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DER FLIEGENDE HOLLÄNDER, RICHARD WAGNER - BAYREUTHER FESTSPIELE, 8 agosto 2014

Giovedì, 14 Agosto 2014
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HOLLÄNDER
(zu Senta)

“Du kennst mich nicht, du ahnst nicht, wer ich bin!”

Come è prassi alla verde collina di Bayreuth, non si capisce come un allestimento accolto nel 2012 come immondo e salutato da urla e improperi all'indirizzo del regista Jan Philipp Gloger, possa venire salutato come un trionfo solo due anni dopo.

Ma appunto ormai ci si è probabilmente talmente assuefatti ai lavori controversi (per usare un termine scrivibile) proposti ogni anno dalla direzione del festival delle sorelle Wagner, che ormai il motto degli spettatori si può riassumere in “chiudi gli occhi e goditi la musica”.

Archiviata la querelle sul presunto tatuaggio nazista del basso Nikitin ingaggiato all'epoca per la parte dell'Olandese, il focus del pubblico si è concentrato sull'improponibile lavoro drammaturgico che il regista Jan Philipp Gloger e la drammaturga Sophie Beker hanno impostato per questo Fliegende Hollander.

Il mare, personaggio silente ma perennemente presente nell'opera wagneriana, è qui sostituito da un reticolo di diodi in perenne sfarfallamento che avvolge la scena verticalmente sulla quale una serie di orologi numerali al neon, ci ricordano (probabilmente) i profitti in salita dell'azienda di produzione di ventilatori di Daland.

L'idea sembrerebbe essere quella di un mercato globale che continuamente ci circonda e ci controlla.

Daland apprendiamo essere quindi il proprietario di questa azienda di produzione di ventilatori (sic!) dove lo Steuermann del libretto diventa un petulante e precisino segretario tutto teso a far quadrare i conti e il suo equipaggio è sostituito dagli impiegati in giacca e cravatta di cui sopra. Non si capisce il motivo per il quale però i due nostri si trovino nel primo atto su di una barchetta in piena notte in doppiopetto e grisaglia....

L'Olandese si presenterà a loro come un uomo d'affari depresso con tanto di trolley al seguito rigonfio di dollaroni sonanti, in cerca di affetto a buon prezzo, giacché non trovandolo tenterà il suicidio durante il monologo del primo atto tagliandosi le vene ovviamente senza riuscirci.

Senta qui diventa la figlia controversa in un mondo di operaie addette alla produzione dei famigerati ventilatori, in cerca di un suo misterioso perché di vita, Erik è il garzone tuttofare della fabbrica, perennemente con la pistola per silicone in mano e Mary la petulante segretaria. Dopo aver comprato la fabbrica di Daland con i succitati soldoni e averla resa profittevole, l'Olandese apprende del presunto amore tra Senta ed Erik e nel giro di poche battute si suiciderà per il dolore (questa volta per davvero) seguito a ruota da Senta. Cala velocemente il sipario, si spengono le luci e sugli ultimi sublimi accordi si riapre il sipario mostrandoci il cinico Daland con il felicissimo segretario Steuerman produrre non più ventilatori, bensì statuette ricordo in plastica dei due sfortunati amanti.

Amen.

Come prassi vuole a Bayreuth, contraltare ad un allestimento inguardabile stava un’ esecuzione musicale di altissimo livello.

Christian Thielemann ha diretto l'orchestra del Festspielehaus con la consueta magistrale bravura, fatta di un'instancabile intensità ed omogeneità di suono senza pari, supportando la meravigliosa tensione della partitura wagneriana per tutta la durata dello spettacolo. Thielemann sceglie di condurre la versione definitiva del Fliegende Hollander composta da Wagner, meno tesa di quella originale, ma sicuramente più adatta alla natura interpretativa romantica del Direttore tedesco.

Il coro del Festispielehaus diretto da Eberhard Friedrich, ha ancora una volta giustificato la sua reputazione come il migliore del mondo in questo repertorio, cantando con una tale concentrazione ed uniformità di suono da lasciare a bocca aperta.

Samuel Youn, non possiede il tonnellaggio vocale richiesto per il ruolo dell'Olandese ma, aiutato dall'acustica del teatro, tratteggia il personaggio con la giusta dose di sofferenza e dignità richiesta dalla partitura risultando infine più che credibile.

Ricarda Merberth, è una Senta impareggiabile dalla voce d'acciaio, penetrante e ampissima tutta tesa a scandagliare i conflitti e le passioni del suo personaggio.

La sua ballata del secondo atto ci resterà impressa per coerenza drammatica e purezza di suono.

Tomislav Muzek è stato la vera sorpresa di questo allestimento. Il tenore croato canta divinamente la sua parte e le sue due tecnicamente difficili arie con voce sicura e potente facendoci dimenticare i tenorini asfittici spesso chiamati ad interpretare la parte di Erik. Il fraseggio è perfetto senza sbavature e i fiati lunghissimi. Speriamo di ascoltarlo presto in ruoli più maturi.

Kwangchul Youn è stato un Daland credibile, dalla voce sicura e paterna.

Benjamin Bruns ha cantato e recitato la parte dell'iperattivo Steuermann con precisione e partecipazione encomiabili, come pure la Mary di Christa Mayer.

Applausi convinti per tutti con autentico delirio collettivo e numerosissime chiamate al proscenio per Thielemann.

Pierluigi Guadagni

L APRODUZIONE

Direttore d’orchestra	*Christian Thielemann*
Regia	*Jan Philipp Gloger*
Scene	*Christof Hetzer*
Costumi	*Karin Jud*
Luci	*Urs Schönebaum*
Video	*Martin Eidenberger*
Drammaturgia	*Sophie Becker*
Direttore del coro	*Eberhard Friedrich*

GLI INTERPRETI

Daland	*Kwangchul Youn*
Senta	*Ricarda Merbeth*
Erik	*Tomislav Mužek*
Mary	*Christa Mayer*
Der Steuermann	*Benjamin Bruns*
Der Holländer	*Samuel Youn*

Foto Bayreuther Festspiele

R. WAGNER, LOHENGRIN - BAYREUTHER FESTSPIELE, 09 agosto 2014

Mercoledì, 13 Agosto 2014
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“Nun sollen wir der Welt entronnen sein,
kein Lauscher darf des Herzens Grüssen nahn. “

Come disse il compianto Patrice Chereau durante la lavorazione del suo mitico Ring del centenario nel 1976, il pubblico di Bayreuth è l'archetipo del pubblico più conservatore che vi sia: inizialmente respinge qualsiasi novità proposta, quindi la accetta per poi preservarla nella paura che possa accadere di peggio.

Così deve essere, altrimenti non saprei spiegarmi le ovazioni che hanno accolto per il quinto anno consecutivo la stravagante messinscena di questo Lohengrin da parte del regista Hans Neuenfels dopo averla duramente contestata al suo apparire nel 2010. E sembra che ormai l'unico scopo della direzione artistica delle sorelle Wagner sia quello di dividere il loro pubblico in tre categorie distinte: quelli che credono di partecipare ad un quiz a premi, tentando di indovinare le recondite idee dei registi della Neue Generation tedesca ovviamente senza riuscirci, quelli che escono allibiti dalla sala imprecando e ingiuriando contro di loro e quelli che ascoltano ad occhi chiusi incuranti di ciò che accade sul palcoscenico. La maggioranza credo appartenga alla terza categoria.

Lo spettacolo, concepito assieme al drammaturgo Henry Arnold, è una delle cose più stravaganti viste in un teatro dal sottoscritto, un' accozzaglia di idee senza capo né coda proposte al pubblico senza il minimo pudore artistico. La vicenda viene ambientata in un laboratorio di esperimenti, un grande spazio bianco in stile Bauhaus concepito dallo scenografo Reinhard von der Thannen, dove appunto un'umanità di ratti, divisa comunque per classi sociali e capeggiata dal Reratto Heinrich viene sottoposta ai più disparati esperimenti da laboratorio, coadiuvati da tecnici in camice verde e da ratti socialmente eletti ad uccidere altri ratti più sfortunati.

Lohengrin in tutto questo non si capisce se sia lui stesso parte dell'esperimento o colui che salverà i ratti portandoli ad uno sviluppo sociale che li salverà finalmente. Non mi soffermo sul penoso sviluppo drammaturgico in corso d'opera ma vi basti sapere che nel finale lo scomparso principe ereditario del Brabante, non verrà più svelato dal cigno magnanimo ma uscirà da un uovo di cigno (!!) sotto le sembianze di un feto orrendo che distribuisce salsicce ai topi redenti, benedicendoli e salvandoli. Per dovere di cronaca i costumi dei ratti erano sempre di Rheinhard von der Thannen, le luci di Franck Evin e i video dei ratti a fumetti di Bjorn Verloh.

Il rovescio della medaglia di questo Lohengrin è però un'esecuzione musicale di altissimo livello.

Il più grande piacere di assistere ad una recita al Festspielehaus di Bayreuth è poter ascoltare la sua leggendaria orchestra e il superbo coro. La direzione di Andris Nelsons ha reso onore alla partitura wagneriana esaltandone le particolarità immateriali e celesti del primo atto, le profondità malvagie del secondo atto, e le transazioni lunari a livelli di raffinatezza strumentale del terzo atto. Gli strumentisti rispondono alle sollecitazioni di Nelsons con precisione altrove inascoltabile, aiutati dall'acustica impareggiabile del teatro che ne sa esaltare le voci dei singoli strumenti senza coprire le voci umane sul palcoscenico. La prestazione del coro, diretto dall' ormai leggendario Eberardh Friedrich, è stata come sempre impareggiabile per precisione vocale e magniloquenza del volume sonoro.

Nel ruolo di Lohengrin, Klaus Florian Vogt è ad oggi imbattibile. La sua voce cristallina, bianca, e tutta proiettata in avanti senza il minimo uso di artifizi vocali, lo rende interprete di una raffinatezza incomparabile. La purezza assoluta nella dizione, il timbro adolescenziale ma mai neutro, la più pura capacità di fraseggiare da heldentenor senza quel fastidioso effetto trombone delle vocioni nibelungiche del passato, hanno fatto sì che ogni volta che il Nostro apriva bocca, vi si dimenticava dell'orrore visivo sul palcoscenico.

Per lui autentico delirio alle chiamate finali, con venti minuti di follia collettiva e standing ovation senza fine.

L'italiana Edith Haller ha dato corpo ad Elsa in maniera più che soddisfacente. Già dalla sua prima frase “mei armer Bruder” si è capito che la sua performance sarebbe stata tutta concentrata sulla ricerca di un colore ben definito. La sua è una voce molto aperta con una proiezione robusta e concreta al centro e nelle note basse, ma molto vicina nelle parti acute al grido. La sua Elsa è in sostanza una creatura fiduciosa e serena più che sconcertata e adirata.

Petra Lang è un'autentica fuoriclasse, la sua Ortrud è stata tanto avvincente quanto agghiacciante per capacità di aderenza al dettato musicale. La sua enorme voce ha il potere di rappresentare il male puro che è insito al personaggio di Ortrud rendendolo con un colore bronzeo dall'acuto squillante.

Suo degno compagno Thomas J.Mayercome Telramund ha voce vigorosa e particolarmente duttile, rende il suo personaggio con una caratura drammatica d'impatto notevole, sicuro negli acuti senza mettere il suo organo vocale sotto pressioni inutili e sforzate.

Wilhelm Schwinghammer è stato un Konig Heinrich un po' sottotono, tutto nervi e paura, forse plagiato dalla messinscena che lo voleva come un re debole e nevrotico, si è dimostrato carente nel sottolineare la gravità e la solennità che richiede il suo ruolo.

Samuel Youn, che ha cantato la sera precedente la parte di Holländer nel Fliegende Holländer, si è dimostrato ancora una volta cantante brillante e ispirato.

Convincenti Stefan Heibach, Wilelm van der Heyden, Rainer Zaun e Christian Tschelebiew come quattro nobili.

Successo trionfale per tutti gli interpreti con punte di autentico delirio per Vogt e Lang chiamati al proscenio per più di sei volte consecutive sommersi da urla di giubilo da parte di un pubblico che ha affollato la sala del Festispielehaus, nonostante i canonici 30 gradi interni, con una concentrazione e partecipazione impensabili in altri teatri.

Pierluigi Guadagni

Direttore d’orchestra	*Andris Nelsons*
Regia	*Hans Neuenfels*
Scene	*Reinhard von der Thannen*
Costumi	*Reinhard von der Thannen*
Luci	*Franck Evin*
Video	*Björn Verloh*
Drammaturgia	*Henry Arnold*
Direttore del coro	*Eberhard Friedrich*

Heinrich der Vogler	*Wilhelm Schwinghammer*
Lohengrin	*Klaus Florian Vogt*
Elsa von Brabant	*Edith Haller*
Friedrich von Telramund	*Thomas J. Mayer*
Ortrud	*Petra Lang*
Der Heerrufer des Königs	*Samuel Youn*
1. Nobile	*Stefan Heibach*
2. Nobile	*Willem Van der Heyden*
3. Nobile	*Rainer Zaun*
4. Nobile	*Christian Tschelebiew*

Foto Bayreuther Festspiele

CARMINA BURANA, CARL ORFF - ARENA DI VERONA, Sabato 9 agosto 2014

Domenica, 10 Agosto 2014
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Ci sono delle occasioni in cui è particolarmente piacevole raccontare quanto si è visto ed udito in teatro e lo spettacolo offerto ieri dalla Fondazione Arena di Verona costituisce uno di quegli eventi felici. I Carmina Burana di Carl Orff hanno richiamato tantissima gente dall’Italia e dall’Estero, che ha partecipato vivamente e con entusiasmo all’ esecuzione di questa cantata scenica che per la prima volta veniva offerta nell’anfiteatro veronese. In una bella serata finalmente calda e serena, l’orchestra dell’Arena di Verona diretta dal Maestro Andrea Battistoni, il coro della Fondazione di Armando Tasso, insieme al doppio Coro di Voci bianche, A.LI.VE. di Paolo Facincani, con l’ A.d’A.MUS. di Marco Tonini, ed i tre solisti: il soprano Nadine Sierra, il controtenore Raffaele Pè ed il baritono Artur Ruciński, hanno regalato musica coinvolgente nell’entusiasmo generale.

Musicati dal bavarese Orff ed eseguiti per la prima volta nel 1937, i Carmina burana: Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae, comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis sono stati resi celebri soprattutto per il brano O fortuna che apre e chiude la composizione, grazie anche al suo utilizzo in numerose colonne sonore e spot pubblicitari. Ma il fascino che in sé hanno questi brani deriva soprattutto dalla loro origine remota. In alcune esecuzioni infatti sono accompagnati anche da danze che evocano le atmosfere medioevali di cui essi sono intrisi. I 24 canti di cui si compone l'opera di Orff sono tratti da un manoscritto molto ricco del tredicesimo secolo che ne conteneva oltre trecento, trovato ad inizio dell’ottocento nell’Abbazia di Benediktbeuern in Germania (Bura Sancti Benedicti), da cui deriva il nome, poi finalmente catalogati e pubblicati nel 1847 dallo studioso Schmeller. Sono composti in latino, tedesco antico e provenzale, alcuni dei quali erano anche musicati, e trattano svariati argomenti: dalla satira e moralità alla natura, poi al cibo ed alla convivialità, infine all’amore ed alla religione. La struttura della cantata è circolare, con La Fortuna come filo conduttore, con la sua ruota che gira e coinvolge tutti

L’utilizzo massiccio delle percussioni, le melodie coinvolgenti e di facile assimilazione, la maestosità del coro, ma anche momenti di dolce lirismo quando si parla d’amore o di religione, sono un cocktail irresistibile sin dal primo ascolto, salutato con successo proprio sin da quell’8 giugno 1937 a Francoforte.

Nello spettacolo di ieri sera ha convinto Nadine Sierra per la leggerezza nel canto e la disinvoltura con cui ha affrontato le asperità della partitura, con i funambolici balzi in acuto; così come Artur Ruciński ha dimostrato una incredibile duttilità timbrica unita all’intensità interpretativa a cui ci ha abituati; corretto anche Raffaele Pè nella non facile esecuzione di Olim lacus colueram.

In formazione compatta il Coro areniano può dare il meglio di sé, riuscendo a creare uniformità di suono e maggior precisione negli attacchi. Insieme a loro, come detto, i piccoli dell’ A.LI.VE. e dell’ A.d’A.MUS.

A rendere possibile il successo dell’esecuzione vi è il fondamentale contributo del Maestro Battistoni, particolarmente a suo agio in questa composizione che mostra di conoscere a pieno ed interpretare con personalità e carattere. Ha gestito questa partitura tanto articolata e ricca riuscendo a controllare tutti gli elementi, cosa non facile con i solisti posti alle sue spalle.

Di grande effetto il gioco di luci creato dai tecnici alle spalle del palco, con dulcis in fundo una esplosione di fiamme ardenti poste tra palco e platea.

Il pubblico ha applaudito con molto calore, quasi festante, fino ad ottenere il bis della più che celebre O Fortuna, al termine della quale si è alzato anche in piedi per portare in trionfo tutti i protagonisti della serata.

Un trionfo anche per la Fondazione Arena, come dovrebbe sempre essere.

MTG

Struttura completa:

Fortuna Imperatrix Mundi

1. O Fortuna

2. Fortune plango vulnera

I. Primo vere

3. Veris leta facies

4. Omnia sol temperat

5. Ecce gratum

Uf dem anger

6. Tanz

7. Floret silva nobilis

8. Chramer, gip die varwe mir

9. Reie

10. Were diu werlt alle min

II. In Taberna

11. Estuans interius

12. Olim lacus colueram

13. Ego sum abbas

14. In taberna quando sumus

III. Cour d'amours

15. Amor volat undique

16. Dies, nox et omnia

17. Stetit puella

18. Circa mea pectora

19. Si puer cum puellula

20. Veni, veni, venias

21. In truitina

22. Tempus est iocundum

23. Dulcissime

Blanziflor et Helena

24. Ave formosissima

Fortuna Imperatrix Mundi

25. O Fortuna

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IL TRITTICO, GIACOMO PUCCINI – FESTIVAL PUCCINI, TORRE DEL LAGO, domenica 3 agosto 2014

Martedì, 05 Agosto 2014
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La produzione del Trittico al Festival Puccini di Torre del lago vede quest’anno una sinergia di forze che coinvolge l’Accademia di Alto Perfezionamento per voci liriche pucciniane, unitamente al bando di concorso per la regia, le scene ed anche i costumi per il celebre lavoro del musicista lucchese.

Così, accanto a colonne portanti del panorama lirico internazionale, si sono esibiti anche i giovani dell’Accademia, per un incontro tra certezze e speranze future.

Vincitrici del bando e quindi curatrici della messa in scena del Trittico nell’Auditorium Caruso sono state sette giovani italiane che hanno presentato un progetto a nostro avviso semplice e funzionale, senza troppi fronzoli, ma di buon gusto e studiato appositamente per il piccolo auditorium, ove saranno ospitate anche le prossime iniziative del Progetto Puccini 2.0, ossia il laboratorio di idee legato al Festival e che ha proprio il compito di promuovere i giovani e le loro proposte innovative.

Trait d’uniondelle tre messe in scena è la figura centrale di un bambino, che compare sul palcoscenico sia in veste reale che immaginaria, a rappresentare l’innocenza che vede dal di fuori ciò che il mondo degli adulti costruisce, a volte incomprensibilmente, e che permette così allo spettatore di assistere con lui alle tre vicende che si alternano nell’ordine da tutti conosciuto. Così nel Tabarro rappresenta l’immagine del piccolo figlio di Michele e Giorgetta ormai morto; in Suor Angelica è l’anima del dolce figlioletto della sfortunata sorella, infine in Gianni Schicchi è il divertito Gherardino, che gode in carne ed ossa dei siparietti e delle sciocche facezie dei parenti sbeffeggiati dal defunto Buoso e dallo stesso Schicchi.

Con Tabarro la regista Selene Farinelli ci porta in un ambiente cupo, ove le azioni sono concitate e non danno tregua ai protagonisti, irrequieti nell’animo e dunque anche nelle gesta. Le scene di Monica Bernardi prevedono una banchina illuminata solo da un lampione davanti ad una ringhiera di ferro e con dietro un muro di mattoni. A lato un semplice filo appeso ove Giorgetta stende il bucato. L’ambiente è semplice nella sua desolante semi oscurità, ed i protagonisti si muovono in esso quasi come ombre di se stessi, ombre di una vita mal vissuta, che porta alla tragedia ed alla sofferenza di dover andare avanti con tremendi rimorsi. A scena aperta il bimbo di cui sopra compare sul palco come una visione, per consegnare alla mamma la sua scarpetta, ormai simbolo di sofferenza nel ricordo dell’amore materno perduto. Da lì si dipanano tutte le gesta dei protagonisti, in cerca ancora di qualche emozione nella noia della vita quotidiana, senza riuscirci naturalmente.

Alla guida delle tre messe in scena il Maestro Bruno Nicoli ci è parso tirar fuori il meglio dell’espressività dall’orchestra del Festival. Il suono è armonioso ed avvolgente, complice anche la piccola sala dell’auditorium, mai sopra le righe, che accompagna e guida gli interpreti con gusto e diversità di accenti: una esecuzione pregevole.

Nel ruolo di Michele Alberto Mastromarino si mostra appassionato e navigato interprete, che sa aggiungere un tocco personale al ruolo, donandogli una certa umanità che diversamente non troveremmo; è un uomo tradito e vendicativo sì, ma pur padre sofferente, il che risulta anche nell’esecuzione vocale: di cuore e pathos.

Altresì dicasi per Amarilli Nizza come Giorgetta: la sicurezza nella tecnica e nell’emissione vocale le consentono anche una interpretazione del personaggio di grande forza espressiva. Non una moglie annoiata che cerca ‘distrazione’ in un altro uomo per occupare il tempo, bensì una madre e moglie che ha dato tutto senza nulla in cambio e cerca disperatamente di trovare salvezza nel cuore di un altro, ma le verrà portato via anche questo.

Mirko Matarazzo ha indubbiamente offerto un Luigi molto vigoroso sia per voce che per interpretazione, risultando però talvolta eccessivo, soprattutto in acuto.

Piuttosto convincente e dal bel timbro fresco ed acuto il Tinca di Manuel Pierattelli, mentre ci è parso subire la pur equilibrata orchestra Marco Simonelli nel ruolo del Talpa. Sua moglie La Frugola è una certamente espressiva Laura Brioli, che però ci è parsa incupire un po’ troppo i suoni soprattutto nel registro grave.

Chiudono il cast i due amanti, Francesca Martini , voce fresca e delicata, ben assortita con Ugo Tarquini, anch’egli delicato e corretto, interprete anche del ruolo del Venditore di canzonette.

Infine le Midinette: Federica Grumiro, Mariacarla Seraponte, Francesca RomanaTiddi, Mariacarla Seraponte, Paola Roncolato, Marina Gubarev.

Il pubblico molto attento e festoso ha salutato al termine tutti i protagonisti, con le consuete punte di gradimento agli interpreti principali ed anche alla regista.

LA PRODUZIONE

Maestro concertatore

e direttore Bruno Nicoli

Regia Selene Farinelli

Scene Monica Bernardi

Costumi Lorena Marin

Assistente alla scenografia

e ai costumi Carla Conti Guglia

Disegno luci Valerio Alfieri

Maestro del Coro Francesca Tosi

GLI INTERPRETI

Michele Alberto Mastromarino

Giorgetta Amarilli Nizza

Luigi Mirko Matarazzo

Il Tinca Manuel Pierattelli

Il Talpa Marco Simonelli

La Frugola Laura Brioli

Un Venditore

di canzonette Ugo Tarquini

Due amanti Ugo Tarquini, Francesca Martini

Le Midinette Federica Grumiro, Mariacarla Seraponte, Francesca Romana

Tiddi, Mariacarla Seraponte, Paola Roncolato, Marina Gubarev

Orchestra e Coro del Festival Puccini

Nuovo Allestimento del Festival Puccini

Per Suor Angelica la scena fissa dello sfondo si trasforma ed arricchisce con le inferriate e i muri del convento in cui risiede la protagonista con le sue consorelle, ancora opera di Monica Bernardi. Anche in questo caso pochi elementi sono sufficienti e funzionano molto bene per la storia narrata. La regia è opera di Vittoria Lai e Giorgia Guerra, che hanno saputo dare ai personaggi un’aura di austerità e drammaticità insieme che a fine rappresentazione, soprattutto all’arrivo del bimbo, che torna tra i mortali un’ultima volta per prostrarsi in ginocchio accanto alla mamma morente, hanno lasciato il pubblico molto scosso.

In questa seconda parte del Trittico ritroviamo alcune interpreti del Tabarro.

L’esperienza di Amarilli Nizza in questo ruolo è tale da consentirle di padroneggiarlo in maniera totalizzante. Il suo canto ‘con l’anima’ in particolar modo in questa opera, le consente di trascendere da se stessa e calarsi nel ruolo a tal punto che il risultato è quasi sconvolgente; senza mai porre in secondo piano l’esecuzione vocale che è la colonna portante della sua interpretazione.

Ritrova al suo fianco Laura Brioli in questo caso come zia Principessa, che ci è parsa più convincente rispetto al Tabarro. Nell’insieme delle tante sorelle che popolano la vicenda registriamo la Badessa di Paola Roncolato, dal piglio austero, la suora Zelatrice e la Maestra delle Novizie, rispettivamente Marina Gubarev, qui parsa leggermente discontinua nell’emissione vocale, e Sandra Mellace, dal timbro scuro e forte. Le tre suore Genovieffa, Osmina e Dolcina, sono nell’ordine una discreta Federica Marotta, Hanying Tso e Federica Grumiro, la Suora Infermiera è Francesca Cappelletti, la Prima cercatrice è Mariacarla Seraponte, la Seconda cercatrice e novizia è Francesca Romana Tiddi, la Prima conversa è Francesca Martini, ed infine la Seconda conversa è Myrto Bocolini.

Il coro delle voci bianche di Sara Matteucci ed il coro del Festival di Francesca Tosi completano questo spettacolo molto intenso.

Diversi minuti di applausi hanno accolto una visibilmente commossa Amarilli Nizza e poi tutto il cast e le registe al termine.

LA PRODUZIONE

Maestro concertatore

direttore Bruno Nicoli

Regia Vittoria Lai e Giorgia Guerra

Scene Monica Bernardi

Costumi Lorena Marin

Assistente alla scenografia

ai costumi Carla Conti Guglia

Disegno luci Valerio Alfieri

Maestro del Coro Francesca Tosi

Maestro del Coro

delle voci bianche Sara Matteucci

GLI INTERPRETI

Suor Angelica Amarilli Nizza

La Zia Principessa Laura Brioli

La Badessa Paola Roncolato

La Suora Zelatrice Marina Gubarev

La Maestra delle Novizie Sandra Mellace

Suor Genovieffa Federica Marotta

Suor Osmina Hanying Tso

Suor Dolcina Federica Grumiro

La Suora Infermiera Francesca Cappelletti

Prima cercatrice Mariacarla Seraponte

Seconda cercatrice Francesca Romana Tiddi

Una novizia Francesca Romana Tiddi

Prima conversa Francesca Martini

Seconda conversa Myrto Bocolini

Orchestra e Coro del Festival Puccini

Coro delle voci bianche del Festival Puccini

Nuovo Allestimento del Festival Puccini

Con Gianni Schicchi l’atmosfera cambia radicalmente e ci troviamo in una camera da letto con il parato di fondo che ricorda il tendone di un circo, che poi lascia il posto ad una splendida veduta della città di Firenze, ove gli sciocchi parenti del defunto Buoso si lamentano e piangono per una eredità che viene loro negata in favore dei frati di un convento. Il bimbo che ha ‘attraversato’ le vicende come figura irreale di questo Trittico è ora in concreto il figlio di Gherardo e Nella, che qui assiste tra il divertito e l’incredulo a quanto possano essere sciocchi e fatui gli adulti. Anche questa terza parte è curata con molto gusto sia per regia, non banale ma dinamica e con qualche guizzo di originalità, opera di elena Marcelli, che per le scene, sempre a cura di Monica Bernardi. I costumi dell'intero Trittico sono di Lorena Marin, qui particolarmente graziosi.

Protagonista assoluto e grande mattatore è ancora una volta Alberto Mastromarino, che qui supera se stesso e ci offre uno Schicchi brioso, a tratti sentimentale, consapevole del suo operato e mai sopra le righe; insomma un personaggio risolto con ‘mestiere’.

Accanto a lui, anche in questo caso, ritornano alcuni interpreti dell’intera serata. Mariacarla Seraponte, risolve il personaggio di Lauretta con semplicità e naturalezza, così come la celebre aria rivolta al babbo è eseguita con buona verve, pur senza troppo colpire. Il suo spasimante è interpretato da Ugo Tarquini, che ha con lei un buon feeling e conferma la leggerezza nel timbro, se pur con qualche problemino a farsi udire a pieno di tanto in tanto.

Stavolta Sandra Mellace è nel ruolo di Zita, che qui mostra una buona vena comica, così come Federica Grumiro in Nella e Anna Maria Stella Pansini nel ruolo della Ciesca.

Più a suo agio nel ruolo di Simone Marco Simonelli, che ci è parso più espressivo anche in voce, e conferma la buona impressione avuta in Tabarro Manuel Pierattelli, alias Gherardo, col suo timbro morbido ed apprezzabilmente acuto. A completare la schiera di ruoli di fianco: Pedro Carrillo, Betto, Jacopo Bianchini, Marco, nel doppio ruolo di Maestro Spinelloccio e Ser Amantio di Nicolao Velthur Tognoni, il Pinellino e Guccio di Gabor Kovacs e Simone Frediani, e la deliziosa Matilde Silicani come piccolo Gherardino.

Atmosfera rilassata e divertita per tutti e calorosi applausi soprattutto per Alberto Matromarino. Il Maestro Nicoli è poi finalmente giunto alla ribalta per ricevere i meritati applausi, insieme al team produzione e a tutte le registe della serata.

MTG

LA PRODUZIONE

Maestro concertatore

e direttore Bruno Nicoli

Regia elena Marcelli

Scene Monica Bernardi

Costumi Lorena Marin

Assistente alla scenografia

e ai costumi Carla Conti Guglia

Disegno luci Valerio Alfieri

Maestro del Coro Francesca Tosi

GLI INTERPRETI

Gianni Schicchi Alberto Mastromarino

Lauretta Mariacarla Seraponte

La Zita Sandra Mellace

Rinuccio Ugo Tarquini

Gherardo Manuel Pierattelli

Nella Federica Grumiro

Betto Pedro Carrillo

Simone Marco Simonelli

Marco Jacopo Bianchini

La Ciesca Anna Maria Stella Pansini

Maestro Spinelloccio/

Ser Amantio di Nicolao Velthur Tognoni

Pinellino Gabor Kovacs

Guccio Simone Frediani

Gherardino Matilde Silicani

Orchestra del Festival Puccini

Coro del Festival Puccini

Nuovo Allestimento del Festival Puccini

La locandina dell'evento

FINALE CONCORSO INTERNAZIONALE SCALIGERO MARIA CALLAS, TEATRO FILARMONICO DI VERONA - venerdì 1 agosto 2014

Sabato, 02 Agosto 2014
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Nell’ambito del Festival Internazionale Scaligero dedicato alla Divina ed indimenticata Maria Callas, fortemente voluto dal presidente e direttore artistico, il Maestro Nicola Guerini, e che vede come presidente onorario il regista Franco Zeffirelli e madrina il soprano Cecilia Gasdia, si inserisce il secondo appuntamento con il Concorso Internazionale dedicato proprio alla cantante greca, che debuttò all’Arena di Verona il famoso 2 agosto dello storico 1947. In un luogo come Verona infatti, culla della cultura operistica e sede di uno dei più importanti Festival lirici al mondo, non poteva mancare un evento che celebrasse la carriera del soprano che ha lasciato un indelebile ricordo di arte, rigore e dedizione al lavoro. Tutto ciò con la convinzione di poter trovare ancora tali qualità in giovani promesse che, con tanto impegno, unito al talento che è condizione primaria per intraprendere una carriera nel mondo della musica, si mettono in gioco come è avvenuto anche quest'anno in cinque giorni di intenso lavoro, conclusi con il concerto dei finalisti, che ha riservato anche delle sorprese.

Due le giurie chiamate a valutare le capacità artistiche e tecniche dei concorrenti: la Giuria d’onore costituita da: il Presidente, il soprano Cecilia Gasdia, vincitrice già nel 1980 proprio del Premio "Maria Callas", Paolo Gavazzeni, direttore artistico della Fondazione Arena di Verona, Giancarlo Landini, musicologo e critico musicale, il regista Pierluigi Pizzi, ed il direttore d’orchestra Donato Renzetti. La Giuria critica era invece composta da: il Presidente Gianni Villani, critico musicale del quotidiano L'Arena, Giorgio Bagnoli, direttore di GBOpera, Alessandro Cammarano, redattore capo e vicedirettore del quotidiano OperaClick, Silvia Campana, critico musicale della rivista ‘l'opera’, Lukas Franceschini, direttore di OperaLibera, Enrico Girardi, musicologo e critico musicale del Corriere della Sera. Dunque tutti grandi professionisti chiamati ad individuare l’artista cui augurare la carriera e la meravigliosa vita artistica del compianto soprano.

Sei i finalisti in scena: Mansoo Kim, Roberta Mantegna, Sara Rossini, Sun Hyung Cho, Xiqiu Zhang, Mariam Battistelli.

La serata si è aperta con una suggestiva ed intensa interpretazione dell’attrice Annalisa Renzulli in un estratto della tragedia Medea di Euripide, nel cui ruolo operistico la Callas fu eccellente interprete. E non dimentichiamo il film di Pasolini del 1969 che la vide impegnata proprio in quel ruolo. La serata ha poi visto esibirsi i finalisti in arie dalle più celebri opere di Verdi, Puccini, Massenet, Leoncavallo, Bellini, Giordano, Boito e Donizetti.

Per quest’anno il primo premio assoluto non è stato assegnato. Pur riconoscendo buone qualità in tutti i finalisti, i giurati non hanno identificato un giovane talento tale da essere il destinatario del prezioso riconoscimento, ma hanno esortato tutti indistintamente a perseverare con lo studio e a non arrendersi, ed anzi magari a riprovare la prossima edizione. Secondo posto invece per il baritono Mansoo Kim, che ha cantato dalla Luisa Miller di Verdi ‘Sacra la scelta’ e ‘Pietà, rispetto, amore’ dal Macbeth; terze a pari merito il soprano Sara Rossini, interprete di ‘Qui! Qui! O fatidica foresta’ dalla Giovanna d’Arco di Verdi e ‘Sì, mi chiamano Mimì’ da La Bohème di Puccini, ed il mezzosoprano Mariam Battistelli, che ha impersonato Romeo da I Capuleti e Montecchi di Bellini, nonché Leonora con ‘O mio Fernando’, da La favorita di Donizetti.

Assegnato il premio speciale della Critica intitolato a Carlo Bologna a Sara Rossini. Anche il questo caso, con la motivazione che pur non avendo trovato un elemento particolarmente di spicco tra i finalisti, il giovane soprano è stato identificato comunque come il più meritevole rispetto a tutti gli altri. Il premio speciale Giovanni Zenatello è andato al tenore Xiqiu Zhang, che si è aggiudicato anche il premio speciale Peter Maag, consegnato da Marica Franchi Maag. Il giovane ha offerto ‘Vesti la giubba’ da Pagliacci di Leoncavallo e l’intramontabile ‘Nessun dorma’ dalla Turandot di Puccini. Infine il premio ‘Loggione’ deciso dal pubblico è andato al soprano Sun Hyung Cho, che con ‘Pleurez! pleurez mes yeux!’ di Massenet e ‘L’altra notte in fondo al mare’ di Boito ha conquistato il pubblico.

Un momento di doveroso omaggio è infine stato il premio alla carriera a Fiorenza Cossotto, che non poteva essere in sala ieri sera, e al simpaticissimo Gianfranco Cecchele, che ha salutato e ringraziato con verve e simpatia; inoltre un premio alla memoria è stato offerto ai compianti Ivo Vinco e Alida Ferrarini. Puntuali gli interventi del giornalista Vittorio Testi, noto al pubblico per la trasmissione televisiva Loggione andata in onda fino al 2012. Ad accompagnare i concorrenti, il celebre e straordinario pianista Richard Barker.

L’appuntamento è alla prossima edizione, sempre nel ricordo della divina e meravigliosa ‘Maria’!

MTG

IL GALA ‘PLACIDO DOMINGO CANTA VERDI’ INTERROTTO PER PIOGGIA A META’ PROGRAMMA - ARENA DI VERONA, giovedì 17 luglio 2014

Venerdì, 18 Luglio 2014
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In una serata incredibilmente afosa con un pubblico che letteralmente trasbordava dalle poltroncine e dalle gradinate dell’anfiteatro veronese, pronto ad applaudire ancora una volta l’idolo di tante generazioni Placido Domingo, è stato possibile ascoltare soltanto la prima parte del concerto dedicato a Giuseppe Verdi, poiché un improvviso e persistente nubifragio ha impedito il proseguimento della serata in musica.

La seconda parte prevedeva arie e scene da I due Foscari, ma causa di forza maggiore possiamo raccontare soltanto della prima parte.

Apertura orchestrale con il Preludio de La Traviata, seguito subito dopo da ‘Lunge da lei..De’ miei bollenti spiriti’, con Francesco Meli come Alfredo ed Alice Marini nei panni di Annina. Dunque il celebre duetto dal secondo atto ‘Madamigella Valery?...’ con Placido Domingo come papà Germont e Virginia Tola nelle eleganti vesti di Violetta. A seguire ‘Dammi tu forza, o cielo..’ con ancora Meli, Tola e Marini. A chiudere il segmento non poteva mancare una tra le arie più eseguite per baritono: ‘Di Provenza il mar, il suol’ interpretata da Domingo .

Seconda tranche con l’opera che ha inaugurato il Festival lo scorso giugno. Da Un ballo in maschera, dopo il Preludio, Placido Domingo e Virginia Tola sono tornati sul palco, questa volta rispettivamente nei panni di Renato e sua moglie Amelia, in compagnia del paggio Oscar, interpretato da Serena Gamberoni, e i congiurati Samuel e Tom: Seung Pil Choi e Deyan Vatchkov. Dall’opera sono stati estratti: oltre il Preludio, l’aria di Amelia ‘Morrò, ma prima in grazia’, ‘Alzati! Là tuo figlio…’ di Renato, la scena della congiura, ed il quintetto ‘Il messaggero entri..’

L’impressione complessiva è che forse il tempo strano abbia contribuito a creare un’atmosfera un po’ appesantita, sicché in generale il concerto è sembrato non decollare come ci aspettavamo, e l’interruzione non ha ovviamente facilitato le cose. L’orchestra guidata da Daniel Oren è la sua fida compagna di sempre, spronata ed accompagnata lungo il cammino con occhio sempre vigile ed attento anche agli interpreti, se pur di spalle sul palco. Tuttavia all’inizio è parso mancasse leggermente dello smalto a cui ci ha ormai viziati il grande Maestro.

Una bella conferma Francesco Meli che abbiamo avuto modo di apprezzare proprio nella serata inaugurale della stagione in corso. Morbido il suo fraseggio che sottolinea una pasta vocale sinuosa e vellutata. Piuttosto convincente anche Virginia Tola impegnata come Violetta ed Amelia. Il suo timbro è interessante, pieno e rotondo, che abbiamo apprezzato specialmente nella zona centrale del suo registro. Conferma la sua performance positiva come paggio Oscar anche Serena Gamberoni, che interpreta con spirito e scioltezza la sua parte nel celebre quintetto.

Corretta Alice Marini nei suoi brevi interventi in Traviata.

Dulcis in fundo l’idolo della serata, Placido Domingo. Certo si discute molto sulla scelta del grande Artista di proseguire la sua carriera come baritono. La sua memorabile voce da tenore potrebbe esprimere ancora tantissimo per quel timbro in diversi repertori. Ci piace sottolineare quelli che restano i suoi punti di forza di sempre: la grande intensità nell’interpretazione e la complice simbiosi con i partner sul palco; resta un fuoriclasse che va apprezzato per il costante impegno nel suo lavoro e la continua ricerca di nuove sfide da condurre.

Purtroppo non ci è stato possibile ascoltare Amarilli Nizza nel ruolo di Lucrezia poiché previsto per la seconda parte, che prevedeva, a completamento del cast per gli estratti da I due Foscari, anche Antonello Ceron nel ruolo di Barbarigo.

Il pubblico deluso per l’interruzione ha comunque avuto il tempo di salutare gli interpreti che si sono esibiti e naturalmente il beniamino di sempre con grandi ovazioni.

MTG

FOTO ENNEVI Per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

TURANDOT, G. PUCCINI – ARENA DI VERONA, mercoledì 16 luglio 2014

Giovedì, 17 Luglio 2014
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Per il quarto appuntamento in cartellone torna all’Arena di Verona l’allestimento di Turandot che Franco Zeffirelli realizzò per il Festival del 2010. Ancora una volta siamo immersi negli scintilii di una Pechino magica e vibrante, ove sembra che le soluzioni dei tre enigmi aleggino in ogni angolo. La speranza, quel ‘fantasma iridescente’ come le meravigliose scene color oro che abbagliano quasi a un primo sguardo; il sangue, con il rosso delle luci saggiamente disposte da Paolo Mazzon ad illuminare i draghi cinesi che minacciosamente adornano le tende pergamenacee che separano le scene; infine lei, Turandot, la principessa di ghiaccio che appare dall’alto della sua torre, distante, altera, irraggiungibile, che però si sgela di fronte alla passione ed al coraggio del principe ignoto, in cui arde proprio quel sangue rosso e passionale che lo spinge verso la dura prova d’amore.

È innegabile che quando ci troviamo di fronte ad un allestimento curato dal Maestro Zeffirelli è la sua maestosità a colpirci, la magnificenza delle scene, il modo in cui il palcoscenico si anima con le molteplici comparse, ognuna impegnata in piccoli movimenti specifici, ed il coro attivo e partecipe agli eventi, il che permette anche ai coristi di fondere al meglio i diversi impasti vocali. A completamento di tanto sfarzo ci sono gli impeccabili e ricchissimi costumi di Emi Wada. Dunque se sono il sogno e la favola che si cercano in una rappresentazione di Turandot, in questa produzione si viene decisamente accontentati.

Il ruolo del titolo è affidato alla giovane Tiziana Caruso. Il soprano ha mostrato un gran carattere supportato da uno strumento vocale robusto e voluminoso, che unito ad una raffinata regalità nell’interpretazione, ci ha offerto una principessa di ghiaccio sì, ma anche volitiva e sicura di sé.

Il coraggioso Calaf è stato un generosissimo Marco Berti. Del tenore apprezziamo il fraseggio morbido e la pronuncia chiara. E nonostante si attenda sempre l’esecuzione dell’ aria ‘Nessun dorma’ per poter apprezzare a pieno l’interpretazione di questo ruolo, a noi ha convinto molto di più nel resto della rappresentazione, mettendo in luce il canto fluido e la voce vellutata.

La dolce Liù è una Rachele Stanisciimpegnatissima nella parte. La sua voce non ci sembra particolarmente adatta ad interpretare la povera ed indifesa schiava, ma l’interprete aggiunge tale anima ed espressività al canto da far comunque apprezzare la sua performance.

Molto interessante la prova di Giorgio Giuseppinicome Timur. La sua voce, così come il suo incedere, offrono un piglio ed una eleganza tale da lasciare molto colpiti.

Nel ruolo dei caleidoscopici (anche nei costumi) Ping, Pong e Pang, molto bene sia per interpretazione che per impegno e bellezza timbrica Vincenzo Taormina, Paolo Antognetti e Saverio Fiore.

Un po’ lontano in scena Gianfranco Montresorper poterne apprezzare a pieno voce e timbro come Mandarino. Corretto anche l’Altoum di Antonello Ceron.

Serata molto positiva per il coro areniano di Armando Tasso che ci è parso omogeneo, attento, in ottima forma, come bravi i bimbi del coro voci bianche A. d'A.Mus di Marco Tonini.

Daniel Orenritrova la potremmo definire ‘sua’ orchestra come un padre che guida i suoi figli: ha diretto con anima e cuore ogni singola battuta, lo abbiamo ascoltato incitare letteralmente i musicisti nei momenti di lirismo più toccante ,così come nei concitati crescendo. È il suo inconfondibile stile che permea tutta la rappresentazione.

Applausi generosi per tutti gli interpreti da parte di un pubblico ahi noi particolarmente rumoroso ed indisciplinato, con doverosi e sentiti omaggi al grande Regista Zeffirelli che ha voluto salutare il suo pubblico dal palcoscenico a fine rappresentazione, tra gli artisti e le sue spettacolari creazioni.

MTG

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra	*Daniel Oren*
Regia e scene	*Franco Zeffirelli*
Lighting designer	*Paolo Mazzon*
Costumi	*Emi Wada*
Maestro del coro	*Armando Tasso*
Direttore corpo di ballo	*Renato Zanella*
Direttore allestimenti scenici	*Giuseppe De Filippi Venezia*
Movimenti coreografici	*Maria Grazia Garofoli*
Direttore voci bianche	*Marco Tonini*
Coro voci bianche	*A. d'A.Mus.*

GLI INTERPRETI


Turandot	*Tiziana Caruso*
Altoum	*Antonello Ceron*
Timur	*Giorgio Giuseppini*
Calaf	*Marco Berti*
Liù	*Rachele Stanisci*
Ping	*Vincenzo Taormina*
Pong	*Paolo Antognetti*
Pang	*Saverio Fiore*
Un mandarino	*Gianfranco Montresor*

ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL'ARENA DI VERONA

FOTO ENNEVI

Per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

LE COMTE ORY, G. ROSSINI – TEATRO ALLA SCALA DI MILANO, lunedì 7 luglio 2014

Domenica, 13 Luglio 2014
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LE COMTE

C'est moi: c'est soeur Colette.
Seule, et dans cette chambre où je ne peux dormir,
Tout me trouble, et tout m'inquiète.
J'ai peur... permettez-moi... près de vous... de venir.

Sulla genesi compositiva de Le Comte Ory si potrebbero scrivere tomi di libri, talmente travagliata e complessa è stata la sua nascita.

Anche qui, come nell'Assedio di Corinto o nel Mosè, dietro c'è tanta musica nata per un libretto italiano: la cantata scenica del 1825 Il viaggio a Reims, che ricordiamo con i televisori e le vasche da bagno nel memorabile allestimento di Luca Ronconi; Gae Aulenti e Claudio Abbado al Rossini Opera Festival di Pesaro nel 1984. Per una forma di sublime chiaroveggenza della pigrizia, Rossini sa che la musica del Viaggio è troppo bella per morire in poche repliche insieme ad un atto unico di tre ore, con un cast sterminato quanto irripetibile e un libretto un po' sgangherato legato ad un'occasione unica come l'incoronazione del truce Carlo X.

Decide così di rifonderla nel nascente Comte Ory: una scoppiettante opera giocosa destinata nientemeno che all'Opèra, deriva da qui quindi un rapporto tra testo e note che è una perversa via di mezzo tra un patchwork, una parodia e un palinsesto medievale, usando una griglia drammaturgica e metrica che gli consenta di riutilizzare più pezzi possibili del Viaggio a Reims, rabberciando nuovi versi francesi sulla falsariga di quelli italiani.

Il risultato alla fine sarà che il testo sulla partitura di Rossini è un'altra cosa rispetto a quello composto dal librettista Scribe che infatti, offeso, ritira il proprio nome dal frontespizio a stampa accordandogli la firma solo trent'anni dopo a forza di ‘soldoni’, pacche sulle auliche spalle e ringraziamenti di circostanza.

L'allestimento visto al Teatro alla Scala, proveniente con grande successo e altro cast dall'Opéra Nationale de Lyon e qui ripreso da Christian Rath, ha corrisposto in pieno all'idea del melodramma giocoso insito nell'opera di Rossini.

Il regista Laurent Pelly, a mio avviso uno dei più talentuosi di questa generazione, firma anche scene e costumi e concepisce una messa in scena dove tutto ruota attorno ad un Comte Ory visto come un giovane frivolo, degenerato, un figlio di papà che sciupa la sua fortuna saltando addosso a tutto ciò che di femminile si muove e respira, non risparmiandosi sui mezzi e perennemente incalzato da un Gouverneur precettorecomplice. Siamo in un paesino della profonda e annoiata provincia francese dei nostri giorni e la Comtesse Adèle non è più la pia castellana di Scribe ma una giovinetta un po' scema di quella ricca borghesia di provincia alla quale basta dare il la per far scoppiare la sua voglia di vita assopita nell'attesa di un marito sodato in Afganistan.

Ed ecco che il famosissimo trio della scena decima del secondo atto si trasforma da un castissimo parlour di doppi sensi in uno scatenato menage a trois sessuale esplicito, dove la casta contessina viene posseduta in contemporanea e con suo grande giubilo da Ory e Isolier.

Si sa, per il compassato e cotonato pubblico della Scala, questo può essere troppo e le contestazioni non si sono fatte mancare all'indirizzo di una messa in scena comunque mai volgare né scontata.

A sostituire l'atteso e divino divo Juan Diego Florez, recentemente spesso cagionevole di salute, è stato chiamato per tutte le successive recite il tenore sudafricano Colin Lee, il quale si trova a suo agio perfetto nei panni del Comte Ory riuscendo a non far rimpiangere al pubblico afflitto e contrito la dipartita improvvisa del succitato divo.

Ha voce robusta per il ruolo, per nulla nasale o coperta da falsettoni improponibili, si spende senza parsimonia anche scenicamente, nonostante qualche incomprensione nella dizione francese o qualche scivolata nel fraseggio non sempre perfetto, porta a casa una recita decisamente convincente, segno di maturità professionale e artistica di alto livello.

Roberto Tagliavini è un Gouverneur algido nella voce, peraltro precisa e molto chiara, che affronta la sua ostica aria “veiller sans cesse” con precisione, eleganza e potenza di fiato; se solo riuscisse ad essere scenicamente più rilassato, il risultato sarebbe stupefacente.

Jose Maria Lo Monaco dà corpo al paggio Isolier con una verve ed una spigliatezza encomiabili, da consumata attrice. La voce non è robustissima, ma cavalca senza la minima difficoltà le puntature acute non proprio comode della sua parte, adeguandole ad un fraseggio da manuale.

La Comtesse Adele era Aleksandra Kurzak, la quale, dall'ultimo nostro ascolto come Juliette all'Arena di Verona lo scorso anno, ha irrobustito notevolmente la voce a scapito di tenuta e difficoltà nel settore più acuto della parte. Anche lei è bravissima nell'assecondare le richieste di Pelly e si spende senza risparmio nel portare a termine una recita musicalmente per lei un tantino difficoltosa.

Che dire di Marina De Liso come Ragonde? Che è di una bravura encomiabile. Una vera fuoriclasse nel suo genere, per nulla scontata e credibilissima sia vocalmente che scenicamente. Brava!

Sprecata nel piccolo ruolo di Alice la voce preparata e importante di Rosanna Savoia, che ci auguriamo di sentire ben presto in altri ruoli più impegnativi.

Corretti il Manfroy di Michele Mauro, il Gerard di Massimiliano Difino, il Raimbaud di Stéphane Degout e i cinque Coryphée Maria Blasi, Marzia Castellini, Massimiliano Difino, Emidio Guidotti e Devis Longo

Deludente e inaspettata la prova della concertazione di Donato Renzetti a capo di una svogliatissima e annoiata orchestra del Teatro alla Scala.

Dal navigato Maestro abruzzese, che più volte in passato ha affrontato la partitura del Comte Ory con altri più lusinghieri risultati, ci saremmo aspettati un brio, una verve e un impianto decisamente più incisivi per una partitura del genere che fonda il suo stesso essere su di un gesto vigoroso e preciso come un orologio svizzero.

Tale non è stato purtroppo e oltre agli imbarazzanti scollamenti tra buca e orchestra nelle parti corali del primo atto, non abbiamo colto una particolare propensione nell'accompagnare la compagnia di canto verso un risultato ottimale, tendendo piuttosto a portare a termine mollemente la serata senza ulteriori danni.

Ottimo il coro del Teatro alla Scala preparato con precisione da Bruno Casoni.

Successo vivissimo per tutti i cantanti, qualche contestazione per Renzetti da parte di un pubblico attento e numeroso.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore Donato Renzetti

Regia, scene

e costumi Laurent Pelly

Luci Jöel Adam

GLI INTERPRETI

Le Comte Ory Colin Lee

Le Gouverneur Roberto Tagliavini

Isolier José Maria Lo Monaco

Raimbaud Stéphane Degout

La Comtesse

de Formoutier Aleksandra Kurzak

Ragonde Marina De Liso

Alice Rosanna Savoia

Nuova produzione Teatro alla Scala
In coproduzione con Opéra National de Lyon

Orchestra e coro del Teatro alla Scala di Milano

Foto Teatro alla Scala di Milano

TURANDOT, GIACOMO PUCCINI – TEATRO LIRICO DI CAGLIARI, sabato 5 luglio 2014

Martedì, 08 Luglio 2014
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“ O ragazzo demente! Turandot non esiste!

Non esiste che il niente nel quale ti annulli! Turandot non esiste, non esiste!”

In questa nuova produzione del capolavoro Pucciniano del teatro lirico di Cagliari, tutto finisce bruscamente sul mi bemolle dell'ottavino che segna la morte di Liù nel terzo atto. Non c'è la musica di Alfano a completare il percorso di redenzione della principessa altera, possiamo solo immaginarlo se vogliamo o pensare che la metamorfosi non accadrà, lasciando Calaf come vincitore supremo poiché il suo nome non è stato svelato.

Muore Puccini, muore Liu, cala il sipario e nonostante questa sia una scelta opinabile, sinceramente ci auguriamo non diventi una nuova moda, giacchè la musica di Alfano per quanto non sia un capolavoro fa parte ormai della storia stessa musicale, compositiva e affettiva della partitura di Turandot.

Chiamato per la prima volta a cimentarsi con la scenografia di un'opera, lo scultore sardo Pinuccio Sciola immagina una Pechino come una immane, complessa scultura sonora di calcare bianco di pannelli variabili in altezza che si aprono come scatole cinesi per mostrare via via il trono di Altoum, sotto il quale stà rinchiusa Turandot, la residenza dei tre Dignitari di corte fino ai prismi di roccia del terzo atto, simboli di una città moderna, futuristica nel terzo atto.

Il lavoro scultoreo di Sciola, aiutato dalle luci di Simon Corder che ne esalta tagli, vuoti, ombre e dai costumi geometrici ed essenziali di Marco Nateri, si inserisce in un lavoro di regia di Pier Francesco Maestrini tutto sommato di impianto tradizionale che ne mortifica la cifra “moderna”e futurista.

In sostanza, bellissime e funzionali le sculture di Sciola ma senza senso in una regia di tradizione che mira a ricostruire nei movimenti e nei clichè compassati, una Cina oleografica da cartolina d'antan.

La compagnia di canto aveva come debuttante nel ruolo eponimo il soprano Maria Billeri che se non ha brillato per potenza sonora e capacità di tenuta nel registro più acuto della parte ( e meno male le è stato risparmiato l'impervio duettone di Alfano) ha saputo regalarci momenti di intenso lirismo soprattutto nella chiusa del secondo atto.

Calaf era il navigato Marcello Giordani, voce splendida, potentissima e generosa che non si è risparmiata un secondo nel regalare al pubblico vere emozioni. Il suo è un Calaf tutto teso all'esaltazione ormonica del giovane Principe Ignoto stregato dalla bellezza di Turandot, che si traduce in una linea di canto baldanzosa, sicura e possente ma dal morbidissimo fraseggio.

Splendida la prova di Maria Katzarava come Liù. Cantante dotatissima di voce luminosa e morbidissima nel fraseggio ha regalato mezzevoci e filati di rara memoria nel suo “Signore ascolta”del primo atto, fino all'esaltazione della morte per amore di “tu che di gel sei cinta” del terzo cantato con una tale concentrazione da lasciare senza fiato.

Molto buona anche la prova di Rafal Siwek nei panni di un Timur nobile e ieratico dalla voce rotonda e calda che speriamo vivamente di sentire presto in altri ruoli più impegnativi.

Le tre maschere Ping, Pang e Pong hanno avuto in Giovanni Guagliardo, Gregory Bonfatti e Massimiliano Chiarolla dei validissimi interpreti che hanno saputo dosare la giusta misura di ironia, cattiveria e lucidità dei loro ruoli senza eccedere in macchiettismi inutili.

Corrette le prove di Davide D'elia (Altoum), George Andguladze (un mandarino), Mauro Secci ( il Principe di Persia).

Giampaolo Bisanti a capo di una concentratissima Orchestra del Teatro lirico di Cagliari, dirige con mano sicura e precisissima la sua idea di una Turandot tutta tesa alla ricerca dell'esaltazione dei vigorosi e violenti colori orchestrali non dimenticando però l'abbandono nelle tinte delicate ed evanescenti di cui questa partitura è piena creando un perfetto contrasto tra le differenti atmosfere.

Partecipe e di elevato spessore la prova del coro diretto da Marco Faelli.

Successo vivissimo per tutti con autentiche ovazioni per Bisanti, Giordani e Katzarava da parte di un pubblico partecipe

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Maestro concertatore

e direttore Giampaolo Bisanti

regia                                       Pier Francesco Maestrini
scene                                      Pinuccio Sciola
costumi                                  Marco Nateri
luci                                         Simon Corder
maestro del coro                   Marco Faelli
maestro del coro

di voci bianche Enrico Di Maira

GLI INTERPRETI

Turandot Maria Billeri

Altoum                                  Davide D'Elia
Timur                                   Rafal Siwek
Il Principe ignoto (Calaf)     Marcello Giordani
Liù                                         Maria Katzarava
Ping                                      Giovanni Guagliardo
Pong                                      Massimiliano Chiarolla
Pang                                      Gregory Bonfatti
Un Mandarino                      George Andguladze
Il Principe di Persia              Mauro Secci
Prima ancella                        Graziella Ortu/Loredana Aramu
Seconda ancella                    Luana Spinola/Juliana Vivian Carone

Orchestra e Coro del Teatro Lirico di Cagliari
Coro di voci bianche del Conservatorio Statale di Musica "Giovanni Pierluigi da Palestrina" di Cagliari

campionamenti audio e programmazione dell'ambiente esecutivo Marcellino Garau
nuovo allestimento del Teatro Lirico di Cagliari

Foto Teatro Lirico di Cagliari

AIDA, G. VERDI – ARENA DI VERONA, sabato 28 giugno 2014

Domenica, 29 Giugno 2014
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Dopo la scorsa stagione che ha visto introdurre in cartellone una nuova produzione di Aida per celebrare il centenario del Festival, la messa in scena de La Fura dels Baus torna all’Arena di Verona in una serata che si temeva fosse totalmente rovinata dalla pioggia, ma che invece ne è stata soltanto condizionata nei tempi. Dopo un’ora di incertezze tra scrosci alternati a sprazzi di sereno, finalmente lo spettacolo ha avuto inizio tra la gioia e gli applausi di sollievo delle migliaia di persone che hanno riempito fino all’estremo questa prima del 2014 dell’Opera più caratteristica del Festival. Siamo tornati con molto piacere ad assistere allo spettacolo ripreso dalla fondazione Arena, poiché come detto l’anno scorso è talmente ricco di spunti da approfondire che più si rivede e più si può apprezzare.

Siamo nuovamente trasportati nello scontro/incontro tra passato e presente, con la troupe di archeologi che ritrova la statua dei due amanti abbracciati e si domanda quale vicenda possa essere legata a quel ritrovamento; è la storia dell’Egitto antico che si fonde con il futuro delle nuove tecnologie, utilizzate sia nei materiali di scena, opera di Roland Olbeter, che nei costumi di Chu Uroz. Quasi un ideale passaggio del testimone verso nuove generazioni che popoleranno gli spalti e le poltrone dell’anfiteatro veronese, con ovviamente uno sguardo alle generazioni precedenti.

L’idea dei registi Carlus Padrissa e Alex Ollé ci porta nel mondo delle divinità egizie, con un esplicito richiamo al dio/sole ed alla luce che è simbolo di rinnovamento ed energia. La centrale energetica che troneggia in alto come insolito ed originale bottino di battaglia di Radames è certo simbolo di conquista, ma anche di vita e di continuità con l’ aldilà. E proprio da essa si riflette un fascio luminoso che investe il pubblico di calore e vitalità. Il pubblico stesso è virtualmente ‘abbracciato’ dalle comparse che escono dagli ingressi delle gradinate recanti delle sfere bianche cariche di luce, richiamando costantemente all’attenzione il fulcro intorno cui ruota la rappresentazione.

Abbiamo potuto apprezzare nuovamente e guardare con più attenzione le suggestive e difficili coreografie proposte per il corpo di ballo da Valentina Carrasco, nonché ammirare le ambientazioni dalle luci soffuse, ottimo lavoro di Paolo Mazzon, dei vari ambienti messi in scena, tra cui spiccano i giochi di ombre nelle stanze di Amneris e la riproduzione del fiume Nilo con acqua che scorre lenta sul palco, palmizi sullo sfondo agitati (al vento) dai mimi che muovono anche i coccodrilli striscianti in acqua, mentre un falò scoppietta da un lato del palco. Il simbolo della vita che continua anche dopo la morte, la centrale di energia appunto, avvolge e seppellisce infine gli sfortunati protagonisti che dunque si ameranno in altri luoghi e in altri lidi...

Aida è ancora una volta la splendente Hui He. Il soprano è in grado di disegnare un personaggio dai tratti lievi e quasi celestiali; una donna vittima del suo destino di schiava ma forte della dignità regale che porta in cuore: il suo canto è soave, delicato e commuovente e se l’interprete si lascia maggiormente andare, i suoi filati sottilissimi tratteggiano un pianto dell’anima che mostra gran sensibilità.

Voce straordinaria per il Radames di Fabio Sartori. Il tenore si mostra quale interprete generoso e dotato di una voce possente e morbida al contempo. Il suo canto è ben sfogato in acuto con sicurezza interpretativa.

La superba e sicura di sé Amneris è Violeta Urmana. Forte di un temperamento audace e di una interpretazione di cuore ed impeto, la figlia del Faraone riscuote un personale successo principalmente per le sue capacità attoriali.

Bella voce di basso e austero nel piglio Raymond Acetocome Gran Sacerdote Ramfis; discreta l’interpretazione di Gennadii Vashchenkonel ruolo del re etiope Amonasro. Il re dell’Egitto è un buon Sergej Artamonov. Chiudono il cast Maria Letizia Grosselli ed Antonello Ceronnei brevi ruoli della sacerdotessa e del messaggero.

L’orchestra dell’Arena non è parsa sempre nella sua solita forma. La lettura del Maestro Julian Kovatchevè stata di forza e vigore, imponendo ritmi particolarmente serrati che non hanno sempre agevolato il dialogo tra i musicisti stessi, gli interpreti ed il coro, che comunque si è impegnato al massimo come sempre. Non sono mancati in ogni caso momenti di sentito pathos a sottolineare in particolare le arie celebri dei due innamorati.

Pioggia scongiurata fino alla fine e successo pieno di pubblico per tutti gli interpreti, in special modo per Hui He, Fabio Sartori, e Violeta Urmana.
MTG

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra	*Julian Kovatchev*
Regia	*Carlus Padrissa e Alex Ollé / La Fura dels Baus*
Scene	*Roland Olbeter*
Lighting designer	*Paolo Mazzon*
Costumi	*Chu Uroz*
Coreografia	*Valentina Carrasco*
Maestro del coro	*Armando Tasso*
Direttore corpo di ballo	*Renato Zanella*
Direttore allestimenti scenici	*Giuseppe De Filippi Venezia*

GLI INTERPRETI
Il Re	*Sergej Artamonov*
Amneris	*Violeta Urmana*
Aida	*Hui He*
Radames	*Fabio Sartori*
Ramfis	*Raymond Aceto*
Amonasro	*Gennadii Vashchenko*
Sacerdotessa	*Maria Letizia Grosselli*
Un messaggero	*Antonello Ceron*

ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA

FOTO ENNEVI per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

THE RAKE’S PROGRESS, I. STRAVINSKY – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, venerdì 27 giugno 2014

Sabato, 28 Giugno 2014
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Con grande attesa ritorna alla sua casa natale, nel teatro che l’ha vista nascere, l’opera che Stravinsky fece debuttare proprio al Teatro La Fenice di Venezia l’11 settembre 1851 dirigendola egli stesso: The rake’s progress. Una favola drammatica che sviscera il profondo dell’animo umano e che si sviluppa sul postulato che laddove esistano menti ‘oziose’ il Diavolo ha terreno fertile per i suoi piani loschi. La storia che il genio russo trasse dalle otto stampe di Hogarth, realizzate nel 1732 per prendere in giro la società libertina del settecento, è incentrata sulle vicende del pigro e lezioso Tom che spera di raggiungere ricchezza e gloria senza effettuare il minimo sforzo. Chiaro che in tal cuore leggero lo scaltro e tentatore Shadow trovi gioco facile. La lettura che il regista Damiano Michielettofa di queste vicende è molto introspettiva, e sottolinea il contrasto tra l’iniziale pace e serenità di una normale famiglia che nel giardino della propria casa è intenta a pianificare il futuro della giovane Anne insieme al suo caro fidanzato Tom, e l’inferno che sovrasterà quelle stesse vite di lì a poco e che addirittura offuscherà la mente del ragazzo senza scampo.

Una produzione in collaborazione con l’Opera di Lipsia che vede impegnata la squadra Michieletto/Fantin/Teti per regia, scene e costumi e che ha stupito non poco il pubblico veneziano. Molti sono infatti gli elementi che differenziano la messa in scena da ciò che ci si aspetterebbe leggendo il libretto, ma che a nostro avviso si inseriscono nella visione generale dell’opera senza tradirne il contenuto. Innanzitutto già il sipario è sostituito da festoni argentati che riflettono le luci verso il pubblico quasi abbagliandolo. Forse un avvertimento a non cedere alle lusinghe dei luccichii perché potrebbe costare caro.

Inoltre non ci troviamo in pieno settecento, ma ai giorni nostri e nel giardino della famiglia Truelove è parcheggiata un’ auto di qualche decennio fa. Dopo il fugace idillio iniziale Tom accetta il patto col misterioso signor Shadow e l’atmosfera cambia radicalmente, divenendo sempre più cupa anche grazie agli effetti di luce che col rosso sangue avvertono sul proseguimento degli eventi. Il palco che dovrebbe ospitare un bordello viene completamente occupato da una enorme piscina che come una ‘melting pot’ popolata da varie amenità si riempie di individui intenti a consumare espliciti atti sessuali in un’orgia senza fine, ove l’acqua è rappresentata da coriandoli dorati e gli amplessi vengono esplicitati in gruppo tra salvagenti dalle forme più disparate, con delle enormi insegne al neon incombenti dall’ alto e che indicano in latino i sette peccati capitali di cui il giovane si sta rendendo vittima (ed ogni animo debole rischia di cedervi). Il giovane Tom è coinvolto in questa specie di festa e cede alla signora Goose, che qui non è una donna matura ma una giovane bella e provocante di oro vestita, non prima di aver indossato una parrucca da pagliaccio, come a dire di essere un pupazzo totalmente in balia del suo tentatore.

La barbuta Baba che il perduto giovane si lascia convincere a sposare è anch’essa una provocante e bella donna, barbuta sì, ma bardata in un minuscolo abitino in pelle nera che ne lascia intravvedere le grazie ed armata di immancabile scudisco con cui detta legge a chi gli si pari davanti. Il contenitore di peccati si trasforma successivamente in una vasca di fango (lo immaginiamo dai costumi imbrattati), ove si consuma il duello a carte del povero Tom con il demonio/Shadow. Le insegne penzolano ormai logore come a simboleggiare un decadimento generale nella disperazione. Viene introdotto addirittura un tentativo, da parte del ragazzo, di assassinare il suo rivale con un colpo di pistola, ovviamente inutile, perché da esso il tentatore si rialza tranquillamente se pur preso da spasmi continui. Risulta molto forte la scena del manicomio ove grazie a Shadow finisce il ‘discepolo’ privato del senno, in cui il coro è straordinariamente coinvolto restando per quasi tutto l’atto immobile con un foglio di carta recante la scritta ‘Help me’ e solo accennando tremolii e gesti di disperazione, con le vesti logore e cosparse di fango.

Il povero Tom si aggira per il palco con una bambola che egli coccola come fosse il suo amore Venere, credendosi egli stesso il mitico Adone. Alla fine non vede altra soluzione che anticipare la sua dipartita asfissiandosi con una busta di plastica in testa. In tutto questo la sua fidanzata Anne è spettatrice desolata del disfacimento del suo amore; per giunta in questo spettacolo deve anche vedersela con i continui ‘assalti’ fisici di Shadow deciso a prendersi tutta la torta e non soltanto la fetta rappresentata dall’anima del libertino.

Chiaramente con una messa in scena così particolare il cast è stato chiamato ad offrire una recitazione molto forte oltre che al massimo impegno canoro.

Alex Esposito è il terribile Nick Shadow. La persistente risata ed il modo di cantare secco e diremmo tracotante lo rendono molto credibile nel ruolo. Offre anche una voce molto dura che ben si addice al personaggio.

La sua povera vittima Tom Rakewell è Juan Francisco Gatell. Ci è parso che prendesse più coraggio subito dopo le prime battute ed il suo canto è divenuto subito più sicuro, forte anche di un bell’impasto vocale acuto e dolce.

Bella performance di Carmela Remigio come Anne. Il suo strumento ha un bel corpo e timbrica vellutata che si muove a suo agio nell’intervallo richiesto dalla partitura. Sentita e melodiosa la famosa berceuse nell’ultimo atto, ove ancora c’è spazio per sognare battelli che veleggiano ed ‘orti verdeggianti’, uno dei momenti ritenuti più alti della poetica di Auden in quest’opera.

La turca Baba è una prorompente Natasha Petrinsky, forse non proprio a suo agio nello strettissimo costume, ma interprete espressiva e carismatica.

Spigliata la Mother Goose di Silvia Regazzo e di buona presenza scenica anche il signor Truelove, alias Michael Leibundgut. Completano il cast il Sellem di Marcello Nardis ed un buon Matteo Ferrara come guardiano del manicomio.

Un plauso al Coro della Fenice che si è mirabilmente reso protagonista e parte integrante della messa in scena con abilità sia interpretative che canore senza perdere mai la concentrazione.

Diego Matheuz è alla guida dell’orchestra della Fenice. Pur possedendo talento e musicalità, il giovane Maestro in questo caso specifico non ci ha regalato le sfumature e gli approfondimenti che ci aspettavamo da una partitura certamente ostica, che strizza l’occhio al settecento, ma che ha in sé tutta la novità e freschezza del novecento, ricca anche di sferzate in grado di emozionare e colpire nel profondo.

Il pubblico numeroso ha applaudito con generosità tutti gli interpreti, in modo particolare Alex Esposito. All’inizio dell’unico intervallo si è udita qualche contestazione per la regia.

MTG

LA PRODUZIONE

Maestro concertatore

e direttore Diego Matheuz
Regia Damiano Michieletto

Scene Paolo Fantin
Costumi Carla Teti
Light designer Alessandro Carletti

GLI INTERPRETI

Trulove                      Michael Leibundgut
Anne                          Carmela Remigio
Tom Rakewell           Juan Francisco Gatell
Nick Shadow             Alex Esposito
Mutter Goose            Silvia Regazzo
Baba                          Natasha Petrinsky
Sellem                        Marcello Nardis

Il guardiano del manicomio Matteo Ferrara

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti

in lingua originale con sopratitoli in italiano e in inglese

nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice
in coproduzione con Oper Leipzig
nell’ambito del festival "Lo spirito della musica di Venezia"

Foto MICHELE CROSERA PER IL TEATRO LA FENICE

COSI’ FAN TUTTE, W.A.MOZART – TEATRO OLIMPICO DI VICENZA, lunedì 23 giugno 2014

Martedì, 24 Giugno 2014
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È sempre una piacevole sensazione quella di constatare come anche a fronte di un piccolo budget si possano realizzare degli spettacoli d’Opera di garbo, intelligenza e soprattutto qualità. È questo il caso del dramma giocoso di Mozart Così fan tutte in scena al meraviglioso Teatro Olimpico di Vicenza. Nel caso in questione Lorenzo Regazzo è impegnato sia come interprete del ruolo di Don Alfonso che come regista. Del resto è proprio intorno alle trame di costui che si dipana tutta la faccenda e non vediamo nulla di più naturale che sia egli stesso anche l’autore della messa in scena. Da questo punto di vista abbiamo potuto godere di uno spettacolo studiato, vissuto e realizzato in funzione del libretto che a sua volta è servito da una musica perfetta ed immortale che ancora oggi è in grado di ottenere il tutto esaurito come con nostra grande gioia è stato anche ieri sera.

L’allestimento scenico curato da Michele Lisi sfrutta gli spazi offerti dal gioiello palladiano. Le due sorelle ferraresi sono proprio intente ad ammirare le statue che adornano le pareti del teatro come in visita culturale quando la storia prende il via. Gli arredi che poi serviranno per la casa di Fiordiligi e Dorabella sono coperti da teli bianchi per poi essere svelati a tempo debito. Siamo naturalmente in tempi moderni e i protagonisti sono vestiti con abiti contemporanei. Per dimostrare la loro dedizione ai rispettivi innamorati le fanciulle indossano addirittura delle magliette recanti le loro effigi. Queste stesse poi saranno prova di tradimento quando le sorelle cederanno alla tentazione e le regaleranno ai compagni della beffa, che in questo caso è addirittura svelata, poiché i giovani in preda alla passione si liberano del travestimento per compiere l’atto amoroso. I baldi pretendenti sono qui travestiti con buffi e spiritosi costumi scozzesi, non albanesi, atti a mettere in atto la scommessa fedifraga. Di grande effetto il travestimento di Despina in medico/santone indiano color oro con corona a mo' di turbante, che al posto della calamita adopera naturalmente una sfera magica per rianimare gli amanti respinti e fintamente privi di conoscenza. Per non parlare del buffo abito da notaio nell’ultimo atto con parruccone incluso.

Con una delicata fontana a rappresentare il giardino sul retro, due divani, un tavolino, un paio di sedie ed alcuni cubi colorati la scena è allestita e non serve davvero altro per quanto ricca di spunti sia la regia di Regazzo. Il suo Don Alfonso è un intellettuale che ama poetare ed aggiunge al libretto persino altri versi di Da Ponte intensamente recitati per esplicitare il suo pensiero nel consolare i giovani ‘cornificati’. Il burattinaio della situazione sa perfettamente di aver ragione, non solo perché reputa che le donne ‘gentili’ siano per loro natura votate al tradimento, ma perché in giovinezza si vive ogni passione al massimo e le occasioni vanno colte al volo, anche se ciò significa tradire il compagno partito per il fronte. Probabilmente a situazione inversa tra le coppie il risultato sarebbe stato il medesimo. Compare anche il personaggio muto di una donna vestita di bianco, una donna che porta con sé una bambola che richiama sì alla fanciullezza ma anche alle tentazioni dell’età ‘del buon tempo’.

Anche il coro è parte integrante della messa in scena, sia quando reca con sé un cuore rosso esibito con i cantori posti tutti in bell’ordine in fila, oppure nell’indossare una piccola maschera durante il tentativo di matrimonio con i nuovi compagni nel finale. Non mancano altri momenti di pura ilarità, come la distribuzione di cioccolatini al pubblico da parte dei due giovani protagonisti, ed i simpatici siparietti creati per il personaggio di Despina, armata di straccio ed aspirapolvere fatta funzionare effettivamente in scena. Insomma un godibilissimo spettacolo, che può vantare anche un cast giovane e spigliato, dalle ottime qualità canore.

Giovanna Donadini esce trionfatrice da questa produzione come Despina: con incredibile verve si muove sul palcoscenico adoperando la sua ricca e potente voce che riesce anche a modificare per rendere più plausibili le mascherate ordite da Don Alfonso, a cui fa pure la corte.

Lorenzo Regazzo è un ottimo Don Alfonso: il colore bruno e voluminoso della sua voce emessa con sicurezza e navigata esperienza fornisce il perfetto completamento ad una performance approfondita e veramente analitica del suo personaggio. È anche un ottimo declamatore di versi.

Deliziosa la Fiordiligi di Arianna Vendittelli: fresco il suo personaggio e fresco il timbro della sua voce acuta e piena soprattutto nei centri.

Molto bene anche la spigliata Dorabella di Raffaella Lupinacci. Bel colore di voce brunito, sicurezza ed espressività nel canto, davvero poliedrica nel ruolo della vispa e furba giovane ‘bene’.

Ottima intesa e ben interpretati anche i ruoli dei due giovanotti: Daniele Zanfardino, Ferrando, possiede una grande musicalità e canta con voce delicata e sinuosa. In questo repertorio è perfettamente a suo agio. Marco Bussi è grande attore e bravissimo interprete di Guglielmo, forte di uno strumento vocale di grande spessore e ottima emissione.

Il coro de I Polifonici Vicentini ha incorniciato molto bene gli eventi in essere, mentre l’ Orchestra di Padova e del Veneto ha mostrato di essere in ottima forma ed a suo agio con la partitura affidata al Maestro Giovanni Battista Rigon che ha creato una sapiente sinergia di intenti tra tutte le componenti dello spettacolo, dalla buca al palco.

Il pubblico festante e caloroso ha applaudito con vera gioia tutti i protagonisti di questo spettacolo davvero gradevole.

MTG

LA PRODUZIONE

Maestro concertatore

e direttore Giovanni Battista Rigon
Regia Lorenzo Regazzo

Respons. scene e costumi Michele Lisi

Assistente regia Selena Farinelli

Maestro del coro Pierluigi Comparin

GLI INTERPRETI

Despina                                  Giovanna Donadini
Don Alfonso Lorenzo Regazzo
Fiordiligi                                Arianna Vendittelli
Dorabella                               Raffaella Lupinacci
Ferrando   Daniele Zanfardino
Guglielmo                              Marco Bussi

I Polifonici Vicentini
Orchestra di Padova e del Veneto
Alberto Boischio maestro al cembalo
Caterina Galiotto maestro collaboratore

FOTO LUIGI DE FRENZA

CARMEN, GEORGES BIZET – ARENA DI VERONA, SABATO 21 GIUGNO 2014

Domenica, 22 Giugno 2014
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Con la spettacolare produzione che debuttò in Arena nell’ormai lontano 1995, rivisitata ed ‘alleggerita’ nell’allestimento del 2009, la Fondazione Arena ha deciso di rendere omaggio alla più amata e celebre opera di Bizet per festeggiare un’occasione speciale: il centesimo anno dalla sua prima rappresentazione al Festival, per celebrare un’opera che in pratica ha contribuito a fare la storia stessa della Fondazione e che è stata rappresentata per ben duecentoventisei volte fino a questa stagione. E se bisogna festeggiare in grande, l’imponente e cinematografica messa in scena del Maestro Franco Zeffirelliè chiaramente atta allo scopo. L’ormai mitico allestimento è uno dei più graditi al pubblico areniano ed anche in questo caso ha raccolto nell’anfiteatro un pubblico entusiasta e partecipe quasi come ad una partita di calcio.

Abbiamo ritrovato quindi la collaudatissima ambientazione sivigliana ricca di spunti e decisamente dinamica, incorniciata da coloratissimi teli che aiutano a completare la già folta scenografia. Come sempre Zeffirelli ci proietta esattamente al centro degli eventi dotando il palco di tutto ciò che può essere utile alla messa in scena: abbiamo ritrovato la famosa piazza di Siviglia, la ricca e colorata taverna di Lillas Pastia, siamo stati poi catapultati dall'accampamento dei contrabbandieri alla Plaza dos Toros come in un set cinematografico, con i meravigliosi e ricchi abiti di Anna Anni. Non mancano i consueti quadrupedi che qualche volta tendono ad agire non proprio ‘secondo copione’ regalando anche graziosi fuori programma. In sintesi estrema un allestimento immenso per un immenso traguardo raggiunto a Verona da questo dramma.

Dramma della donna in tutte le sue sfaccettature, nel suo porsi in essere in una società che non la accetta perché gitana e ribelle, nel porsi con il sesso opposto come dominante per non soccombere ella stessa, nel suo vivere senza regole dettate dal bon ton ma dettate dal suo essere donna e libera. Il ruolo di Carmen è uno scoglio difficilissimo da sormontare e rappresenta una punta di diamante per tantissime interpreti che abbiano raggiunto il traguardo di poterla eseguire. Dispiace molto che Ekaterina Semenchuknon ci abbia trasmesso le vibranti emozioni che un ruolo del genere richiede. La sua Carmen non è stata la donna di profondità e spessore che il personaggio dovrebbe esprimere. Non ci ha convinto neanche dal punto di vista vocale, né per intonazione né per fraseggio.

Palma d’oro della serata ad una splendente Irina Lungucome Micaela. Impeccabile scenicamente nel ruolo della donna per bene ed innamorata, perfetto contraltare di Carmen nei modi e nei costumi. Grazie alla sua voce piena dall’ottimo volume, unitamente ad una emissione sicura e precisa può considerarsi la vera protagonista della serata. Le ovazioni interminabili del pubblico al termine della rappresentazione hanno sancito una serata davvero molto positiva per il soprano.

Il Don Josè di Carlo Ventreè appassionato e come sempre da’ prova di possedere uno strumento vocale di notevole spessore. Non sempre però il risultato di tanto ardore sia canoro che attoriale risulta impeccabile.

Sotto tono ci è sembrata anche l’interpretazione di Carlos Alvareznel ruolo dell’acclamato e desiderato Escamillo. Pur possedendo una voce molto suadente soprattutto quando scende verso il registro più grave non ne ha beneficiato per ottenere una performance all’altezza della sua bravura.

Graziose e discrete Francesca Micarellie Cristina Melis, le maliarde Frasquita e Mercedes. Completano il ricco cast il bravo Federico Longhicome Dancairo, Paolo Antognetti, Seung Pil Choi e un buon Francesco Vernanei panni di Remendado, Zuniga e Morales.

Bene i piccoli cantori del Coro voci bianche A.Li.Ve. di Paolo Facincani e pregevole il lavoro del Coro dell’Arena di Verona di Armando Tasso. Non possiamo dimenticare il contributo ormai celebre delle coreografie di El Camborio riprese da una applauditissima Lucia Real per le coinvolgenti danze del corpo di ballo areniano, con primi ballerini Teresa Strisciulli, Amaya Ugarteche, Antonio Russo.

Il Maestro Henrik Nánásiè stato alla testa dell’orchestra della Fondazione. Con il direttore ungherese abbiamo potuto ascoltare una Carmen di vigore, energica e vivace, che ha lasciato anche il posto all’intensità ed al dramma nei momenti più intensi.

Il pubblico effervescente ha applaudito con generosità tutti i protagonisti riservando una autentica ovazione alla signora Lungu.

MTG

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra	*Henrik Nánási*
Regia e scene	*Franco Zeffirelli*
Costumi	*Anna Anni*
Coreografia	*El Camborio ripresa da Lucia Real*
Maestro del coro	*Armando Tasso*
Direttore corpo di ballo	*Renato Zanella*
Direttore allestimenti scenici	*Giuseppe De Filippi Venezia*
Coro voci bianche	*A.Li.Ve.*
Direttore voci bianche	*Paolo Facincani*

GLI INTERPRETI
Carmen	*Ekaterina Semenchuk*
Micaela	*Irina Lungu*
Frasquita	*Francesca Micarelli*
Mercedes	*Cristina Melis*
Don Jose'	*Carlo Ventre*
Escamillo	*Carlos Alvarez*
Dancairo	*Federico Longhi*
Remendado	*Paolo Antognetti*
Zuniga	*Seung Pil Choi*
Morales	*Francesco Verna*

Primi ballerini: Teresa Strisciulli, Amaya Ugarteche, Antonio Russo.

ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL'ARENA DI VERONA

Foto ENNEVI per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona

UN BALLO IN MASCHERA, GIUSEPPE VERDI – ARENA DI VERONA, venerdì 20 giugno 2014

Sabato, 21 Giugno 2014
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Spesso i grandi uomini sono circondati da fama e successo, potere ed ammirazione generale, ma sono incredibilmente soli, con pochissimi amici scelti che in ogni caso non possono colmare il vuoto che alberga nel profondo del loro cuore. Così il giusto e magnanimo Riccardo, governatore di Boston, amato e rispettato dai cittadini che popolano la allora colonia inglese, pur governando saggiamente deve fare i conti con chi cospira contro di lui e soprattutto con il suo cuore votato all’amore per la dolce Amelia ma destinato a soffrire, perché ella è sposa del suo fidato segretario. Con Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi si è aperta la nuova stagione d’opera all’Arena di Verona nel centounesimo anniversario dalla nascita del Festival più famoso al mondo. Per questa produzione è stato chiamato il grande regista Pier Luigi Pizzi, che vanta una presenza assidua nella città dell’amore sin dalla fine degli anni sessanta.

Questo titolo mancava da sedici anni ed è stato fortemente voluto dalla direzione artistica, come degna opera che si presta ad emozionare il pubblico che accorre nella prestigiosa Arena da ormai più di un secolo. La solitudine che caratterizza la vita del protagonista è il fulcro della visione di Pizzi, che concepisce un’ambientazione leggermente spostata in avanti, esattamente di un secolo rispetto al libretto e quindi ci troviamo nel tardo settecento americano. Il grande regista, scenografo e costumista ha ideato una struttura portante maestosa, in stile neoclassico, ove le innumerevoli colonne poste in forma cilindrica richiamano alla mente il celebre colonnato della Casa Bianca di Washington, che si trasforma in base alle esigenze sceniche, aprendosi e chiudendosi per l’occasione. L’idea di fondo è molto interessante, splendida concettualmente. Vi sono rappresentati camini, scale a chiocciola, bassorilievi sui muri, il tutto dal gusto molto raffinato e concentrato nelle varie parti che compongono la struttura portante.

Il bianco è il colore dominante della scenografia, mentre per quanto riguarda i costumi c’è una alternanza di colori forti e vistosi con colori che sfumano in gradazioni molto chiare; diffusa è anche la presenza del nero. Spicca il costume rosso con tanto di cappuccio del paggio Oscar, nonché il bizzarro abito della strega Ulrica: nero con applicazioni di piume rosse, che ci fanno venire alla mente le fiamme del fuoco magico che le arde in corpo. In questa mastodontica scenografia alcuni elementi si aggiungono man mano, come una sorta di cancellata con aculei che circonda ed opprime i protagonisti per l’abituro della maga, mentre i colonnati laterali sono coperti con materiale che rammenta superfici rocciose. Il campo ove gli amanti si dichiarano è semplicemente rappresentato da due alberi disposti al centro della scena. Non mancano bandiere inglesi sventolanti dal tetto a terrazza della struttura e i fuochi d’artificio esplosi a festa naturalmente nel terzo atto. L’effetto complessivo è sicuramente di grande suggestione. Ma qualcosa ci ha lasciato perplessi, come se la pesantezza nel cuore del protagonista avesse caratterizzato anche lo spettacolo in generale, privandolo della forza espressiva di cui questa grande opera è foriera. Anche le luci piuttosto impersonali hanno contribuito a lasciarci questa sensazione Infine il manto nero che viene adagiato sul corpo esanime di Riccardo completa e sottolinea questa sensazione di incupimento che aleggia lungo tutta la rappresentazione.

La compagine canora impegnata in questa prima serata ha visto il ritorno a Verona di Hui He nel ruolo di Amelia. Il soprano ha ancora una volta mostrato quanto meraviglioso sia il colore della sua voce dolcemente pastosa e con quanta austerità si possa interpretare il suo ruolo. Ci è parsa però leggermente trattenuta ieri sera e siamo sicuri che possa imprimere ancora più intensità sia alla resa canora che dal punto di vista attoriale.

Francesco Meli è il governatore Riccardo, conte di Warwich. La sua interpretazione conferma le doti canore ed interpretative di questo tenore che con eleganza ed un canto lineare ed armonico dona giusta anima e voce ad un personaggio tormentato e ricco di sfumature.

Luca Salsi nei panni di Renato ha offerto una interpretazione di forza e temperamento; la sua voce possente e robusta unitamente ad una forte espressività ne coronano una interpretazione convincente.

Non ci convince Elisabetta Fiorillo nelle vesti dell’indovina Ulrica. Ci è sembrata in difficoltà nel passaggio di registro e la sua voce non risulta dunque uniforme nella linea di canto; anche gli attacchi ci sono parsi talvolta un po’ bruschi e l’interpretazione a tratti troppo marcata.

Il ruolo del simpatico Oscar è interpretato da una applauditissima Serena Gamberoni che ha regalato anche una acrobatica ruota in scena per la gioia del pubblico.

A chiudere il cerchio del cast William Corrò è il congiurato Silvano, Seung Pil Choi Samuel; Deyan Vatchkov Tom, Antonio Feltracco impersona il giudice, infine Saverio Fiore interpreta un discreto servo di Amelia.

I balletti del corpo di ballo della Fondazione Arena, con primi ballerini Alessia Gelmetti, Evghenij Kurtsev arricchiscono come sempre lo spettacolo, con le loro soavi movenze coreografate da Renato Zanella. Il coro di Armando Tassoè impegnato come spesso accade posto in modo sparso lungo tutto il palcoscenico, cosa che non rende facile il canto di insieme.

Il Maestro Andrea Battistoniè alla guida dell’orchestra dell’Arena di Verona. Ormai conosciamo lo stile ed il piglio sicuro del beniamino di casa. È impegnato come sempre anche nel seguire vocalmente i cantanti e lo scorrere degli eventi, offrendo il giusto apporto ad una rappresentazione dal tono austero, con una guida equilibrata e consona alla narrazione.

Applausi convinti per tutti i protagonisti, mentre si è udita qualche contestazione per la regia proveniente dalle gradinate.

MTG

LA PRODUZIONE

Direttore d'orchestra	*Andrea Battistoni*
Regia, scene e costumi	*Pier Luigi Pizzi*
Coreografia	*Renato Zanella*
Lighting designer	*Vincenzo Raponi*
Maestro del coro	*Armando Tasso*
Direttore corpo di ballo	*Renato Zanella*
Direttore allestimenti scenici	*Giuseppe De Filippi Venezia*

GLI INTERPRETI


Riccardo	*Francesco Meli*
Renato	*Luca Salsi*
Amelia	*Hui He*
Ulrica	*Elisabetta Fiorillo*
Oscar	*Serena Gamberoni*
Silvano	*William Corrò*
Samuel	*Seung Pil Choi*
Tom	*Deyan Vatchkov*
Giudice	*Antonio Feltracco*
Un servo di Amelia	*Saverio Fiore*

Primi ballerini: Alessia Gelmetti, Evghenij Kurtsev

Costumi realizzati con tessuti ‘Rubelli’

ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA

Foto ENNEVI per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona.

LEOS JANACEK, JEJI PASTORKYNA (JENUFA) - VERSIONE DI BRNO 1908 TEATRO NAZIONALE DI PRAGA 22 maggio 2014

Domenica, 01 Giugno 2014
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KOSTELNICKA

“Fra un momento... un momento...”

e io devo aspettare qui tutta un’eternità,

l’eternità di un’anima?

Il Teatro Nazionale di Praga ha deciso di mettere in scena il capolavoro di Janacek con il suo titolo originario, Jeji Pastorkyna (la sua figliastra), invece del più comune Jenufa, spostando cosi il baricentro dell'attenzione drammatica da Jenufa appunto a Kostelnicka, vera chiave e motore dell'intera azione.

Il primo vero capolavoro di Janacek, nel quale si denota senza ombra di dubbio la sua originalissima scrittura musicale scevra da influenze di altri compositori o scuole nazionali, ha un'impostazione che potrebbe quasi dirsi “verista” per l'ambientazione naturalistica (il piccolo ambiente di un villaggio dove trionfano pregiudizi sociali e cattivi pettegolezzi) la cruda caratterizzazione dei personaggi, divisi in buoni e cattivi, protagonisti di un una vicenda a tinte forti.

Ma qui il verismo ha anche risvolti simbolisti, ecco quindi che personaggi e vicenda diventano esempio di un conflitto tra le ragioni di una verace vitalità e le costrizioni, gli odi e le paure di un ordine sociale oppressivo e una simile ricca umanità trova modo di manifestarsi più compiutamente in una particolarissima sensibilità di Janacek per il rapporto testo-musica, tanto da far derivare dal dettato del linguaggio parlato la curva melodica della musica, originalissima nella ripetizione ossessiva, ma incessantemente variata, degli spunti melodico-ritmici.

L'allestimento di Jiri Nekvasil, supportato dai costumi e dalle scene di Daniel Dvorak, scorre nel filo della tradizione senza particolari colpi di scena o innovazioni particolari, spostando tutta l'attenzione sul personaggio di Kostelnicka, facendo diventare Jenufa una timida e sprovveduta ragazzina di campagna senza arte ne parte.

Eva Urbanovà ha interpretato la parte della Sagrestana con una potenza espressiva e una forza vocale straordinari da vera star del Teatro Nazionale Ceco. Acclamatissima dal pubblico, ha delineato un'interpretazione tutta tesa allo scavo psicologico del personaggio in relazione alla particolarissima scrittura di Janaceck, superando senza problemi lo scoglio del secondo atto, vero banco di prova per questo personaggio. Ha saputo misurare e modellare ogni singola parola e frase con altissima professionalità e concentrazione, regalandoci emozioni veramente rare, supportata da una voce ancora fresca e duttilissima, e per una volta tanto abbiamo sentito finalmente cantare questa stupenda parte da un soprano drammatico in piena forma e non da una vecchia gloria in disarmo o ancora peggio un mezzo soprano con troppe ambizioni.

Dana Buresovà è stata una Jenufa ambiziosissima, dalla voce potente ma ottimamente gestita, supportata da una tecnica vocale eccellente, che le ha permesso di regalarci acuti limpidissimi, mezze voci, filati ed altre meraviglie vocali in una parte che non si risparmia da questo punto di vista. E' artista completa che ci auguriamo di ascoltare presto in teatri maggiori.

Il personaggio di Laca è stato un concentratissimo Jaroslav Brezina che si è fatto carico di un'interpretazione sofferta e viva dello sfortunato e appassionato pretendente di Jenufa. Lo spavaldo e inconcludente Steva ha trovato in Richard Samek degno interprete nella parte, associando a buone capacità vocali una smisurata interpretazione scenica e ottimi doti di ballerino nelle danze del primo atto.

Lenka Smidovà è stata una Nonna con tutti i tratti tipici della parte, impersonando la vecchia del villaggio con il carisma vocale e scenico degni della capostipite del clan Burja.

Completavano il nutrito cast Ivan Kusnier (Starek mugnaio), Ludek Vele (il sindaco), Jitka Burgetovà (La moglie del sindaco), Alzbeta Polackovà (Karolka), Katerina Jalovcovà (la vaccara) Lucie Silkenovà (Barena), Barbora Pernà (Jano), tutti ottimi componenti della troupe stabile del teatro nazionale di Praga.

Robert Jindra ha diretto un 'orchestra del Teatro Nazionale di Praga in splendida forma che possiede nelle sue corde più intime la capacità di esaltare e valorizzare una partitura che è vero monumento all' arte musicale Ceca.

Corretto e a proprio agio anche nelle parti delle danze del primo e terzo atto, il coro del Teatro nazionale diretto da Pavel Vanek.

Successo trionfale per tutti con ovazioni per Eva Urbanovà.

Pierluigi Guadagni

LA PRODUZIONE

Direttore d’orchestra

Robert Jindra

Regia	*Jiri Nekvasil*

Scene e costumi	*Daniel Dvorak*

	GLI INTERPRETI


La vecchia Buryja		*Lenka Smidovà*

Laca Klemen

Jaroslav Brezina

Stewa Buryja

Richard Samek

Sagrestana Buryja

Eva Urbanovà

Jenufa

Dana Buresovà


Sindaco		*Ludek Vele*

Sua moglie

Jitka Burgetovà

Karolka

Alzbeta Polackovà

Vaccara

Katerina Jalovcovà

Barena

Lucie Silkenovà

Jano

Barbora Pernà

Il mugnaio Ivan Kusnier

ORCHESTRA E CORO TEATRO NAZIONALE DI PRAGA

Foto Teatro Nazionale di Praga

XIII EDIZIONE PREMIO MEMORIAL TULLIO BESA – AUDITORIUM FONATO CITTA’ DI THIENE (VI), sabato 24 maggio 2014.

Domenica, 25 Maggio 2014
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L’appuntamento del 2014 con il premio Memorial Tullio Besa vede il ritorno al Jazz con un giovanissimo pianista che sta conquistando un folto pubblico sia nel nostro paese che all’estero: Alessandro Lanzoni. Dopo Francesco Cafiso premiato nel 2006 è la volta di questo giovane fiorentino, che ha al suo attivo premi quali il Massimo Urbani ed il Martial Solal di Parigi, il Premio Memorial Marino Peruzzi a Torre del Lago, ha partecipato al Festival Internazionale di Eilat in Israele e vanta anche numerose collaborazioni con artisti del settore quali Ares Tavolazzi, Walter Paoli, Lee Konitz, Kurt Rosenwinkel, Roberto Gatto e tanti altri. Non stupisce dunque che abbia catturato l’attenzione della promotrice del premio, Gigliola Trentin Besa, e che ora faccia parte dell’albo d’oro dei premiati.

Il concerto che ha sancito la sua vittoria ha visto Lanzoni offrire il meglio del suo repertorio, che è costituito da improvvisazioni, standard jazzistici ed anche da una sua composizione.

Come egli stesso ha spiegato Alessandro Lanzoni ama molto l’improvvisazione. Questo perché non essendo legato ad una partitura in modo pedissequo, in questo modo ha la possibilità di esprimere ciò che di suo percepisce in taluni pezzi piuttosto che in altri, partendo da un elemento armonico dinamico da sviluppare, per poi arrivare ad un concetto complessivo finale estemporaneo . Così i primi quattro brani sono state improvvisazioni per così dire ‘riscaldare’ la platea. Ecco che dal lirismo del primo brano, morbido e quasi cullante nel silenzio della sera, si è passati ad un ritmo più incalzante col secondo, privo di una melodia specifica o riconoscibile. Il toscano passa con libera scioltezza da momenti di lirismo puro a veri e propri sbalzi di umore, per così dire, rappresentati da salti di ottava, ritmi sostenuti, per poi tornare a tempi più distesi e suoni addolciti. Quasi nostalgica la terza improvvisazione, che comunque non rimane legata sempre allo stesso tipo di atmosfera: i toni si fanno via via più accesi, l’intensità del suono cresce e le note diventano un fiume in piena. Attimi di attesa sonora per l’ultimo pezzo di questo tipo, con elementi melodici che si inseriscono man mano nell’incipit, per così ottenere un suono brillante, leggero, quasi ballabile nella sua scanzonatezza. Vi si riconoscono i ritmi tipici del jazz: il bebop, il ragtime, e naturalmente tantissima fantasia.

Un omaggio ai grandi del jazz con l’esecuzione di brani tra cui ‘Work’ del musicista Telonious Monk. Anche in questo caso è evidente la sua personalizzazione nell’esecuzione, quanta partecipazione vi sia nel concepire il pezzo, cercando sempre qualcosa che vada aldilà di quanto scritto sul rigo musicale. Così con Cole Porter e la personalissima reinterpretazione della celebre Everything I love il pianista non si smentisce: tanta passione, trasporto nell’esecuzione, con un tocco sulla tastiera che sottolinea ed accompagna il diverso ‘sentire’ la musica a seconda del momento. Colpisce la linearità del fraseggio che si traduce in un continuum armonico; impressiona per la sicurezza esecutiva , in sintesi la sensazione che vi sia ‘un mondo’ esplicitato in quelle note.

L’esecuzione del pezzo Dark flavour, composto dal musicista stesso e che di solito esegue in trio, in compagnia dei musicisti Enrico Morello e Matteo Bortone, ha offerto anche un momento particolarmente suggestivo e romantico.

In chiusura registriamo la splendida Rapsodia in blu di George Gershwin, con tanta carica emotiva, dinamicità e fluidità esecutive e naturalmente un tocco personale.

Tra i bis acclamati a gran voce spicca il brano ragtime del compositore Fats Waller.

La consegna del premio e i saluti conclusivi degli organizzatori e delle autorità presenti hanno chiuso un’altra serata all’insegna dell’eccellenza per questo riconoscimento che guadagna prestigio di anno in anno.

MTG

TOSCA, GIACOMO PUCCINI - GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, venerdì 16 maggio 2014

Sabato, 17 Maggio 2014
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Nel giorno del compleanno del Teatro La Fenice, inaugurata il lontano 16 maggio 1792, con Tosca si chiude il cerchio del ‘Progetto Puccini’ partito lo scorso aprile con le ormai collaudate produzioni di Bohème e Madama Butterfly, per celebrare il novantesimo anniversario dalla morte del lucchese. È questo un allestimento nuovo prodotto dalla Fondazione Fenice stessa, che vede impegnata la regista Serena Sinigaglia, nella cui visione il capolavoro pucciniano va rappresentato basandosi principalmente sui significati simbolici ed universali che da esso si ricavano, privilegiando l’aspetto immaginario su quello visivo e concreto.

Fondamentalmente l’allestimento si basa sul concetto per cui l’arte è una sorta di bene supremo che, se non già in questo mondo, in un futuro o nell’aldilà, è per sua natura destinata a prevalere sul male che ormai offusca gli esseri umani e guida le loro azioni. La regista milanese vede i due protagonisti come i simboli della bellezza insita nelle arti che essi praticano rispettivamente: il canto per Floria e la pittura per Mario. Il concetto dell’arte come portatrice di valori primeggianti su tutto è spesso stato decantato da poeti e pittori nel corso dei secoli, ma qui è visto nella sua veste di lotta contro il male, rappresentato dal perfido Scarpia, simbolo anche delle sopraffazioni politiche e morali a tutti i livelli sociali. Dunque anche il conseguente concetto di bello come simbolo di amore, passione, ma anche libertà e valori politici.

Per tradurre tutto ciò la scenografa Maria Spazzi trova utile ridurre all’estremo il senso di rottura e scontro tra le due forze in campo, che quindi portano ad una vera e propria ‘frattura’ del palcoscenico, letteralmente squarciato in più parti, ove pare di scorgere anche la terra che dal sottosuolo cerca di invadere lo spazio circostante, adorno solo di pochissimi elementi essenziali alla narrazione: il quadro del pittore Cavaradossi sul cavalletto, la statua della Madonna ed un cancelletto per la cappella in Sant' Andrea della Valle, una tavola di legno adorna, posta sulle rovine del palcoscenico per il pranzo di Scarpia in Palazzo Farnese, alcune candele sparse sulla scena e poche sedie, infine quasi il nulla per l’esecuzione del protagonista nell’atto conclusivo, con gli squarci del suolo sempre più evidenti ed invadenti.

Sembra che su questa devastante desolazione l’unica speranza sia nella vita ultraterrena, dove i due amanti e spiriti libertini potranno reincontrarsi scevri da costrizioni politiche ed in armonia con la loro arte.

Molto suggestivo è il gioco di luci curato da Alessandro Verazzi, che completa e sottolinea gli stati d’animo dei personaggi con riflessi, colori e ombre mai lasciate al caso. Di stampo classico e ben curati i costumi di Federica Ponissi.

Floria Tosca è Svetla Vassileva. Del soprano colpisce soprattutto il temperamento. Il suo personaggio traduce in azioni concrete la visione concepita per lei dalla regista: ribelle ad ogni vincolo, come una leonessa in gabbia, cerca in tutti i modi di sfuggire alle trame ordite dal crudele barone, in nome della libertà e dell’amore che prova per il suo pittore. La linea di canto è morbida e soprattutto nell’acuto sfoggia le sue migliori qualità.

Sempre più convincente nel corso della recita Stefano Secco come Cavaradossi. Si cala nel suo personaggio con intensità crescente mostrando anche delle ottime qualità vocali, grazie ad una voce squillante e piena di energia.

Applauditissimo Roberto Frontali come Scarpia. In questo ruolo la sua voce diventa ancora più austera, profonda e calda, riuscendo ad imprimere al suo personaggio una forza ed un carattere davvero impressionanti. Il migliore in campo.

Enric Martinez-Castignani è un esempio di simpatia e bravura grazie al ruolo del sagrestano. Completano il cast lo Spoletta di Cristiano Olivieri, l’Angelotti di Christian Saitta, il carceriere di Carlo Agostini e lo Sciarrone di Armando Gabba.

Partecipe il coro diretto da Ulisse Trabacchin, con i Piccoli Cantori Veneziani di Diana D’Alessio.

Alla testa della sempre in forma orchestra della Fenice, il Maestro Daniele Callegari sceglie una lettura attenta e lineare, volta a sottolineare gli eventi in scena con la giusta cornice, senza calcare troppo nei momenti più concitati. Particolarmente intenso l’accompagnamento alla celebre ‘Vissi d’arte’, ove la voce della Signora Vassileva pare incorniciata da un manto di note lievi che si fondono col suo pianto.

Applausi calorosi per tutti i protagonisti ed il Maestro Callegari, qualche contestazione invece riservata alla regia.

MTG

LA PRODUZIONE

Direttore Daniele Callegari

Regia Serena Sinigaglia

Scene Maria Spazzi

Costumi Federica Ponissi

Light designer Alessandro Verazzi

GLI INTERPRETI

Floria Tosca   Svetla Vassileva
Mario Cavaradossi   Stefano Secco
Il barone Scarpia Roberto Frontali
Cesare Angelotti       Christian Saitta
Il sagrestano              Enric Martinez-Castignani
Spoletta                      Cristiano Olivieri
Sciarrone                   Armando Gabba
Un carceriere Carlo Agostini
Pastorello Laura Franco

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Maestro del Coro Ulisse Trabacchin

Piccoli Cantori Veneziani
maestro del Coro Diana D’Alessio

con sopratitoli in italiano e in inglese
nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice

FOTO MICHELE CROSERA

DECIMO CONCERTO SINFONICO – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, domenica 11 maggio 2014

Lunedì, 12 Maggio 2014
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Conclusione della stagione sinfonica al Filarmonico di Verona con un programma dedicato al novecento, grazie a tre compositori vissuti tutti nel corso secolo scorso. Un concerto che ha visto impegnata l’orchestra dell’Arena di Verona apparsa molto coinvolta e davvero in ottimo feeling col condottiero della serata: Daniele Rustioni.

Apertura con il Concerto violino e orchestra n. 1 op. 77 in la minore di Dmitrij Sostakovic. Nel pezzo datato 1948 si ravvisa una certa inquietudine artistica dell’autore, già evidente nel primo movimento che lascia l’ascoltatore quasi sempre in sospeso, come se il suo sviluppo tardasse ad esprimersi, in attesa di risposte che non arrivano. Il violino protagonista da subito accompagna e sottolinea il senso nostalgico di questa apertura. Si cambia completamente ambientazione con lo Scherzo, in cui sembra essere abbandonata ogni incertezza per lasciare il posto a maggiore leggerezza e persino alla danza. Con la Passacaglia e la Cadenza del violino vi è il ritorno alla riflessione ed alla melanconia: le note altissime emesse dalle corde quasi stridono e richiamano alla mente lampi di sensazioni vissute, come a non volerle cancellare, a fissarle dunque nella memoria. Infine torniamo a ritmi decisamente più vivaci grazie alla Burlesca, che vede il violino impegnato senza tregua come in una corsa sulle montagne russe, ove la velocità si moltiplica quasi indisciplinatamente verso il cosiddetto finale con botto, con conseguente esplosione di applausi al termine.

Applauditissima Francesca Dego che, apparsa davvero in stato di grazia e concentratissima nell’esecuzione perfetta dei ritmi serrati di questo concerto, è stata chiamata diverse volte sul palco registrando un vero trionfo.

Seconda parte del concerto con Ottorino Respighi e le sue Fontane di Roma, scritto in epoca fascista come trittico in omaggio alla città eterna, assieme a I pini di Roma e Feste romane. Un delicato affresco di ciò che rappresenta Roma in una giornata ideale con le sue bellezze in armonia con il paesaggio, in questo caso le fontane di Valle Giulia, di Tritone, di Trevi e di Villa dei Medici, raffigurate dall’alba al tramonto nella loro maestosa bellezza. Questo poema sinfonico delicato è intriso di sensazioni campestri, di evocazioni paesaggistiche, in cui dolcemente sembra di assistere allo scorrere dell’acqua che da quasi sonnecchiante all’improvviso zampilla con energia vitale nel pieno della giornata, per poi spegnersi nuovamente col calar del sole. Non mancano richiami a figure marine fantastiche: tritoni, naiadi, cavalli marini, ecc. Un passaggio ‘dolce’ verso la parte finale del programma.

Con l’inimitabile ‘fuoco’ di Stravinsky l’orchestra dona il meglio di sé al Maestro ed al pubblico. Una delle pagine più intriganti della storia sinfonica europea, L'Uccello di Fuoco (suite del 1919) viene sfogliata dalla compagine orchestrale con profondo entusiasmo e dobbiamo registrare che anche il direttore Rustioni sembra particolarmente a suo agio nel genere. Non solo il piglio si fa ancora più convinto e sicuro, ma riesce a trascinare nel suo brio l’orchestra che lo segue pedissequamente quasi fossero una cosa sola. È questo uno dei capolavori del musicista russo, parte della serie di musiche per balletti che il compositore concepì a partire dal primo decennio del Novecento. Ciò che la musica in se stessa non era più in grado di offrire poteva essere arricchita dal balletto, una forma espressiva che andava a completare visivamente ciò che balenava nella mente di Stravinsky. Anche se lo stesso autore desiderava che il risultato finale fosse qualcosa di indipendente dalla danza, che potesse essere eseguito parallelamente in contesti sinfonici, come a sottolineare comunque la superiorità della musica sulle altre arti. Da ciò la suite sinfonica di questo pezzo che viene regolarmente eseguita in concerto. Il tema principale è fiabesco e tratto dalla tradizione sovietica, con al centro la lotta tra bene e male rappresentati dalla classica figura dell'eroe in soccorso della principessa amata, in opposizione allo stregone malvagio. Ad ausilio dei giovani un fatato volatile in grado di contrastare gli incantesimi del mago. L’alternanza di momenti concitati con delicate melodie più distese ed ancora momenti scoppiettanti con altri attimi di lirismo, portano verso il maestoso finale che decreta il definitivo successo del concerto.

Un finale in bellezza dunque per la stagione dell’orchestra, in attesa del nuovo impegno areniano tra poco più di un mese. Gli applausi sono stati calorosi da parte di un pubblico non numerosissimo purtroppo, ma visibilmente soddisfatto.

MTG

FOTO ENNEVI

MADAMA BUTTERFLY, G. PUCCINI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, DOMENICA 4 MAGGIO 2014

Lunedì, 05 Maggio 2014
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Secondo appuntamento per il Progetto Puccini al Teatro La Fenice di Venezia, con la riproposta dell’allestimento di Madama Butterfly ideato l’anno scorso per la 55° Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia, che vede la realizzazione delle scene e dei costumi da parte dell’artista giapponese Mariko Mori e la regia di Àlex Rigola.

Assistere ad una recita di Butterfly significa fare un viaggio nel proprio animo, nelle proprie emozioni, nel proprio vissuto, che viene inevitabilmente tratto fuori con prepotenza ogni volta che siamo posti di fronte a tanta ingenua ed inutile speranza: chiunque abbia un minimo di sensibilità e buon cuore non riesce a restare indifferente di fronte a questo capolavoro di Puccini, la cui musica straziante accompagna e sottolinea il più grande timore per qualcosa che l’uomo possa provare: l’abbandono.

In un’atmosfera diremmo ovattata e profusa di delicatezza, la tragedia della ingenua giapponese poco più che bimba è posta a simbolo delle tante ingiustizie che le donne, ma in senso più esteso i deboli in generale, in tante parti del mondo spesso sono costretti a subire da parte di chi evidentemente si trova in una posizione di vantaggio sociale o culturale. Ma in questo allestimento si guarda addirittura avanti, ad un tempo proiettato più al futuro che al presente o passato, come a presagire che purtroppo certe situazioni continueranno a ripetersi ancora in avvenire, ma con una speranza nel fatto che la vita si possa rigenerare, a dispetto di ciò che può averla spezzata in precedenza. Come abbiamo avuto modo di notare anche l’anno scorso, in questa produzione aleggia soprattutto una sensazione di soavità: l’immagine di Cio-Cio-San stessa è quasi spirituale: il suo apparire in vesti leggiadre e candide, quasi svolazzante col suo incedere lento e sinuoso, ed il mantello alato dalle sfumature rosee in luogo del classico obi; tutta la vicenda risulta quasi rallentata, a voler sottolineare ogni momento della narrazione, così da far esaltare le doti recitative degli interpreti, qui chiamati ancor di più dal regista a tirar fuori l’aspetto emozionale che soltanto la voce ed il linguaggio del corpo insieme sanno regalare. Il simbolo dell’infinito che centralizza la scenografia vuole indicare la ciclicità degli accadimenti e la vita che in ogni caso si rigenera, con lo spirito che sopravvive agli eventi sia pur tragici. Anche le proiezioni video sottolineano questi aspetti: immagini di corpi celesti che si scontrano e si rigenerano, la meravigliosa ‘pioggia’ di farfalle che si invola dal corpo di Butterfly al termine, come se rappresentassero il suo spirito. Tutto è davvero molto suggestivo e per nulla banale. Il resto è luce e tanto bianco sullo sfondo, con pochissimi elementi in scena, e soprattutto colori chiari e sfumature tenui, accentuate dagli effetti ideati di Albert Faura. Dunque anche tanta speranza, positività, nonostante tutto, forse in un altro tempo ed in un altro luogo.

Il regista ha avuto a disposizione un cast che ha prima interiorizzato e poi esposto nel migliore dei modi le sue intenzioni: con alcune novità rispetto all’anno scorso, si conferma l’ottima commistione di intenti tra voce, recitazione e musica, quest’ultima quanto mai ispirata e sentita da parte dell’orchestra, cosa che un’opera del genere chiede a gran voce e che anche il pubblico ha ben percepito.

Nel ruolo del titolo Amarilli Nizza conferma di essere una Butterfly straordinaria. Con il personaggio così saldamente nelle sue corde, ogni volta il coinvolgimento è sempre più reale per l’approfondimento che il soprano dedica ad esso. Reali sono i sospiri di gioia o stupore, reali le lacrime di rimpianto e delusione. La voce stessa, grazie alla tecnica sicura ed al timbro multi sfaccettato, si fa ‘bambina’ e delicata o matura e possente, a seconda dei momenti della narrazione. L’interprete è in grado di coinvolgere talmente il pubblico da suscitare grande commozione ogni volta che entra in scena.

Di rilievo anche l’interpretazione di Fabio Sartori come crudele Pinkerton. Forte di una voce possente, brillante e dalla pasta morbida e melodiosa, si dona con grande generosità e professionalità sul palcoscenico. Il suo personaggio è esposto con molta forza e carattere, davvero un eccentrico conquistatore sicuro di sé e delle sue azioni, che vacilla solo alla fine di fronte al precipitare degli eventi. A nostro avviso il tenore conferma di essere uno dei migliori in circolazione oggi nel nostro paese.

Ottima conferma la Suzuki di gran classe di Manuela Custer. Già apprezzata in precedenza per quanto intensa sia la sua interpretazione di questo ruolo, sottolinea ancora una volta di possedere una voce prorompente e dalla forte personalità.

Il console degli Stati Uniti è Elia Fabbian. Il baritono si fa apprezzare soprattutto per l’impegno e la compartecipazione agli eventi posti in essere con una voce dal bel colore baritonale.

Segnaliamo il sanguigno Goro di Massimilano Chiarolla, un temperamentoso zio Bonzo di Cristian Saitta, un corretto Principe Yamadori di William Corrò, e la famiglia di Cio-Cio-San, interpretata da Misuzu Ozawa, sua madre, Eleonora Marzaro, la zia, e la cugina, ossia Sabrina Mazzamuto. Completano il cast Yakusidé, Roberto Menegazzo, il commissario imperiale, Carlo Agostini, l’ufficiale del registro, Salvatore De Benedetto, e la signora Pinkerton, Julie Mellor.

Sempre molto apprezzati i balletti che con discrezione ed eleganza accompagnano la narrazione, eseguiti dalle deliziose Inma Asensio, Elia Lopez Gonzalez e Sau-Ching Wong.

L’orchestra della Fenice trova col Maestro Giampaolo Bisanti nuova linfa e sfumature di colori, profondità nei suoni ed accenti atti a sottolineare ed esaltare ancora una volta le voci. Fa piacere trovare un direttore d’orchestra che dedichi tanta attenzione al palco ed ai cantanti, che sottolinei i punti di forza degli interpreti ed accompagni gli eventi con puntualità e chiaro coinvolgimento, con evidente giovamento per l’intera rappresentazione. I numerosi applausi ricevuti al termine sottolineano quanto la sua lettura abbia convinto anche al pubblico.

Emozionati e commossi, i presenti hanno tributato lunghi applausi a tutti i protagonisti, con punte di ovazioni per il soprano Nizza, il tenore Sartori ed il Maestro Bisanti.

Un bel successo confermato per questa produzione ‘made in Venice’.

MTG

LA PRODUZIONE

Maestro Giampaolo Bisanti

concertatore e direttore
Regia                          Àlex Rigola
Scene e costumi         Mariko Mori
Light designer           Albert Faura

Maestro del coro Claudio Marino Moretti

GLI INTERPRETI

Cio-Cio-San              Amarilli Nizza
Suzuki                        Manuela Custer
F.B. Pinkerton          Fabio Sartori
Kate Pinkerton         Julie Mellor
Sharpless                   Elia Fabbian
Goro                          Massimilano Chiarolla
Principe Yamadori   William Corrò
Lo zio Bonzo             Cristian Saitta
Yakusidé                   Roberto Menegazzo
Il commissario          Carlo Agostini

imperiale

L’ufficiale Salvatore De Benedetto

del registro
La madre Misuzu Ozawa
di Cio-Cio-San

La zia Eleonora Marzaro
La cugina Sabrina Mazzamuto

Danzatrici Inma Asensio, Elia Lopez Gonzalez e Sau-Ching Wong.

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti

sopratitoli in italiano e in inglese

allestimento del Teatro La Fenice

FOTO MICHELE CROSERA

BOHEME, G. PUCCINI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, martedì 29 aprile 2014

Mercoledì, 30 Aprile 2014
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In occasione del novantesimo anniversario della morte di Giacomo Puccini, avvenuta il 29 novembre 1924, la Fenice di Venezia dedica la sezione primaverile della stagione lirica al compositore lucchese con il Progetto Puccini, che vede alternarsi in palcoscenico tre opere tra le più rappresentative del compositore: Bohème, Madama Butterfly e Tosca.

Con Bohème si riprende l’allestimento ormai rodato che Francesco Micheli ideò nel 2011 e che ha sempre portato grande pubblico nel massimo teatro veneziano. Siamo tornati dopo l’anno scorso a ripercorrere le avventure dei poveri ragazzi simbolo di tanti giovani d’oggi, in difficoltà certo, ma legati da sincero affetto e complicità. I quadri in cui Puccini divide l’opera sono concepiti dal regista proprio come involucri entro cui incorniciare le storie dei giovani scapestrati francesi. Difatti ritroviamo l’enorme effigie illuminata, che ricorda la struttura della Tour Eiffel, ad aprire e chiudere l’opera circondando la scena e quindi i protagonisti. Una dedica del regista a questi ‘attori’ del nostro presente e futuro, con la sottolineatura del contrasto tra quanta gaiezza e soprattutto speranza sia insita nei cuori di chi pensa di avere la vita davanti, nonostante le difficoltà, con la luce che li circonda, e la constatazione che invece resta ben poco, come nel caso della dolce Mimì, con il buio dello sfondo. Lo spettacolo è sempre gradevolissimo, con le deliziose scene tradizionali di Edoardo Sanchi e i bei costumi di Silvia Aymonino.

Ci spiace però registrare che nella recita di ieri sera non siamo riusciti a ‘sentire’ gli eventi, a creare quel legame invisibile con gli interpreti che quasi ipnotizza e permette di commuoversi, di gioire, sognare, soffrire, persino amare con essi. Queste sensazioni meravigliose, che per alcuni addirittura soltanto la Bohème può scaturire, non ci sono arrivate a pieno.

Carmen Giannattasio è un soprano di indubbie qualità vocali: la sua voce ha un timbro corposo che si arricchisce di colori soprattutto nel centro e la sua presenza scenica è sicuramente predominante rispetto ai colleghi dell’intero cast. Questa volta però non siamo riusciti ad immedesimarci nella sofferenza della piccola e dolce fioraia come ci saremmo aspettati.

Stesso dicasi per il tenore Matteo Lippi. Molto impegnato sulla scena, non ci ha però dato il pathos che speravamo arrivasse da un ragazzo sì generoso nell’emissione vocale, ma la cui voce a nostro avviso non sembra possedere il colore e il volume attesi per il ruolo del passionale poeta Rodolfo.

Una bella conferma dello scorso anno il baritono Julian Kim. Il timbro della voce è molto particolare e si muove bene in tutta la gamma del suo registro, ha cercato inoltre di trasmettere quanto più possibile il fuoco giovanile del pittore Marcello.

Niente male anche il basso Andrea Mastroni nel ruolo di un partecipe e convinto Colline.

Nel cast abbiamo ritrovato la Musetta di una corretta Francesca Dotto, che però ci aveva colpito più favorevolmente lo scorso anno, il veramente simpatico Armando Gabba nel ruolo di Schaunard, Andrea Snarski e Matteo Ferrara nei rispettivi ruoli di Alcindoro e del temuto padrone di casa Benoit. Infine, ricordiamo Dionigi D’Ostuni come Parpignol, Bo Schunnesson come venditore ambulante, Nicola Nalesso come doganiere ed il sergente dei doganieri era Salvatore Giacalone.

Un plauso alle delicate voci dei Piccoli Cantori Veneziani di Diana D’Alessio ed al sempre puntuale Coro del Teatro La Fenice diretto da Claudio Marino Moretti.

Sul podio di un’ottima orchestra saliva per la prima volta Jader Bignamini. Se si possono apprezzare le intenzioni drammatiche e il piglio direttoriale del Maestro, va però sottolineato quanta distanza ci fosse tra buca e palcoscenico, quasi che lui dirigesse Bohème senza cantanti. La sua lettura sinfonica mostrava il fianco ad una poco adeguata attenzione per le voci e le loro esigenze.

Il pubblico internazionale piuttosto freddino non ha tributato alcun applauso dopo la celebre aria di Mimì (Sì, mi chiamano Mimì), né dopo la tanto amata aria di Rodolfo (Che gelida manina..). Si è riscaldato maggiormente nel terzo e quarto quadro eseguiti senza intervallo, tributando al termine dell’intera rappresentazione applausi calorosi a tutti gli interpreti ed al direttore d’orchestra.

MTG

LA PRODUZIONE

Direttore Jader Bignamini

d’orchestra
regia               Francesco Micheli
scene               Edoardo Sanchi
costumi           Silvia Aymonino
luci                  Fabio Barettin

GLI INTERPRETI

Rodolfo          Matteo Lippi
Marcello         Julian Kim
Schaunard     Armando Gabba
Colline            Andrea Mastroni
Benoit             Matteo Ferrara
Alcindoro       Andrea Snarski
Mimì               Carmen Giannattasio
Musetta          Francesca Dotto
Parpignol       Dionigi D’Ostuni
Un venditore ambulante      Bo Schunnesson

Un sergente dei doganieri Salvatore Giacalone

Un doganiere Nicola Nalesso

Coro e Orchestra della Fenice
Maestro del coro Claudio Marino Moretti

Piccoli Cantori Veneziani
Maestro del coro Diana D’Alessio

Sottotitoli in italiano ed inglese

Foto Michele Crosera per il Teatro La Fenice