Fiorito si inseriscono anch’essi nel solco di una tradizionale visione del capolavoro pucciniano, molto belle e curate le luci di Pasquale Mari

Di Simone De Angeli

Da una Inaugurazione cancellata al debutto di un nuovo spettacolo di Traviata, forse la più eseguita tra le opere verdiane.

Lo spettacolo di Giorgio Gallione è bellissimo.

Le scene di Guido Fiorato sono curate nei dettagli e descrivono ambienti ricercati e “trasgressivi” senza mai cedere alla volgarità o all’esagerazione.

La regia degli Artisti in scena è molto curata, perfetta l’interazione tra i tre protagonisti principali e il foltissimo “stuolo” di comprimari.

Belli anche i costumi sempre di Guido Fiorato che contribuiscono, insieme al bellissimo gioco di luci curato da Luciano Novelli, a creare un’atmosfera a tratti “dark” a tratti gotica alla narrazione di Gallione.

L’inizio della narrazione è la stessa scenografia del seguito che, grazie appunto al gioco di luci e colori lascia intendere ad un flash back in un cimitero diroccato che alle prime note successive al preludio, si trasforma in un cortile esterno dove si svolge la prima festa di Violetta.

A centosettanta anni dalla prima assoluta proprio alla Fenice di Venezia torna l’Attila di Giuseppe Verdi nell’allestimento che ha inaugurato la stagione al Comunale di Bologna con la regia di Daniele Abbado, che si avvale delle scene di Gianni Carluccio.

Torna dunque il clima cupo di questo spettacolo basato su una ambientazione sostanzialmente uniforme che può suggerire un grande veliero ma anche luoghi desolati e fatiscenti in cui lo spettatore è lasciato libero di vedere ciò che crede. Il periodo in cui ci troviamo è altrettanto indefinito e certo più vicino ai giorni nostri, con l’idea del viaggio come leitmotiv, non già degli antichi Romani o Unni, ma piuttosto di gente di ogni epoca costretta a spostarsi per sopravvivere. Un riferimento esplicito alle sfortunate popolazioni di profughi odierne. La regia è piuttosto lineare con gli interpreti quasi sempre in primo piano e a nostro avviso abbastanza liberi di esprimersi. Le luci dello stesso Carluccio sottolineano l’azione celando tutto il resto in una specie di penombra.  I  costumi realizzati in coppia con Daniela Cernigliaro sono adeguati al contesto.

Di Simone De Angeli

Inaugurazione della Stagione Lirica in Scala, Madama Butterfly di Giacomo Puccini in una versione che riprende l’edizione del 1904 data proprio alla Scala e che costò al musicista lucchese una amara delusione per l’accoglienza del pubblico.

Non faremo qui una disamina filologica e musicale delle differenze tra le versioni limitandoci, per parte nostra, a riscontrare che la versione che tutti conosciamo da tradizione ci sembra essere emotivamente più “immediata” e complessivamente vincente rispetto a questa “rivisitazione” di un insuccesso.

Detto questo però non si può non dire che la Scala ha fatto le cose davvero per bene e che sicuramente l’interesse dell’appassionato nell’ascoltare qualcosa di diverso e per certi versi “nuovo” è molto affascinante.

Lo spettacolo si è avvalso delle stupende scene di Alvis Hermanis e Leila Fteita che hanno ideato una struttura su tre livelli con pannelli semovibili che fungevano da separazione degli spazi e che davano, grazie anche alle video proiezioni curate da Ineta Sipunova, un senso di profondità e di spazio ma senza perdersi in particolari inutili o leziosi.