In questi giorni il mezzosoprano ungherese sta ottenendo un grande successo con Cavalleria Rusticana al Teatro Filarmonico di Verona e la incontriamo per quattro chiacchiere amichevoli tra una recita e l'altra.
Pierluigi Guadagni
EL AMOR BRUJO, BALLETTO SU MUSICHE DI DE FALLA - CAVALLERIA RUSTICANA, MASCAGNI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, domenica 8 marzo 2015
L’amore ‘stregone’, pazzo, passionale, che lotta e si scontra con gli ostacoli che la vita gli pone davanti è la chiave di lettura per comprendere l’insolito accoppiamento che il regista e coreografo Renato Zanellaha trovato per il breve balletto El amor brujo, che si basa su una leggenda popolare spagnola di spiriti e l’opera Cavalleria Rusticana, che invece rappresenta uno dei massimi esempi di verismo con i suoi contenuti di assoluto realismo e dolore ambientati in Sicilia. Eppure il regista e coreografo della Fondazione Arena ha trovato un escamotage per mettere in scena il dittico che ha debuttato ieri al Teatro Filarmonico di Verona. Naturalmente la presenza di una passionale storia d’amore in entrambe le vicende permette di collegarle direttamente e poi il balletto cambia completamente contenuto, diventando solo l’antefatto delle vicende successive. Dunque niente streghe, maledizioni o antri misteriosi per L’Amore stregone: la protagonista Candelas lascia il posto alla stessa Lola che ritroviamo in Cavalleria, la quale incontra il suo Turiddu mentre un gruppo di danzatori itineranti prova dei passi in Sicilia tra le rovine di un tempio greco in un paesaggio lunare, che poi si trasforma velocemente negli altri ambienti necessari con soltanto specifiche aggiunte. Risultano così delicatamente funzionali le scene di Leila Fteitache cura anche i costumi molto belli sia dei ballerini che dei cantanti.
Le varie sezioni del lavoro di De Falla secondo il regista si adattano facilmente anche al contenuto qui concepito come premessa alla successiva Cavalleria: un senso di mistero unito anche alla sensualità e conturbanza delle diverse melodie dalle contaminazioni arabe, che cambiano continuamente ritmo ed atmosfera, si pensi per esempio alla Danza del terrore o alla Danza rituale del fuoco rispetto alla melodia de I sortilegi, stupiscono e catturano lo spettatore, portandoci direttamente alla magia che sembra stregare insistentemente Turiddu a Lola, nonostante la vita li abbia separati per via della guerra ed assegnati a nuovi compagni. Clarissa Leonardiè Lola stessa che qui si unisce al gruppo di gitani per cantare le sue canzoni, in verità a parer nostro molto più a suo agio in Cavalleria dal punto di vista espressivo.
Applauditissimi i primi ballerini Antonio Russo, Evghenij Kurtsev e Teresa Strisciulli. |
Gioco facile per il Maestro Jader Bignaminitrarre il meglio dall’orchestra dell’Arena di Verona, trascinando con precisione e grande senso ritmico l’intera compagine musicale, che si trova a suo agio con l’imprevedibilità delle note in questa partitura.
Il capolavoro di Mascagni inizia senza soluzione di continuità rispetto al balletto con dei cambi di luce studiati ad effetto da Paolo Mazzon.
Il cast vocale ha visto brillare soprattutto la stella di Ildiko Komlosi, che oltre ad essere una incredibile cantante in questo caso ha dimostrato di possedere una sensibilità emozionale impressionante: la sua Santuzza è una donna vera, sensuale e passionale, che ama fino all’ossessione il suo uomo, ben sapendo che il suo cuore appartiene ad un’altra arrivata molto prima di lei. Meraviglioso il timbro vocale, il canto in voce in ogni situazione, una cantante completa che mostra ogni volta tutta la sua grande esperienza. Per lei un autentico trionfo.
Il Turiddu Yusif Eyvazovci ha piacevolmente colpito per interpretazione, presenza scenica e tenuta vocale. Se anche il suo timbro può sembrare non particolarmente uniforme, ci sono corpo e volume in abbondanza, con anche una certa attenzione a variarne l’emissione a seconda del caso.
Molto bene anche Sebastian Catana, Alfio,per autorevolezza, bel timbro corposo e possente, molto adatto al ruolo del marito geloso e vendicativo.
Clarissa Leonardiha come detto figurato molto più in questa parte per esecuzione e presenza scenica grazie ad una voce molto piacevole da ascoltare.
Accorata e molto coinvolta la mamma Lucia di Milena Josipovic.
Il coro areniano diretto da Vito Lombardi a nostro avviso è stato poco partecipe stavolta e non precisissimo in certi attacchi, forse complice la postazione piuttosto fissa in scena che non facilita certo un maggior coinvolgimento.
Ancor più in Cavalleria Rusticana, Jader Bignaminiha mostrato carattere e squisita sensibilità musicale. Si è percepita una energia ed un profondo legame con la partitura, che attraverso l’orchestra in taluni punti ha spinto davvero alla commozione, come naturalmente nel meraviglioso intermezzo che non lascia scampo agli animi sensibili.
Applausi sentiti e commossi per tutti, con ovazioni per Komlosi, Eyvazov e Bignamini. Un bel successo che ci piace sottolineare con la conferma che questo settore ha davvero ancora tanto da offrire alla nostra cultura, che ne ha bisogno più che mai in questo periodo.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore | Jader Bignamini |
Regia e coreografia | Renato Zanella |
Primo ballerino/a | Antonio Russo |
Primo ballerino/a | Evghenij Kurtsev |
Primo ballerino/a | Teresa Strisciulli |
Scene e costumi | Leila Fteita |
Luci | Paolo Mazzon |
GLI INTERPRETI | |
Santuzza - C.R. | Ildiko Komlosi |
Turiddu - C.R. | Yusif Eyvazov |
Alfio - C.R. | Sebastian Catana |
Lola - C.R. | Clarissa Leonardi |
Lucia - C.R. | Milena Josipovic |
ORCHESTRA , CORO E CORPO DI BALLO DELL’ARENA DI VERONA
Direttore corpo di ballo: Renato Zanella
Nuovo allestimento della Fondazione Arena di Verona
Foto Ennevi per gentile concessione della Fondazione Arena di Verona
CONCERTO DI VERONA LIRICA AL TEATRO FILARMONICO DI VERONA - DOMENICA 1 MARZO 2015
Una delle cose più soddisfacenti che possono capitare quando ci si reca ad una manifestazione musicale è constatare come spesso impegno organizzativo, bella musica ed atmosfera amichevole si coniughino perfettamente insieme per un risultato di grande valore. Non è la prima volta che sottolineiamo questo aspetto riguardo all’Associazione Verona Lirica, ma ogni volta il calore di chi svolge il proprio lavoro con passione è talmente tangibile che inevitabilmente coinvolge gli interpreti e chi ascolta.
Così il concerto di ieri, ove come di consueto si sono ascoltati successi senza tempo del repertorio operistico internazionale, ha registrato un altro bel traguardo per l'associazione lirica. Stelle del pomeriggio le indiscusse prime donne internazionali Amarilli Nizza ed Ildiko Komlosi, che hanno interpretato alcuni dei loro cavalli di battaglia regalando momenti di altissima scuola canora.
Che Amarilli Nizza sapesse emozionare non vi erano dubbi alcuni, e con l’aria ‘Addio, mio dolce amore!’ da Edgar di Puccini ha sottolineato ancora una volta quanto una voce solida come quella dell’interprete, unita a consolidata tecnica ed espressività singolari, nonché cura delle sfumature, portino a performance di altissimo livello, degne dei teatri in cui onora il nostro Paese. Il duetto con la rivale Amneris di Aida dimostra inoltre come forza e potenza possano poi sfociare in dolci suoni delicati e carichi di preghiera, mentre passione e sensualità sono i tratti tipici che emergono nel duetto con Cavaradossi da Tosca; ancora morbidezza, amore e coraggio si fondono nella meravigliosa ‘La mamma morta’ da Andrea Chénier di Giordano. Intenso il duetto con Il conte di Luna dal verdiano Trovatore.
Straordinaria anche Ildiko Komlosi sia per presenza scenica che per impressionante volume vocale il cui timbro risulta omogeneo in tutta la gamma e si tinge di tinte bronzee e profonde nella zona grave, esaltata da una tecnica acquisita in anni di esperienza. Quasi da lacrime ‘Mon coeur s’ouvre à ta voix’, di Saint Saens, cantato sempre sulla parola, calibrando ed adattando il suono con squisita immedesimazione; precisa la sua Principessa di Bouillon da Adriana Lecouvreur, immancabile pezzo di Cilea; ancora pathos e grinta nel finale di Carmen di Bizet col collega tenore, così come nel suddetto duetto da Aida.
A far da loro cavalieri il baritono Elia Fabbian ed il tenore Dario Di Vietri, ora amanti ora nemici mortali nei succitati duetti, con alcuni pezzi solistici naturalmente. Fabbian ha proposto arie dall’Otello e da La forza del destino di Verdi, nonché dall’Andrea Chénier. Nel concitato duetto dal Trovatore infine abbiamo potuto apprezzare particolarmente la buona pasta vocale e l’interpretazione.
Di Vietri invece ha offerto arie da Cavalleria Rusticana di Mascagni in preparazione in questi giorni proprio al Filarmonico, si è ‘scontrato’ per così dire con il mezzosoprano come detto in Carmen, ed ha esaudito i desideri di molti fra il pubblico con l’immortale ‘Nessun dorma’ di Puccini. Pur lasciando margini di miglioramento nei passaggi cruciali del suo registro vocale, il tenore si mostra proiettato in acuto con bel colore ed una verve interpretativa che colpisce l’auditorio.
Come sempre al pianoforte il Maestro Patrizia Quarta segue ed accompagna gli artisti con la consueta sensibilità.
Applausi davvero generosi per tutti ed ancora tanta soddisfazione per gli organizzatori che vanno lodati per quanto offrono con continuità alla città di Verona ed agli amanti della bellezza in musica.
Maria Teresa Giovagnoli
INTERVISTA A JADER BIGNAMINI
Sono iniziate le prove al Filarmonico di Verona di Cavalleria Rusticana di Mascagni in coppia col balletto El Amor brujo di Manuel de Falla e ne abbiamo approfittato per conoscere meglio il Maestro Jader Bignamini, uno dei più sensibili e talentuosi direttori d'orchestra dell'attuale panorama italiano, che ci racconta un po' di questa produzione e della sua vita da musicista.
Maria Teresa Giovagnoli
LUCIA DI LAMMERMOOR, G. DONIZETTI - TEATRO CARLO FELICE DI GENOVA, sabato 21 febbraio 2015
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Destava molta curiosità la Lucia di Lammermoor che ha debuttato ieri al Carlo Felice di Genova, soprattutto per la attesissima regia del Maestro del brivido cinematografico Dario Argento. Dobbiamo subito dire che coloro che si aspettavano grandi sconvolgimenti della trama sono stati delusi, poiché la storia è di per sé già truculenta e dunque lo spettacolo a cui abbiamo assistito è stato alquanto tradizionale ed in linea con tanti altri che lo hanno preceduto, con qualche spunto di discussione. L'azione è stata semplicemente spostata dal cinquecento a più o meno l'epoca di Donizetti, ove gli ambienti prescritti dal libretto sono piuttosto eleganti se pur stilizzati, opera di Enrico Musenich. I personaggi hanno tutto ciò che serve per muoversi sulla scena e dal punto di vista interpretativo hanno ampia possibilità di esprimere i propri stati d'animo e pulsioni. Alcune immagini proiettate fanno da sfondo a completamento della scenografia e lo spettacolo risulta scorrevole e per nulla spiacevole, se pur con alcune perplessità. Infatti poteva in teoria risultare molto vincente l'aggiunta del fantasma di cui narra Lucia alla fontana, ma a nostro parere non ha aggiunto di fatto nulla di particolarmente pregnante allo spettacolo, per giunta in taluni punti ci è sembrato addirittura superfluo. Ha destato addirittura qualche sorriso l'uccisione in scena del povero Arturo accompagnata da urla esageratamente stridule. La sventurata protagonista ritorna poi in scena molto più insanguinata del solito, il che forse ha soddisfatto le attese dei più sanguinari. Molto poetico secondo noi invece lo spirito di Lucia che si ricongiunge al suo Edgardo in punto di morte, sebbene questa non sia una novità assoluta. Infine i costumi di Gianluca Falaschi si inseriscono nel contesto con coerenza.
La sventurata fanciulla di Lammermoor è il soprano Desirée Rancatore, che non è certo nuova al ruolo e pertanto conosce profondamente tutte le sue sfaccettature. Il Maestro Argento l'ha voluta lucida all'inizio se pur tormentata nel cuore, ma man mano che il suo dolore si fa più intenso esso si intreccia con il senso di devozione fraterna misto ad orgoglio e rabbia, che quindi sfocia in follia per l'inevitabilità del fato. L’interprete fa sue queste dinamiche risultando sempre centrata nel ruolo. Dal punto di vista vocale dopo un inizio non proprio all'altezza delle doti che ben conosciamo, è parsa via via sempre più convincente, coronando la prestazione con la intensa scena della pazzia che le è valsa un lungo applauso commosso.
Gianluca Terranova è un generoso Edgardo, che coglie lo spirito di sofferenza del personaggio che vede rubato il suo amore impossibile, cantando sempre potremmo dire 'col cuore in mano' e trasmettendo questo sentimento anche con la voce. Nonostante in alcuni passaggi essa non risulti pulitissima, offre un bel timbro che si esalta in acuto soprattutto man mano che le corde si scaldano.
Maiuscola la prova di Stefano Antonucci nel complicato ruolo di Enrico. Sa di far torto alla sorella, ma non esita a sacrificarla per suo tornaconto, mostrandosi poi sinceramente contrito quando però ormai il dado è tratto. Il baritono dona classe ad un personaggio di per sé discutibile, grazie anche alla sua voce dal timbro che piace; il suono si fa potente e l'emissione sicura, così come pure il fraseggio è particolarmente morbido.
Molto bene anche Giovanni Battista Parodi nel ruolo di Raimondo, che è passato dal secondo al primo cast in sostituzione dell’indisposto Orlin Anastassov. Forte di una vocalità scura e robusta, il suo serio ed austero personaggio si inserisce perfettamente nell'atmosfera cupa che l'opera richiede centrando una prestazione molto positiva.
Svolge la sua aria un discreto Arturo, Alessandro Fantoni, mentre buona la Alisa di Marina Ogii. Non ci ha convinto a pieno il Normanno di Enrico Cossutta, da risentire.
Bene il coro di Pablo Assante, molto partecipe in scena soprattutto in formazione compatta.
L'orchestra del Carlo Felice è parsa in ottima forma col Maestro Giampaolo Bisanti alla testa. Il direttore riprende in mano lo spartito dopo il recente debutto trevigiano confermando le impressioni di allora: l'intesa con l'orchestra è anche qui notevole ed il suono ne esce brillante, ampio e vellutato, dunque mai pesante e come sempre grande è l'attenzione ai cantanti. Stavolta abbiamo notato anche l'alternanza della conduzione con bacchetta o senza, onde seguire i momenti lirici oppure gli interventi coristici in maniera ancora più ‘avvolgente’.
Lo spettacolo si è concluso con applausi per tutti i protagonisti principali ed il direttore d'orchestra, mentre la regia è stata accolta con sonore contestazioni che francamente abbiamo trovato eccessive.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore Giampaolo Bisanti
Regia Dario Argento
Assistente
alla regia Davide Battistelli
Scene Enrico Musenich
Costumi Gianluca Falaschi
Assistente
ai costumi Gian Maria Sposito
Luci Luciano Novelli
Maestro del Coro Pablo Assante
GLI INTERPRETI
Lucia Desirée Rancatore
Edgardo Gianluca Terranova
Enrico Stefano Antonucci
Raimondo Giovanni Battista Parodi
Arturo Alessandro Fantoni
Alisa Marina Ogii
Normanno Enrico Cossutta
Mimo Fabiola Di Blasi
Orchestra del Teatro Carlo Felice
Coro del Teatro Carlo Felice
Nuovo allestimento del Teatro Carlo Felice
Foto Marcello Orselli per il Carlo Felice di Genova
DON PASQUALE, G. DONIZETTI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, mercoledì 18 febbraio 2015
Risulta quanto mai piacevole la ripresa del Don Pasquale di Donizetti al Teatro la Fenice di Venezia, nell’allestimento di Italo Nunziata che ambienta la vita agro-dolce dell’attempato buon partito in una azienda tessile degli splendidi Anni Trenta del secolo scorso, ispirandosi anche alle immagini cinematografiche note di quegli anni. Tra le mura dell’impresa ‘Manifatture da Corneto e figli’ si alterna il personale al servizio del burbero Don Pasquale, tra le cui segretarie in divisa vi è proprio la bella Norina che spasima per il nipote. In stile tradizionale ma non obsoleto, tutti gli ambienti di Pasquale Grossi che firma anche i costumi in stile, sono perfettamente integrati agli atti in essere per una regia che davvero offre tanti spunti a ciascun personaggio, rendendolo ognuno unico a suo modo. Niente è fuori posto, le scene scorrono fluide trasformando gli uffici nella bella casa dello scapolone e poi in un giardino delicato per il terzo atto. Certo non mancano momenti di amarezza, la trama stessa dell’opera lo richiede, ma il tutto è condito con tale delicatezza che allo spettatore resta alla fine una sensazione molto serena. Persino le luci di James Patrick Latronica si pongono al servizio degli eventi, cosa che non sempre riesce come qui.
Il cast ha visto trionfare nel ruolo principale l’acclamatissimo Roberto Scandiuzzi. Il carismatico trevigiano ha intagliato un Don Pasquale decisamente istrionico che è in grado di coniugare presenza scenica ed interpretazione vocale ottenendo un personaggio per nulla sconfitto dai raggiri subiti, ma anzi rafforzato moralmente e potremmo dire anche divertito da tutta la situazione. In fin dei conti è pur sempre un uomo d’affari che conduce una bella vita di cui proprio non si può lamentare. Sfrutta al meglio le possibilità della sua voce caldissima e dal colore davvero particolare, che riesce a brillare pur in una esecuzione non sempre perfettissima.
La furba Norina è una deliziosa Barbara Bargnesi: la sua voce delicatamente acuta unitamente alla verve di cui è dotata le consentono di tracciare un personaggio giustamente furbetto, dalle movenze sia fisiche che diremmo vocali, appropriate al ruolo. C’è da dire che il regista le ha reso vita ancor più facile consentendole di adoperare tutte quelle ‘mossette’ nient’affatto banali che il soprano ha potuto sottolineare appunto anche col canto.
Di Alessandro Scotto Di Luzio ricordiamo prove migliori in altre occasioni. Il suo Ernesto è accorato ed ingenuo allo stesso tempo, ma secondo noi non è sostenuto da una prova vocale omogenea lungo tutta la performance, il che ci avrebbe fatto apprezzare di più il personaggio.
Osiamo dire fantastico il Dott. Malatesta di Davide Luciano. Ottimo il fraseggio, sottolinea ogni singola parola con accento e carattere impressionanti tenendo perfettamente il ritmo con l’orchestra. Valorizza davvero il suo ruolo che ci risulta positivo pur nella sua ‘truffaldaggine’.
A completare il cast nella figura del Notaio Matteo Ferrara.
Nelle vesti di concertatore il Maestro Omer Meir Wellber, sempre più presente alla guida dell’orchestra feniciana, con la quale dobbiamo dire che il feeling diventa sempre più stretto. Potremmo descrivere la sua conduzione in maniera duplice. Innanzitutto ha sfoderato il suo stile inconfondibile: molto dinamico, certo partecipe degli eventi e di sicuro impatto anche ‘visivo’. In qualche punto abbiamo notato un leggero sfasamento ritmico tra buca e palco, soprattutto nel primo atto; ma c’è da dire che ci ha convinto dal punto di vista interpretativo e per come ha compattato le sezioni orchestrali in funzione di un suono nell’insieme ricco, omogeneo ed anche coinvolgente.
Bene come sempre il coro spiritoso e preparato da Claudio Marino Moretti.
Pubblico numeroso, che nonostante il Carnevale fosse appena terminato non ha rinunciato a deliziarci con la presenza di alcuni costumi particolarmente notevoli. Applausi per tutti gli interpreti e soddisfazione generale.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
direttore Omer Meir Wellber
regia Italo Nunziata
scene e costumi Pasquale Grossi
light designer James Patrick Latronica
assistente alla regia Giacomo Benamati
regia Italo Nunziata
scene e costumi Pasquale Grossi
light designer James Patrick Latronica
assistente alla regia Giacomo Benamati
maestro del coro Claudio Marino Moretti
GLI INTERPRETI
Don Pasquale Roberto Scandiuzzi
Il dottor Malatesta Davide Luciano
Ernesto Alessandro Scotto Di Luzio
Norina Barbara Bargnesi
un notaio Matteo Ferrara
Orchestra e Coro del Teatro la Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti
con sopratitoli in italiano e in inglese
allestimento Fondazione Teatro La Fenice
Il dottor Malatesta Davide Luciano
Ernesto Alessandro Scotto Di Luzio
Norina Barbara Bargnesi
un notaio Matteo Ferrara
Orchestra e Coro del Teatro la Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti
con sopratitoli in italiano e in inglese
allestimento Fondazione Teatro La Fenice
Foto Michele Crosera per il Teatro La Fenice
PALAZZETTO BRU-ZANE di VENEZIA : L'HEURE EXQUISE - MUSICA DA CAMERA E RECITAL, lunedì 16 febbraio 2015
Una cornice quanto mai appropriata per appuntamenti culturali nel senso più squisito e completo del termine è il delizioso Palazzetto veneziano Bru-Zane che è giunto alla sua sesta stagione di concerti dedicati alla musica romantica francese. Per l’appuntamento di ieri sera protagonista è stata la ‘mélodie’ francese, in voga appunto tra diciannovesimo e inizi del ventesimo secolo, ove musica e poesia si fondono per un risultato di grande suggestione, sensazione uditiva e per certi versi anche empatica. Con il solo accompagnamento pianistico, l’esecuzione risulta squisitamente intima e più che ad un concerto si assiste, in questo caso specifico, ad una declamazione cantata di versi spettacolari che ci ricordano quali erano le sensazioni, i gusti e gli stati d’animo degli artisti ‘romantici’: l’amore per la natura che richiama l’uomo alla sua giovinezza ed alla conseguente nostalgia per il tempo che fu, l’introspezione e l’analisi interiore, scavando nell’animo umano e nelle sue paure scacciate e pur cercate, e naturalmente l’Amore che regna sovrano nelle liriche di queste melodie che non lasciano scampo agli animi sensibili. Rappresentanti di questi valori espressi in musica furono tra gli altri i protagonisti del concerto di ieri sera: Lekeu, Hahn, Chausson, Debussy, Dupark, le cui melodie sono splendidamente fuse con i testi dei più alti rappresentanti del moto culturale nella letteratura francese.
Unico a comporre egli stesso le poesie per le sue melodie fu Guillaume Lekeu, i cui tre poemi intitolati Sur une tombe, Ronde, eNocturne, riescono a comunicare infinita tenerezza e senso di serenità pur nell’evocare, per esempio, una così dolorosa perdita quale quella della persona amata, nel caso del primo pezzo, oppure appagamento e lontane immagini evanescenti per Nocturne. Decisamente più leggero ma altrettanto coinvolgente il secondo pezzo, che ci riporta alle feste danzanti dei salotti di fine ottocento con gli amori e le gioie, appunto, della giovinezza.
Di Verlaine e Hugo sono i testi che animano le composizioni di Hahn, tra le quali L’Heure exquise che intitola la serata e che ha lasciato asciutti ben pochi occhi tra i presenti. Anche in questo caso i temi ricorrenti cari al genere sono l’amore, gli elementi della natura con colori e profumi che pare sentire, che ispirano e fanno riflettere, ed il richiamo alla giovinezza e ai suoi momenti più belli, destinati a volar via rapides.
Testi di Paul-Armand Silvestre e Théophile Gautier sottolineano invece l’anima musicale di Ernest Chausson, che ci parla d’amore spingendosi in paesaggi lontani, metafore della vita che ci sfugge con lo spettro immancabile del tempo che corre, mentre Debussy si affida nuovamente al grande Verlaine per le sue celebri Fêtes galantes da cui abbiamo ascoltato alcuni estratti: Les Ingénus, Le Faune, Colloque sentimental. In chiusura prima da testi di Charles Baudelaire, poi di Jean Lahor ed infine di Leconte de Lisle, ci piace sottolineare come Duparc ci parli ancora una volta del sentimento più nobile, evocato come miraggio, come desiderio, come viaggio ideale e concreto ove perdersi e trovarsi, sempre nella grazia del paesaggio naturale, ove tutto è meraviglioso, come recitano gli ultimi versi de ‘L’Invitation au voyage’ : Là, tout n'est qu'ordre et beauté, Luxe, calme et volupté.
Marie-Nicole Lemieux può essere considerata a pieno titolo interprete perfetta per questo genere musicale: se ci vuole passione per eseguire questi canti il contralto canadese ne ha da vendere: ha un’ attenzione incredibile per il testo di cui sottolinea ogni accento, ogni pausa e si immerge a pieno nel contenuto dei versi. Si commuove emozionandosi o si diverte scherzando con voce e temperamento, riuscendo a far provare anche al suo pubblico le sensazioni che essa stessa sente mentre canta. Fuori dal comune è la sua voce, che nella sala contenuta del palazzetto risulta immensa, ben proiettata in avanti ed emessa senza esitazione, con grinta e sentimento. Si mostra molto generosa concedendo ben tre bis: ‘A Chloris’ di Hahn, ‘La Villanelle’ da Les nuits d’été di Berlioz e un toccante omaggio all’Italia con la versione italiana de ‘L’Heure exquise’. Con lei il Maestro Roger Vignoles al piano offre un tocco aggraziato di ogni tasto che spinge, le melodie francesi avvolgono ed esaltano la voce dell’interprete in fusione perfetta, con una attenzione pedissequa ai respiri, agli accenti ed ai contenuti; è, come è giusto che sia, ‘l’orchestra’ in questo genere musicale.
La sala del Bru-Zane riempita di pubblico attento e commosso ha salutato il concerto con calore, soddisfazione e molta commozione, oltre, siamo sicuri, al desiderio di tornare presto. E ci permettiamo di unirci al coro di soddisfazione generale ringraziando anche noi per aver trascorso una serata fuori dal comune e pienamente riuscita. Il concerto replica il 18 febbraio all'Auditorium Parco della Musica di Roma.
Maria Teresa Giovagnoli
IL PROGRAMMA
Guillaume LEKEU
Trois Poèmes
Trois Poèmes
Reynaldo HAHN
Offrande
D’une prison
L’Heure exquise
Fêtes galantes
Ernest CHAUSSON
Le Charme
La Caravane
Claude DEBUSSY
Fêtes galantes (estratti)
Henri DUPARC
L’Invitation au voyage
La Vie antérieure
Sérénade florentine
Phidylé
Marie-Nicole Lemieux Contralto
Roger Vignoles Piano
DIE FLEDERMAUS, JOHANN STRAUSS II - NEW NATIONAL THEATRE TOKYO, 08 febbraio 2015
Champagner hat's verschuldet,
La la la...
Was wir heut' erduldet,
La la la...
Was wir heut' erduldet,
La la la...
Il New National Theatre di Tokyo presenta una stagione d'opera e balletto da fare invidia ai più importanti teatri europei, con cast di primissimo piano e titoli interessantissimi per un pubblico, quale quello giapponese, entusiasta e famelico di cultura musicale che da noi è solo uno sbiadito ricordo di anni lontani.
L'attenzione che il popolo giapponese presta all'opera si manifesta in un teatro perennemente sold out, in una organizzazione tecnicomusicale ambiziosissima e nel saper chiamare cast che si ascoltano normalmente a Bayreuth come alla Scala o al Metropolitan.
Nel mese di Febbraio è stato messo in scena Die Fledermaus di Johann Strauss II già proposto nello stesso teatro nel 2006.
Die Fledermaus incarna lo spirito stesso del genere fondendo intimamente la musica - il valzer - alla brillante commedia che fornisce la trama. Ricca di smaglianti melodie che si annunciano fin dalla famosa ouverture, Die Fledermaus diverte e affascina per la situazione in cui la vicenda è collocata: una festa mascherata dove ognuno è un altro, dove tutto si confonde in un crescendo di situazioni comiche sino allo scioglimento finale, dove tutti brindano alla burla.
Chiamato a cimentarsi nella messinscena di un'opera, l'acclamato tenore Heinz Zednick, impareggiabile Mime nel Ring del centenario di Bayreuth diretto dalla coppia ChereauBoulez, sa guidare con mano navigata ed esperta, una compagnia di canto che lo segue alla lettera in una messinscena spumeggiante e tradizionale, dove tutti gli interpreti, dal primo all'ultimo, coro incluso, sanno tenere altissima la frenesia musicale unita ad una performance attoriale richiesta senza cedimenti da Strauss, inserendo nei dialoghi parlati elementi d'attualità giapponese in lingua locale che hanno saputo divertire il pubblico.
Molto belle e funzionali le scenografie e i costumi di Olaf Zomboeck che si rifanno al periodo della Sezessionstil viennese, con richiami alle opere di Klimt e all'utilizzo di materiali tipici di quell'epoca come il vetro smaltato e il bassorilievo bronzeo.
Adrian Eroed, si dimostra ancora una volta superbo cantante e splendido attore. Nella parte di Gabriel, sfodera le sue innate e fuori dal comune capacità attoriali unite ad una precisione vocale superlativa dimostrandosi degnissimo erede di quei gloriosi cantanti come Prey, Waechter, Berry che lo hanno preceduto in questo ruolo.
La Rosalinde di Alexandra Reinprecht pur dimostrando grande partecipazione e notevole disinvoltura in scena, è apparsa molto affaticata in un ruolo quale il suo che richiede un dispiego di energie vocali non indifferente. Voce spesso sfibrata ma di notevole volume, ha affrontato con difficoltà la sua parte, arrivando alla difficilissima “Klaenge der Heimat” nel secondo atto, con evidente affanno.
Bravissimo Horst Lamnek nella parte del direttore delle carceri Frank, con disinvoltura e consumate doti da attore, fa divertire il pubblico nella scena del travestimento da Chevalier Chagrin.
Sottotono Manuela Leonhartsberger nella parte di un Prinz Orlofsky manierato ed inutilmente macho, canta comunque con bella voce brunita la sua aria “Ich lade gern mir Gaeste ein” strappando l'applauso del pubblico.
Bella la voce squillante ed eroica di Murakami Kota nella parte dell'innamorato Alfred.
Klemens Sander sa essere un Dr.Falke convincente ed affascinante, complice una bellezza fisica non indifferente unita ad una voce suadente.
L'Adele di Jennifer O'Loughlin si distingue per freschezza di voce e agilità perfette oltre che per una spigliatezza scenica adorabile, la sua “Spiel ich die Unschuld vom Lande” scorre elegante e divertentissima.
Okubo Mitsuya è un Dr. Blind spassosissimo che perde in continuazione la sua buffa parrucca ocra, emergendo spavaldamente nel terzetto “Nein, mit solchen Advokaten” al primo atto.
Corretti e precisi Frosch (Boris Eder) e Ida (Washio Mai).
Alfred Eschewé dirige con mano sicura e competentissima grazie alla sua pluriennale esperienza quale direttore principale della Wien Volksoper, seguito da una Tokyo Symphony Orchestra in forma smagliante che non ha fatto rimpiangere le più blasonate orchestre austriache, specialiste in questo repertorio.
Funzionali e ipertradizionali le coreografie di Maria Luise Jaska eseguite dal Tokyo City Ballet con precisione e professionalità.
Successo travolgente da parte di un pubblico al solito entusiasta e felicissimo.
Pierluigi Guadagni
LA PRODUZIONE
Direttore d’orchestra Alfred Eschwé
Regia Heinz Zednik
Scene &
Regia Heinz Zednik
Scene &
Costumi Olaf Zombeck
Coreografie Maria Luise Jaska
Lighting Design Tatsuta Yuji
Coreografie Maria Luise Jaska
Lighting Design Tatsuta Yuji
GLI INTERPRETI
Gabriel Von Eisenstein Adrian Eröd
Rosalinde Alexandra Reinprecht
Frank Horst Lamnek
Prinz Orlofsky Manuela Leonhartsberger
Alfred Murakami Kota
Dr. Falke Klemens Sander
Adele Jennifer O'loughlin
Dr. Blind Okubo Mitsuya
Frosch Boris Eder
Ida Washio Mai
Coro New National Theatre Chorus
Orchestra Tokyo Symphony Orchestra
Photo:cortese concessione/courtesy of TERASHI Masahiko／New National Theatre,Tokyo
Rosalinde Alexandra Reinprecht
Frank Horst Lamnek
Prinz Orlofsky Manuela Leonhartsberger
Alfred Murakami Kota
Dr. Falke Klemens Sander
Adele Jennifer O'loughlin
Dr. Blind Okubo Mitsuya
Frosch Boris Eder
Ida Washio Mai
Coro New National Theatre Chorus
Orchestra Tokyo Symphony Orchestra
Photo:cortese concessione/courtesy of TERASHI Masahiko／New National Theatre,Tokyo
DIE SOLDATEN, B.A.ZIMMERMANN - TEATRO ALLA SCALA DI MILANO, sabato 31 gennaio 2015
WESENER: Ihr luderliche Seele, Schaemt Ihr Euch nicht, einem honetten Mann das zuzumutten.
You slut. Aren't you ashamed to accost a decent man like that.
Bernd Alois Zimmermann, rappresenta il paradigma dell'opera contemporanea, la sua più brillante realizzazione.
Soldato nazista lui stesso, ha vissuto in prima linea gli orrori della guerra e la vita di quei soldati che poi ha messo in musica nel suo lavoro principale, questo Die Soldaten dove il tragico, che nasconde una dimensione sacrale, scaturisce dalla musica e rovescia il senso della commedia di Lenz di cui Zimmermann ha completamente modificato il finale.
Il capolavoro di Zimmermann si sviluppa sottoforma di un gigantesco contrappunto, una specie di infinita rete di costrizioni che si rinchiude senza fine sui personaggi come se fossero presi in una morsa. La pluralità stilistica che include elementi come il jazz o i suoni elettromagnetici è qui legata alla interazione delle tre dimensioni temporali-passato, presente e futuro- che interagiscono tra loro e in molte scene del lavoro si incrociano essendo alcuni avvenimenti successivi, presentati simultaneamente. La forza drammatica del lavoro si snoda quindi dalla capacità di articolare momenti completamente opposti, secondo la tecnica del montaggio cinematografico, conferendo al tutto una grande compattezza.
Proveniente da Salisburgo, dove ha debuttato nel 2012, l'allestimento di Hermanis , che ha curato la scenografia assieme a Uta Gruber-Ballehr e ai costumi di Eva Dessecker fu concepito per il palcoscenico, largo 40 metri, della Felsenreitschule, la rappresentazione sul decisamente più piccolo palco del Teatro alla Scala ne ha mortificato intenti e risultato.
La sterminata compagnia di canto, che interagisce spesso simultaneamente non solo musicalmente ma anche temporaneamente, si è trovata a dover fare i conti con una capacità di azione molto ridotta.
Le scene corali hanno così sofferto pesanti tagli in termini di azione e intensità drammatica così come l'aver dovuto sistemare parte della sterminata orchestra nel retropalco amplificandola, ha conferito allo spettacolo un' aura posticcia che non ha reso giustizia al meticoloso lavoro di Hermanis.
Lavoro che comunque è stato di primo livello, tutto giocato sulla rappresentazione della mortificazione umana nel suo più ampio concetto. La violenza umana e psichica dei soldati si proietta continuamente sui personaggi più deboli non solo fisicamente, ma anche e soprattutto verbalmente; emblematici i dialoghi serrati e mortificanti tra Pirzel e gli altri ufficiali nella scena quarta (toccata1) del primo atto, forse uno dei momenti più alti dell'intero lavoro.
La nutritissima compagnia di canto, prevista da Zimmermann a sostenere un lavoro a volte al limite dell'eseguibile, ha saputo ricreare forse meglio il successo delle rappresentazioni di Salisburgo.
Cresciuta vocalmente e introspettivamente nel suo personaggio rispetto al 2012, Laura Aikin è una Marie straordinaria nell'impianto scenico e vocale, particolarmente dotata nel controllo straordinario della parte sovracuta del rigo; la sua disinvoltura nell'affrontare una parte emblematica come quella di Marie, la mettono tra le interpreti di primo piano in questo repertorio ai giorni nostri.
Gabriela Benackovà, all'alba delle sue 67 splendide primavere, non mostra il minimo cedimento vocale nell'affrontare la spaventosa parte della Grafin de la Roche, tutta scritta in note ribattute e salti di ottava da far tremare i polsi anche alla più navigata delle cantanti.
Straordinario Daniel Brenna quale Desportes, ha saputo affrontare la scrittura della sua improponibile parte con una naturalezza e un cinismo vocale e scenico oltre ogni aspettativa.
Il Wesner di Alfred Muff si misura con una scrittura stranamente lirica abbastanza tradizionale, all'interno di un lavoro estremamente innovativo (all'epoca della scrittura) per le voci. Molto intensa e cantata con partecipazione misurata la sua scena finale.
Delude Thomas E.Bauer nel rolo principale di Stolzius. Probabilmente affaticato e provato dalle recite precedenti, ha cantato perennemente in affanno risultando sbiadito e difficoltoso nell'interpretare lo straziato amante ripudiato di Marie. Anche per lui la improponibile parte scritta da Zimmermann ha lasciato evidente il segno del logoramento, risultando comunque convincente scenicamente.
Impareggiabile nelle parti di tenore caratterista ed autentico fuoriclasse nel sapere porgere la parola musicata, Wolfgang Ablinger-Sperrhacke ha interpretato con una partecipazione più che perfetta la petulante parte del conformista Pirzel.
Okka Von der Damerau, nonostante qualche impaccio nei movimenti scenici, è risultata convincente nell'interpretare la sorella ingenua di Marie.
Perfetti e ben inseriti nell' arditissimo impianto musicale di Zimmermann i numerosi comprimari, con una menzione speciale per i cantanti dell' ensemble il canto di Orfeo che hanno saputo interpretare i numerosi Ufficiali con una partecipazione impeccabile non solo vocale ma anche musicale, giacché in partitura è previsto che debbano contemporaneamente cantare e percuotere pentole e posate sulle tavole con precisione metronomica in sincrono con orchestra.
L'orchestra della Scala non sono certamente i Wiener Philarmoniker sentiti a Salisburgo, e la rara partecipazione in un repertorio quale quello contemporaneo si è fatta sentire non tanto nelle rare imperfezioni dei settori delle percussioni, quanto nella mancanza di un unicum musicale richiesto in un lavoro come questo. A noi è parso che nonostante gli sforzi sovrumani di Ingo Metzmecher nel condurre in porto una partitura spesso al limite della coesione strumentale, l'Orchestra abbia suonato con evidente spaesamento e arrendevolezza di fronte ad una partitura straordinaria ma inconsueta, preferendo arrendersi nel più sicuro mare della mera esecuzione delle note piuttosto che affrontare la tempesta di una scrittura entusiasmante.
Successo vivissimo per tutti in un teatro inizialmente pieno, ma che si è svuotato in parte all'inizio della seconda parte.
Pierluigi Guadagni
LA PRODUZIONE
| Direttore | Ingo Metzmacher | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| Regia | Alvis Hermanis | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| Co-regista | Gudrun Hartmann | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| Scene | Alvis Hermanis e Uta Gruber-Ballehr | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| Costumi | Eva Dessecker | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| Luci | Gleb Filshtinsky Sergey Rylko | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| Video designer
Orchestra del Teatro alla Scala Nuovo allestimento in coproduzione con Festival di Salisburgo (2012) Foto Teatro Alla Scala | |
IL VIAGGIO A REIMS, G.ROSSINI - DUTCH NATIONAL OPERA , AMSTERDAM, 27 gennaio 2015
«A giorni il Re ritorna
gran feste si daranno,
rapidi qui verranno
stranieri in quantità.
Da quello che preparasi
a corte ed in città,
ben si può giudicare
che festa si farà;
Spettacol più giocondo,
mai visto si sarà;
chi a Reims non poté andare
qui si consolerà.”
gran feste si daranno,
rapidi qui verranno
stranieri in quantità.
Da quello che preparasi
a corte ed in città,
ben si può giudicare
che festa si farà;
Spettacol più giocondo,
mai visto si sarà;
chi a Reims non poté andare
qui si consolerà.”
Concepire un nuovo allestimento de Il Viaggio a Reims dopo lo straordinario spettacolo che lo ha riportato in luce nel 1984 a Pesaro per la regia di Ronconi, la direzione di Abbado e un parterre di cantanti di primissimo livello, è sempre cosa rischiosissima per una forma di teatro che spesso vive, ahimè, più di ricordi e sospiri piuttosto che di ricerca di novità e apertura al diverso.
La sfida della direzione artistica della Dutch National Opera, teatro che si pone all'avanguardia in Europa per qualità e scelta degli allestimenti sempre di primissimo ordine, pare ancora più ardua se per la scelta di reinventare una concezione registica di una cantata scenica praticamente senza soggetto specifico, si chiama un enfant terrible come Damiano Michieletto.
Scelta vincente, e non ne avevamo il minimo dubbio!
La cantata scenica pensata dal librettista Balocchi, si sviluppa su di un canovaccio molto semplice che non ingabbia l'azione in un intrigo drammatico particolarmente rigido, quale occasione migliore per reinventare completamente una storia divertentissima?
Michieletto, coadiuvato nelle scene da Paolo Fantin e nei costumi da Carla Teti, trasporta l'azione dall' Albergo del Giglio d'oro alla Golden Lily Galery alla vigilia dell'apertura di una grande mostra d'arte. Madama Cortese diventa la curatrice tutta isterismo e tensione stile Meryl Streep ne “Il diavolo veste Prada”, Don Profondo diventa un entusiasta banditore d'aste, Lord Sydney un tecnico restauratore follemente innamorato del soggetto femminile del quadro al quale sta lavorando.
Gli altri personaggi del libretto originario sono trasformati in opere d'arte viventi che letteralmente escono dalla tela per iniziare ad interagire con il mondo reale.
Ecco quindi che l'azione diventa un racconto surrealista, popolato da personaggi vivi dipinti da Botero, Goya o Magritte. L'interazione tra i due mondi, crea situazioni che sono a volte poetici, a volte comici ma sempre comunque avvincenti. Lo spettacolo visivo culmina con l'apertura della grande mostra in cui, uno ad uno, tutti i personaggi in scena prendono il loro posto nel sontuoso tableau vivant ricreato per ricostruire la scena del dipinto di Francois Gèrard “L' incoronazione di Carlo X” del 1825 sul quale poi verrà proiettato l'originale, concludendo l'opera con il party di Madama Cortese per l'acquisizione del nuovo dipinto alla galleria.
Se dal punto di vista visivo, lo spettacolo è stato entusiasmante, musicalmente ci ha regalato veri momenti di altissima professionalità, a cominciare dalla direzione di Stefano Montanari alla guida della Nederland Kamerorkester. Seduto al fortepiano dal quale ha accompagnato anche i recitativi, Montanari ha saputo dare la sua impronta personale ad una partitura marchiata dal confronto con la direzione tesissima e brillante di Abbado. Montanari sceglie tempi e agogica personalissimi che se, smarcandosi dalla concezione di Abbado possono risultare spesso in difetto o addirittura sbagliati in certi punti, a noi sono risultati eccezionali. Il suono poi degli strumenti barocchi, soprattutto gli ottoni, ci ha regalato quell'aura originale di una partitura che solo chi era presente il 1961825 potrebbe dire giusta. Montanari ricerca e cesella ogni singola nota con la precisione del mirabile concertista quale egli è, scegliendo di riaprire i tagli del coro “L'allegria è un sommo bene” desunto dal Maometto II e delle “arie da ballo” nella scena finale.
Sul versante vocale sugli allori la Corinna di Eleonora Buratto, voce pulitissima, mai una sbavatura, accentuazione vocale impareggiabile, fraseggio (e la sua improvvisazione nel finale è quanto di più impegnativo si possa immaginare) esemplare, la Buratto si rivela una cantante formidabile che ci darà sicuramente molte soddisfazioni.
Molto brava anche Nino Machaidze nell'ingrata parte di Folleville, canta la sua aria con la desueta precisione pur rivelando un' appesantimento nella sua voce dovuto probabilmente alla virata verso un repertorio più pesante nei suoi più recenti impegni.
La Madama Cortese di Carmen Giannatasio canta i suoi interventi con la precisione e la cura che le abbiamo sempre riconosciuto, ma anche per lei la scrittura rossiniana comincia a diventare un poco stretta.
Anna Goryachova è una bellissima e giovanissima Melibea dalla voce precisissima e incredibilmente dotata di un volume non indifferente che la fanno arrivare sicura alla fine dei suoi interventi.
Michael Spyres ha delineato il suo Libenskof in maniera eccellente, incorniciando la sua aria finale “Onore, gloria ed alto omaggio” con canto agile, fervido e slanciato.
Juan Francisco Gatell è un iperattivo Belfiore che canta i suoi due duetti amorosi con perfetta precisione nelle agilità e nel canto di grazia.
Nonostante un'annunciata indisposizione, Roberto Tagliavini ha cantato con la consueta preparazione e senza il minimo inficimento la sua difficilissima aria.
Bruno De Simone ha interpretato con la maestria e la preparazione da fuoriclasse quale è la breve parte del Barone Trombonok.
Un affaticato Nicola Ulivieri ha eseguito la sua aria “medaglie incomparabli” con difficoltà evidente, riuscendo comunque grazie all'esperienza acquisita a terminare la serata con dignità.
Ottima la preparazione di tutti gli interpreti cosidetti “minori” ma che di minore hanno solamente la durata della parte cantata: Teresa Iervolino(Maddalena), Mario Cassi (Don Alvaro), Biagio Pizzuti (Don Prudenzio), Carlos Cardoso (Don Luigino), Maria Fiselier (Delia), Florieke Beelen (Modestina), Jeroen De Vaal (Zefirino), Tomeo Bibiloni (Antonio).
Eccellentissimi gli interventi del coro della Dutch National Opera diretto da Ching Lien Wu.
Successo calorosissimo per tutti da parte di un caloroso e partecipe pubblico in gran parte composto da giovani sotto i 30 anni.
Pierluigi Guadagni
LA PRODUZIONE
Direttore Stefano Montanari
Regia Damiano Michieletto
Scene Paolo Fantin
Costumi Carla Teti
Lighting
design Alessandro Carletti
GLI INTERPRETI
Corinna Eleonora Buratto
La Marchesa
Melibea Anna Goryachova
La Contessa
di Folleville Nino Machaidze
Madama
Cortese Carmen Giannattasio
l Cavaliere
Belfiore Juan Francisco Gatell
Il Conte di
Libenskof Michael Spyres
Lord Sidney Roberto Tagliavini
Don Profondo Nicola Ulivieri
Il Barone di
Trombonok Bruno De Simone
Don Alvaro Mario Cassi
Don Prudenzio Biaggio Pizzuti
Don Luigino Carlos Cardoso
Delia Maria Fiselier
Maddalena Teresa Iervolino
Modestina Florieke Beelen
Zefirino Jeroen de Vaal
Antonio Tomeu Bibiloni
Coro Dutch National Opera
Nederland Kamerorkester.
Foto Dutch National Opera
ANDREA CHENIER, U.GIORDANO - ROYAL OPERA HOUSE, LONDON, 26 gennaio 2015
“La mia scrittrice?
Voi la ognor celata amica mia,
ognor fuggente? “
Voi la ognor celata amica mia,
ognor fuggente? “
Che la musica dell' Andrea Chenier di Umberto Giordano arrivi dritta dritta al cuore senza particolari concettualismi è un fatto assodato e vincente di questa partitura meravigliosa strapiena di melodie affascinanti e strabordante di una genuinità che affascina e incanta a dispetto di critiche più o meno velate da parte di detrattori musicofili con la puzza sotto il naso.
E bene lo ha capito Sir Antonio Pappano che, entusiasta dello spiegamento melodico ad alta temperatura di Giordano, ha voluto a tutti i costi riportare il capolavoro del compositore foggiano alla Royal Opera House dopo trent'anni di assenza.
Scelta vincente sotto tutti i punti di vista, aiutata da uno spiegamento artistico di altissimo livello, ha visto il meritato trionfo con il sold out in tutte le recite previste.
L'idea registica di David McVicar si sviluppa nell' impianto di tradizione, nel senso più felice del termine, senza nessuna concessione a strampalati concettualismi tanto di moda oggi ma semplicemente trasportando scenicamente ciò che è scritto nel libretto.
Il che non vuol dire noia o routine, poiché ogni singolo movimento, ogni singola entrata o uscita di scena è studiata e precisa senza la minima concessione ad una forzatura di maniera. Le scene funzionali di Robert Jones e gli studiatissimi costumi di Jenny Tiramani completano un quadro felicissimo nel quale si inseriscono le coreografie di Andrew George per la scena della rappresentazione bucolica del primo atto. Funzionali e ben preparate le luci di Adam Silverman.
Il versante vocale vedeva il debutto di Jonas Kaufman nella parte del titolo.
Il suo Andrea Chenier è il risultato di uno spiegamento vocale senza risparmio, acuti luminosissimi, voce irrobustita di volume e armonici rispetto agli ascolti precedenti, intelligenza interpretativa, fraseggio impareggiabile e dizione perfetta. Ogni singola nota uscita dalla sua gola risplende di luminosità, supportata da una concezione vocale moderna che non si piega a facili portamenti o a fantasie interpretative datate ma si basa unicamente su di una tecnica vocale infallibile e studio preciso della parte.
Eva-Maria Westbroek è stata sua degna partner interpretando una Maddalena vocalmente e scenicamente appassionata. La voce è indubbiamente quella di un soprano lirico spinto tutta calore timbrico, intenso volume e buona tenuta nel registro grave. Se qualche incertezza o forzatura c'è stata, credo sia dovuta esclusivamente ad un affaticamento imposto dai tempi, spesso dilatati al limite della tenuta, imposti da Pappano soprattutto nel momento clou de “la mamma morta”.
Zelico Lucic ha interpretato un Carlo Gerard molto convincente pur notando un certo affaticamento nella voce. Il vibrato molto fisso delle sue note non aiuta certamente a donare calore e passione al suo canto ma viceversa delinea un vocalità aspra e violenta che nel suo personaggio non difetta affatto.
Purtroppo della vocalità calda e suadente alla quale Denyce Graves ci aveva abituato in passato non rimane che solo un vago accento, la sua Bersi comunque risulta convincente.
Il personaggio dell' Incredibile, per quanto possa risultare minore, ha un ruolo centrale nella vicenda dell'opera e pensare di interpretarlo senza la giusta dose di caratterismo o peggio di una giusta vocalità, rende grave danno all'impianto dell'opera. Carlo Bosi non difetta affatto di nessuna di queste qualità regalandoci una interpretazione da manuale.
La Contessa di Coigny di Rosalind Plowright è aristocratica, stucchevole e acida come deve essere, e non ne avevamo il minimo dubbio al proposito poiché da una grande interprete come Lei che nel passato ci ha regalato momenti impareggiabili, non ci si poteva aspettare di meglio.
La sempreverde Elena Zilio è stata una Madelon impagabile per convinzione scenica e vocale.
Molto bene anche il Roucher di Roland Wood dalla voce precisa e convincente.
Completavano il foltissimo cast con partcipazione scenica e capacità John Cunningham(maggiordomo), Peter Coleman-Wright (Fleville) Peter Hoare (l'Abate), Adrian Clarcke (Mathieu), Yuriy Yurchuk (Dumas), Eddie Wade (Fouquier-Tinville), Jeremy Withe (Schmidt).
Sir Antonio Pappano dirige con la consueta precisione e maestria l'orchestra della Royal Opera House in un crescendo di entusiasmanti momenti tutti tesi alla ricerca dell'esaltazione muscolare e dell'enfasi elegiaca di cui la musica di Giordano dell'Andrea Chenier è piena. L'orchestra risponde con partecipazione superlativa alle sollecitazioni del suo Direttore nonostante il suo gesto, ci è parso, sia divenuto sempre più criptico e sinceramente incomprensibile rispetto al passato, e la scelta di dirigere senza bacchetta non fa che accentuare la cosa.
Renato Balsadonna a capo del concentratissimo Royal Opera Chorusapporta alla serata quel contributo indispensabile di maestria e altissima professionalità.
Successo irrefrenabile da parte di un teatro gremito in ogni ordine di posti ed entusiasta.
Pierluigi Guadagni
LA PRODUZIONE
Direttore
d’orchestra Antonio Pappano
Regista David McVicar
Scene Robert Jones
Costumi Jenny Tiramani
Luci Adam Silverman
Coreografia Andrew George
GLI INTERPRETI
Andrea Chénier Jonas Kaufmann
Maddalena
de Coigny Eva-Maria Westbroek
Carlo Gérard Željko Lučić
Bersi Denyce Graves
Madelon Elena Zilio
Contessa
de Coigny Rosalind Plowright
Roucher Roland Wood
Pietro Fléville Peter Coleman-Wright
Fouquier-Tinville Eddie Wade
Mathieu Adrian Clarke
The Incredibile Carlo Bosi
Abbé Peter Hoare
Schmidt Jeremy White
Major Domo John Cunningham
Dumas Yuriy Yurchuk
Concert Master Peter Manning
Orchestra of the Royal Opera House
Royal Opera Chorus
Foto Royal Opera House
TRAVIATA, G. VERDI – TEATRO FILARMONICO DI VERONA, DOMENICA 25 GENNAIO 2015
Il maestro Josef Svoboda ci ha lasciato ormai da tredici anni ma le sue brillanti intuizioni in termini di scenografia continuano ad affascinare e ad esser parte di allestimenti operistici vincenti. Tra questi la splendida Traviata ormai nota come ‘degli specchi’ che è praticamente rappresentata ogni anno in giro per l’Italia e nel mondo ottenendo sempre consensi entusiastici di pubblico. Ed approda finalmente anche al Teatro Filarmonico di Verona con la regia di Henning Brockhaus e con la collaborazione di Benito Leonori per la ricostruzione scenografica.
Il famoso allestimento ci ricorda che il mondo non ha una sola prospettiva e che ognuno di noi dovrebbe guardare aldilà del proprio punto di vista e cogliere le diverse angolazioni di ciò che avviene intorno. Così la storia di Violetta non va guardata soltanto col nostro occhio giudice e moralista, ma letteralmente a tutto tondo, ossia anche dal suo punto di vista e da quello di chi vive la sua storia con lei. Ecco così che lo specchio inclinato che sovrasta sullo sfondo assume un significato psicologico, oltre che squisito mezzo scenico per offrire una inquadratura inusuale dei personaggi e degli ambienti. Come è ben noto i pannelli che occupano il piano vengono fatti scivolare a scomparsa ed in successione si alternano i bellissimi tableau dai colori sfavillanti che affrescano man mano il salone delle feste di Violetta o della casa di Flora con squisita eleganza, riproducono la deliziosa casa di campagna per il nido d’amore di Violetta ed Alfredo, per poi lasciare il posto al pavimento nudo e scuro dell’ultimo atto, ove si poggiano un letto, pochi cuscini su cui si adagia Annina ed un tavolino, con la celeberrima conclusione a specchio raddrizzato per riflettere l’orchestra ed il pubblico stesso, lasciando ad ognuno la propria interpretazione di quanto avviene. Ricordiamo che gli sfavillanti costumi sono di Giancarlo Colis.
Dal punto di vista musicale diverse considerazioni da fare. Certo la direzione del Maestro Marco Boemiha condizionato non poco l’esecuzione degli interpreti che sono stati chiamati a dura prova per seguire adeguatamente il tempo in taluni passaggi. Probabilmente l’intento del direttore era di imprimere alla rappresentazione un carattere estremamente toccante e drammatico, ma ciò si è tradotto a nostro avviso in uno stacco di tempi fin troppo distesi con dinamiche non sempre chiare; in più punti si è percepito uno scollamento tra buca e palco anche per gli interventi del coro.
Ne fa le spese in un certo senso Francesca Dottoper cui confermiamo le impressioni avute nella recente Traviata di Venezia. Il colore della voce è molto bello ed uniforme, e sicuramente mostra un bell’affiatamento con i partner sul palco, ma ci riserviamo qualche tempo per vedere una Violetta a trecentosessanta gradi da parte del soprano dalle indubbie doti vocali che può ancora crescere e donare più carattere al ruolo.
Alfredo Germont è un Antonio Polidalla voce fresca e pastosa che pur non mostrando una potenza esponenziale si cala molto bene nel ruolo del giovane di cuore e passione.
Grande successo per Simone Piazzolache ormai ha raggiunto un bel numero di Giorgio Germont nella lista delle sue interpretazioni. Sempre più maturo il personaggio, il colore pulito della voce si esprime uniformemente in tutta la gamma del suo registro dando forza ad un ruolo gestito con padronanza ed autorità. Per lui una serata davvero positiva.
Non convince a pieno la Flora di Elena Serrala cui voce sembra talvolta soffrire l’orchestra, pur dando un certo carattere spigliato e gagliardo al suo personaggio.
Ci è sembrato un po’ troppo caricato il ruolo di Annina per essere una semplice domestica, alias Alice Marini, mentre hanno ben figurato nei ruoli di contorno: Gastone, Antonello Ceron, il Barone Douphol, Nicolo' Ceriani, il Marchese d'Obigny, Dario Giorgelè, l’ottimo Dottor Grenvil di Gianluca Breda, Giuseppe, Francesco Pittari, ed il Domestico e Commissionariodi Romano Dal Zovo.
Il coro diretto da Vito Lombardi si mostra ben affiatato ed ottimo in scena, fermo restando i suddetti problemini percepiti con l’orchestra.
Il pubblico che ha riempito il teatro ha tributato un buon successo per tutti gli interpreti con punte per Dotto, Poli ed il maestro Boemi, registrando un vero e proprio trionfo per Piazzola.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore | Marco Boemi |
Regia e luci | Henning Brockhaus |
Direttore corpo di ballo | Renato Zanella |
Bozzetti scenografici | Josef Svoboda |
Ricostruzione scenografica | Benito Leonori |
Costumi | Giancarlo Colis |
Coreografa | Valentina Escobar |
Direttore allestimenti scenici | Giuseppe De Filippi Venezia |
Maestro del coro | Vito Lombardi |
GLI INTERPRETI | |
Violetta Valery | Francesca Dotto |
Alfredo Germont | Antonio Poli |
Giorgio Germont | Simone Piazzola |
Flora Bervoix | Elena Serra |
Annina | Alice Marini |
Gastone | Antonello Ceron |
Barone Douphol | Nicolo' Ceriani |
Marchese d'Obigny | Dario Giorgelè |
Dottor Grenvil | Gianluca Breda |
Giuseppe | Francesco Pittari |
Domestico/Commissionario | Romano Dal Zovo |
ORCHESTRA, CORO, CORPO DI BALLO E TECNICI DELL’ARENA DI VERONA
FOTO STUDIO ENNEVI per gentile concessione Fondazione Arena di Verona
GOYESCAS, E. GRANADOS – SUOR ANGELICA, G. PUCCINI – TEATRO REGIO DI TORINO, VENERDI’ 23 GENNAIO 2015
Con una scelta coraggiosa il Teatro Regio di Torino porta in scena insieme il capolavoro di Enrique Granados Goyescas e Suor Angelica di Giacomo Puccini. Se anche le due opere apparentemente per ambientazione possono sembrare distanti, nella visione del regista Andrea De Rosa che cura anche le scene, vi sono diversi aspetti che le accomunano. Non certo per il noto debutto di entrambe a New York (nel 1916 la prima e nel 1918 la seconda), ma soprattutto per la rappresentazione del dolore e del dramma al femminile e di un modo di viverlo intensamente, che sia passione manifesta di giovani e intemperanti madrileni con a capo due protagoniste conturbanti, oppure amore celato in segreto di una mamma costretta in convento. Il regista sceglie di attualizzare i due drammi pur restando squisitamente fedele ai contenuti poiché certe realtà sembrano destinate a non mutare. Di Paquiro e Fernando che si sfidano per gelosia ne è pieno il pianeta, di donne ferite e ormai sole dato il tragico destino dei compagni altrettanto, per non parlare di tutte le donne al mondo private della gioia di crescere un figlio, perché strappato alla nascita o perché mai arrivato. Così vige un senso di impotenza, di sconfitta e di vuoto in entrambe le opere, per un dittico non usuale ma a nostro avviso possibile.
Il senso di vuoto nell’ animo è il punto di partenza di Goyescas, giacché l’azione parte da un enorme fosso scavato nel terreno ove il buio che è intorno è spezzato da lampi di chiarore sui protagonisti, che evidenziano sì le loro azioni, ma anche la sensazione di assenza circostante. Sono effetti a cura di Pasquale Lucenti, che secondo noi funzionano molto bene allo scopo. Si sa che Goya ispirò il compositore di questo lavoro con le atmosfere particolari dei suoi dipinti di vita quotidiana e da questi De Rosa è partito anche per il suo allestimento. Anche i vari costumi di Alessandro Ciammarughi sono pertinenti all’ambientazione, citando tra gli altri il celebre quadro de La maja desnuda per Rosario. Fedele alla tradizione è anche la presenza del fantoccio, che è certo strumento di sollazzo ma anche simbolo della labilità dell’essere umano che tanto spesso viene manipolato a sua insaputa. Così il capitano della guardia Reale Fernando cade sconfitto per un episodio mal interpretato, acceso da insensata gelosia. Ma addirittura per il regista nemmeno il torero scampa al destino di morte rimanendo ucciso egli stesso nello scontro col capitano. E quasi a sbeffeggiar tutti le musiche festose a ritmo di fandango di Granados coinvolgono, sorprendono, ammaliano, come i passi di danza coreografati da Michela Lucenti.
Nel cast della serata spiccano proprio le figure femminili, vittime e causa delle vicende in atto.
Giuseppina Piunti è una Rosario soprattutto passionale piuttosto che dama di gran casato. La sua sensualità è quasi sfacciata e nel suo canto di passione e vigore tutto sembra istigare alla gelosia che arde nel cuore di Fernando. La sua voce è volumetrica e si espande nella sala del Regio aggiungendo dramma al ricco colore.
Anna Maria Chiuri riesce a far emergere carattere e vitalità al suo ruolo di Pepa nonostante non sia stato concepito con la stessa forza di Rosario, grazie al bel timbro brunito e rotondo ed al marcato piglio da popolana.
Andeka Gorrotxategui e Fabián Veloz sono l’altro piatto della bilancia emotiva: Fernando e Paquiro, il valoroso capitano ed il popolare torero, forse fantocci nelle mani delle loro donne, simbolo di tanti giovani portati alla reciproca distruzione, ma inevitabilmente causa di dolore e tormento per le compagne rimaste in vita sole e abbandonate. Il primo forte di una voce vellutata con dei bei centri pieni ed il secondo dal timbro scuro che dona corpo ad una voce interessante.
Chiude il cast Alejandro Escobar nel brevissimo ruolo di Una voce. Il coro preparato da Claudio Fenoglio ha una valenza fondamentale, i magnifici majos e majas animano la scena da perfetti popolani, assestando entrate perfette e offrendo un’ottima amalgama vocale.
Infine l’ottima orchestra guidata da DonatoRenzettidona equilibrio ed uniformità ad una partitura per certi versi considerata discontinua, trovando soprattutto nei passaggi strumentali una ricchezza e profondità di suono straordinari.
Il pubblico ha omaggiato tutti gli interpreti mostrando un calore discreto alla rappresentazione.
LA PRODUZIONE
Direttore d'orchestra Donato Renzetti
Regia e scene Andrea De Rosa
Costumi Alessandro Ciammarughi
Coreografia Michela Lucenti
Luci Pasquale Mari
Assistente alla regia Paola Rota
Assistente ai costumi Sonia Salvatori
Maestro del coro Claudio Fenoglio
GLI INTERPRETI
Rosario, dama di gran
casato,amata da Fernando Giuseppina Piunti
Fernando, capitano della
guardia reale Andeka Gorrotxategui
Paquiro, torero Fabián Veloz
Pepa, ragazza del popolo,
amante di Paquiro Anna Maria Chiuri
Una voce Alejandro Escobar
Orchestra e Coro del Teatro Regio
Balletto civile
Nuovo allestimento
in coproduzione con Maggio Musicale Fiorentino
e Teatro di San Carlo di Napoli
Foto Teatro Regio Torino
Con Suor Angelica il senso di impotenza e disfattismo si accentua ancor maggiormente se si considera che il tragico epilogo è causato da eventi estranei alla volontà della protagonista. Andrea de Rosa ambienta la storia addirittura in un manicomio verso gli anni cinquanta del secolo scorso, ove le suore dovrebbero prendersi cura delle sciagurate pazienti, ma solo Suor Angelica sembra curarsene, con le sue erbe ed intrugli di ogni genere. Una enorme grata separa il proscenio dal resto del palco e solo la protagonista può uscire, la ex principessa che non indossa neanche abiti monacali, per dedicarsi all’ unica distrazione al perenne pensiero di suo figlio. Sullo sfondo le sventurate folli gironzolano compiendo gesti inconsistenti, si respira un’aria carceraria se non da luogo di tortura. L’angoscia cresce man mano che si spengono le speranze di Angelica di rivedere la sua creatura e quasi un senso di oppressione guida gli atti delle monache. In tutto ciò non c’è spazio nemmeno per il miracolo e l’assoluzione: suor Angelica muore semplicemente abbracciata al bambolotto portole da una paziente impietosita. I costumi sono sempre di Alessandro Ciammarughi con luci affidate ancora a Pasquale Mari.
Molto positiva l’esecuzione musicale di tutte le interpreti ben affiatate e chiamate una volta di più a dare il meglio in quanto ad interpretazione.
E non manca all’appello una straordinaria Amarilli Nizza, che come ci ha abituati vive in prima persona gli eventi con un coinvolgimento ogni volta più intenso. Quasi assente rispetto a ciò che la circonda, raccoglie e raggruppa le erbacce del suo giardino come un automa, ma sempre pronta a tornare alla realtà per un aiuto alle consorelle. Trova nuovo vigore nell’affrontare la Zia Principessa e piomba in autentica disperazione all’annuncio della morte del figlio. Notiamo che anche respiri e spasimi sono mirati e mostra addirittura segni di follia nell’ansimante ricerca di un farmaco atto al proposito risolutivo. Alla base vi è una voce possente che si piega alle azioni: si fa dolce e morbida con le altre suore, si irrobustisce con la parente in visita, diventa ampia ed avvolgente nella toccante ‘Senza mamma’.
Molto valida anche Anna Maria Chiuricome Zia Principessa. Qui una anziana parente lontana dal voler infliggere altri castighi alla nipote, una donna stanca e ricurva, affatto riccamente vestita che si eclissa discretamente dopo aver riportato suo malgrado le novità della famiglia. Così il mezzosoprano può esprimere al meglio le sue qualità vocali ed attoriali, esaltando la gamma centrale del suo registro che qui risulta particolarmente ambrato e colorito.
Nella folta schiera di sorelle citiamo le ottime suora Zelatrice Silvia Beltrami, dalla voce robusta e dal piglio autoritario, la Badessa Maria diMauro che aggiunge al bel colore della voce un volume non indifferente ed un buono squillo nella zona più acuta. Molto buone come detto tutte le altre che ricordiamo: la suora infermiera Valeria Tornatore, Suor Genovieffa Damiana Mizzi, la maestra delle novizie ClaudiaMarchi, Suor Osmina Nicoletta Baù, Suor Dolcina MariadeLourdesMartins, la prima sorella cercatrice Samantha Korbey, la seconda sorella cercatrice Daniela Valdenassi, la prima conversa Sabrina Amè, la seconda conversa Roberta Garelli, una novizia Eugenia Braynova, la prima suora Paola Isabella Lopopolo, la seconda suora CristianaCordero, infine la terza suora Raffaella Riello.
Ottimo anche in questo caso il coro di Fenoglioed il coro voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio G. Verdi.
Ancora una volta l’orchestra si mostra con Renzettialla guida in grado di creare atmosfere e languori volti alla sottolineatura degli eventi, mai un mero accompagnamento ma una esaltazione della musica insieme alle voci delle interpreti, divenendo coinvolgente, ricca di colori e lirismi perfetti per il dramma.
Applausi entusiasti e commossi ben distribuiti tra le interpreti, con grandi ovazioni per Amarilli Nizza, Anna Maria Chiuri ed il Maestro Renzetti.
Maria Teresa Giovagnoli
LA PRODUZIONE
Direttore d'orchestra Donato Renzetti
Regia e scene Andrea De Rosa
Costumi Alessandro Ciammarughi
Movimenti scenici Michela Lucenti
Luci Pasquale Mari
Assistente alla regia Paola Rota
Assistente ai costumi Sonia Salvatori
Maestro dei cori Claudio Fenoglio
GLI INTERPRETI
Suor Angelica Amarilli Nizza
La zia Principessa Anna Maria Chiuri
La suora infermiera Valeria Tornatore
La suora zelatrice Silvia Beltrami
Suor Genovieffa Damiana Mizzi
La maestra delle novizie Claudia Marchi
La badessa Maria Di Mauro
Suor Osmina Nicoletta Baù
Suor Dolcina Maria de Lourdes Martins
Prima sorella cercatrice Samantha Korbey
Seconda sorella Daniela Valdenassi
Prima conversa soprano Sabrina Amè
Seconda conversa Roberta Garelli
Una novizia Eugenia Braynova
Prima suora Paola Isabella Lopopolo
Seconda suora Cristiana Cordero
Terza suora Raffaella Riello
Orchestra e coro del Teatro Regio
Coro di voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio "G. Verdi"
Balletto civile
Nuovo allestimento
in coproduzione con Maggio Musicale Fiorentino
e Teatro di San Carlo di Napoli
Foto Teatro Regio Torino
DO RE MI…..PRESENTO – intervista a Leonora Armellini.
Quando si incontra un’artista così giovane non si può fare a meno di pensare di trovarsi di fronte ad un talento straordinario considerando gli obiettivi che a soli ventitre anni ha già raggiunto: citiamo per esempio il primo premio assoluto al Concorso "Muzio Clementi" e il Premio "J.S.Bach" della città di Sestri Levante, il "Premio Venezia" nel 2005, il primo premio al Concorso Pianistico Internazionale "Camillo Togni " di Brescia-Gussago nel 2009, il "Premio Janina Nawrocka" per la "straordinaria musicalità e la bellezza del suono" al Concorso Pianistico Internazionale “F. Chopin” di Varsavia nel 2010, il “XXXII Premio Abbiati” dedicato a "Piero Farulli" al Trio AMAR - Leonora Armellini, Laura Marzadori e Ludovico Armellini (Pianoforte, Violino e violoncello), per non parlare dell’onore di aver ricevuto dal Maestro Zubin Mehta nel 2013 a Firenze il Premio Internazionale Galileo 2000 per il "grande coraggio e talento musicale". Ci domandiamo allora come è la vita di questa giovanissima donna dai mille impegni e ne riceviamo risposte dettagliate, intelligenti e che denotano una persona molto più matura della sua età, solare, gentile ed anche molto disponibile.
FAUST, C. GOUNOD - TEATRO COMUNALE DI BOLZANO, mercoledì 21 gennaio 2015
"Le Veau d'or est vainqueur des dieux!"
Il teatro comunale di Bolzano si dimostra ancora una volta istituzione di cultura di alto livello, programmando una stagione interessantissima per titoli di prosa, musica, danza ed opera.
Proposto come secondo titolo operistico della stagione, il Faust di C. Gounod è opera di difficilissima esecuzione per le difficoltà di una messa in scena che richiede grande dispendio di energie esecutive e sceniche.
L'allestimento prodotto con l'opera di Lipsia è il risultato di un giusto equilibrio tra grandi idee e pochi mezzi a disposizione.
L'idea registica di Michiel Dijkema (qui ripresa da Patrick Bialdyga) funziona a dovere, equilibrata tra un allestimento di tradizione e uno di theater regie.
I personaggi si muovono con movimenti studiatissimi, il coro è partecipe e protagonista anch'esso, l'idea di un Mephistopheles tutto fuoco e tiri mancini funziona a dovere, l'impianto scenico (un non luogo costruito con un alto muro a mattoni dal quale si aprono 5 porte scorrevoli che lasciano scoprire il mondo al di là) è interessante e permette di tagliare al minimo gli altrimenti numerosi e lunghi cambi di scena.
Dispiace solo che la drammaturgia di Christian Geltiger alteri in parte la numerazione delle scene presenti in partitura da Gounod trasportando l'aria "il etait un Roi de Thule" dal secondo al quinto atto, come pure l'aria di Siebel " le bonheur à sourire t'invite" che qui diventa un malinconico addio alla vita invece che una languida dichiarazione di affetto, per tacere dei pesanti tagli all'ingresso del coro dei soldati nella quarta scena del quarto atto, nelle danze pasticciate da ingrati copia e incolla del quinto atto per finire con la malsana idea di far cantare il coro celeste al termine dell'opera in scena invece che nel retropalco come previsto in partitura, cancellando quindi completamente l'idea di misticità prevista da Gounod.
Il versante musicale ha visto un pregevole Mark Schneible nei panni di Mephistopheles dipanarsi con agilità nella ingrata sua parte: timbro scavato, dizione perfetta e fraseggio curato hanno completato una serata per lui da ricordare.
Non altrettanto si può dire per il Faust di Mario Zeffiri al quale è venuta la malsana idea di affrontare un ruolo totalmente scollegato alla sua vocalità nonostante la voce bella e gli acuti (tutti in falsetto) facili, speriamo di risentirlo presto in un repertorio a lui più congeniale.
Arika Schoenberg è apparsa in evidente difficoltà ed affanno ad affrontare la parte di Marguerite. La voce è sfibrata, gli acuti urlati e il fraseggio scolastico, per tacere della dizione approssimativa.
Convincente anche se spesso in difficoltà nelle note di passaggio, il Valentin di Jonathan Michie dalla voce vellutata e suadente e dagli acuti facili e precisi in una parte che ha ben poco di baritonale.
Brava Kathrin Goering nella parte di Siebel, canta la sua aria con la giusta caratterizzazione vocale e scenica.
Brava anche Karin Lovelius ad interpretare la petulante Marthe con la giusta dose di caratterismo senza scendere in ridicole sforzature.
Corretto Matteo Ferrara nella parte di Wagner.
Complimenti ad Alessandro Zuppardo per la direzione del partecipe e preciso coro dell'opera di Lipsia in un lavoro dove più di un quarto dell’intera partitura è a lui destinato.
L'Orchestra Haydn di Trento e Bolzano diretta da Anthony Bramall ha saputo mettere a frutto la sua provenienza dal repertorio sinfonico esaltando i momenti sinfonici di cui questa partitura è zeppa risultando di una precisione più che convincente.
Applausi cordiali per tutti da parte di un pubblico non particolarmente caloroso.
LA PRODUZIONE
Direzione musicale Anthony Bramall
Regia Michiel Dijkema
Dammaturgia Christian Geltiger
GLI INTERPRETI
Mephistopheles Mark Schneible
Faust Mario Zeffiri
Valentin Jonathan Michie
Marguerite Arika Schoenberg
Marthe Karin Lovelius
Siebel Kathrin Goering
Wagner Matteo Ferrara
Coro Oper Leipzig, maestro Alessandro Zuppardo
Orchestra Haydn di Bolzano e Trento
Nuovo Allestimento
CONCERTO DI VERONA LIRICA E L’ARPISTA DAVIDE BURANI AL TEATRO FILARMONICO DI VERONA – DOMENICA 18 GENNAIO 2015
Nuovo appuntamento con l’associazione Verona Lirica al Teatro Filarmonico veronese con un concerto arricchito dalla delicatezza e musicalità del giovane Davide Burani, arpista di talento e sensibilità artistica, che ha aggiunto un tocco di eleganza ad un evento musicale già di per sé raffinato e piacevole.
Il mezzosoprano di indiscussa fama mondiale Luciana d’Intino ha avuto come compagni di avventura il baritono Davit Babayants, il tenore Giorgio Berrugi ed il soprano Lilla Lee nell’esecuzione delle arie più amate e richieste di sempre dal nostro repertorio operistico nazionale, con una piccola escursione all’estero.
E così Puccini, Donizetti, Mascagni, Cilea, Saint Saens e soprattutto Verdi sono stati i protagonisti dell’evento, naturalmente con le loro opere più celebri.
Luciana d’Intino ha esordito con la principessa Eboli del Don Carlo verdiano e la celeberrima ‘O don fatale’; quindi il passionale duetto tra Aida ed Amneris del secondo atto di Aida; inoltre ‘Voi lo sapete, o mamma’ dalla Cavalleria Rusticana di Mascagni, e la dolcissima ‘Mon cœur s’ouvre à ta voix’ da Samson et Dalila di Saint Saens. Straordinaria è l’intensità espressiva che contraddistingue il mezzosoprano e la voce è sempre rotonda e robusta. Interpreta con energia e pathos le suddette arie, mostrando tanto dolcezza quanto grinta e passionalità nell’esecuzione. Con Saens riteniamo abbia raggiunto il climax della serata per quanto la riguarda, mostrando anche una particolare sfumatura carezzevole del suo timbro.
Bella sorpresa il soprano Lilla Lee con Manon Lascaut di Puccini e ‘In quelle trine morbide’, il duetto Abigaille/Nabucco col collega Babayants, ‘Pace, pace mio Dio’ da La forza del destino di Verdi, ed il suddetto duetto dall’Aida con la D'Intino. Scopriamo una voce piena e morbida che si esprime particolarmente bene nel registro medio/acuto. Sicuramente la giovane artista presto aggiungerà anche quel quid interpretativo che ancora sembra leggermente acerbo, e che andrà ad arricchire maggiormente le sue già ben apprezzabili esecuzioni.
Molto di cuore l’interpretazione di ‘Quando le sere al placido’ dalla Luisa Miller di Verdi, nonché di ‘Una furtiva lagrima’dall’Elisir donizettiano, quasi irrinunciabile in occasioni come queste, come il Lamento di Federico dall’Arlesiana di Cilea, ed il toccante duetto Rodolfo/Marcello dalla Bohème con Babayants ‘In un coupé?’ per Giorgio Berrugi, generoso tenore di carattere tanto nell’interpretazione quanto nel timbro vocale.
Infine con Davit Babayants torniamo al Nabucco con ‘Dio di Giuda’e ‘Donna, chi sei’? in duo con Lilla Lee; restiamo con Verdi per Rigoletto e la possente ‘Cortigiani, vil razza..’, e come detto il duetto con Berrugi dalla Bohème pucciniana. Particolarmente applaudite le arie del Nabucco.
Per Davide Burani le fantasie e variazioni per arpa di Giovanni Caramiello sulla Traviata di Verdi e sulla Norma di Bellini, con l’aggiunta di una sua trascrizione del valzer di Musetta della Bohème. Come detto il tocco in più in un pomeriggio di gradevolissima musica in una atmosfera amichevole e gioviale. Naturalmente il maestro Patrizia Quarta ha accompagnato i solisti con l’immancabile suo tocco al piano spesso definito ‘orchestrale’, e non sono mancati i puntuali ed anche simpatici interventi esplicativi di Davide Da Como. Pubblico felicissimo ed entusiasta.
Maria Teresa Giovagnoli
I CAPULETI E I MONTECCHI, V. BELLINI – GRAN TEATRO LA FENICE DI VENEZIA, MERCOLEDI’ 14 GENNAIO 2015.
L’allestimento de I Capuleti e i Montecchi che andò in scena due anni fa a Verona approda in questo inizio 2015 alla Fenice di Venezia, che lo ha coprodotto insieme alla Fondazione Arena ed all’Opera Nazionale Ellenica. Al suo debutto apprezzammo soprattutto l’eleganza delle scene di Alessandro Camera, che concretizzano la visione del regista Arnaud Bernard secondo cui la storia di Romeo e Giulietta è evidentemente così eterna da poter rimaner ‘blindata’ tra le cornici dei dipinti esposti in un museo in allestimento. Da questi dipinti uscirebbero i personaggi per poi agire ed animare la storia sulle note di Bellini. Quel che dispiace è che tale impianto non venga sfruttato a dovere e che gli intenti registici non siano del tutto chiari fino alla fine, ossia quando tali ‘attori’ ritornano nell’ enorme quadro che riempie tutto il palco. In generale la regia è piuttosto statica, i protagonisti sono alquanto ingabbiati nei loro movimenti, che talvolta non appaiono aver gran significato. E la gran quantità di mimi che continuano ad allestire il suddetto museo è più un disturbo che un chiarimento agli intenti del regista. Conseguentemente anche l’interpretazione degli stessi cantanti ne ha risentito in più momenti. Apprezzabili restano gli abiti di Maria Carla Ricotti che richiamano ad una ambientazione classica, mentre le luci piuttosto scure di Fabio Barettin incupiscono l'atmosfera ‘museale’che si fa più intima.
Anche dal punto di vista musicale, diverse sono state le perplessità.
Jessica Pratt è una artista di comprovata esperienza che emerge in tante piccole sfumature della sua voce, dai suoi pianissimo delicati, agli acuti ben assestati. Solo non è stata facilitata dalla regia piuttosto limitante e quindi la sua Giulietta è parsa talvolta un po’ trattenuta, senza quello slancio giovanile e passionale che il ruolo potrebbe suggerire.
Dobbiamo presumere che Sonia Ganassi fosse leggermente indisposta, poiché la sua prova come Romeo è stata tutta in salita: la voce non è parsa completamente in forma, soprattutto nelle agilità, riscattandosi comunque nei momenti maggiormente lirici e nei duetti con la partner.
Buono il Capellio di Rubén Amoretti: voce robusta e rotonda che arricchisce l’interpretazione sicura da genitore insensibile.
Il Tebaldo di Shalva Mukeria offre certo una voce chiara e ben definita, ma non colpisce per interpretazione o presenza scenica; si ha l’impressione che il personaggio vada scavato più a fondo e maggiormente interiorizzato, anche al punto di vista vocale.
Lorenzo è interpretato dall’inossidabile Luca dall’Amico. Il basso si muove a suo agio nel ruolo di accorato consigliere, ben superando i volumi dell’orchestra nel canto ed aggiungendo del suo alla poco efficace regia.
Infine l’orchestra è guidata dal Maestro Omer Meir Wellber. Il giovane direttore ci ha fatto sentire in tante occasioni la sua forte personalità nella conduzione, ma stavolta ciò non ha giovato alla resa musicale d’insieme. Quello che poteva essere l’ intento di voler rendere più ‘viva’ la partitura di Bellini, in diversi momenti è parso tradursi piuttosto nel mero accrescimento del volume, soprattutto per la sezione percussioni, tralasciando dettagli o sfumature che ci saremmo aspettati sin dall’apertura, davvero troppo fragorosa a nostro avviso.
La prova del coro diretto da Claudio Marino Moretti è sembrata buona nel complesso.
Applausi da parte del pubblico con un successo discreto per tutti i protagonisti coinvolti.
Maria Teresa Giovagnoli
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti
con sopratitoli in italiano e in inglese
nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice
in coproduzione con Fondazione Arena di Verona e Opera Nazionale Ellenica
LA PRODUZIONE
direttore Omer Meir Wellber
regia Arnaud Bernard
scene Alessandro Camera
costumi Maria Carla Ricotti
light designer Fabio Barettin
regia Arnaud Bernard
scene Alessandro Camera
costumi Maria Carla Ricotti
light designer Fabio Barettin
GLI INTERPRETI
Capellio Rubén Amoretti
Giulietta Jessica Pratt
Romeo Sonia Ganassi
Tebaldo Shalva Mukeria
Lorenzo Luca dall’Amico
Giulietta Jessica Pratt
Romeo Sonia Ganassi
Tebaldo Shalva Mukeria
Lorenzo Luca dall’Amico
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
maestro del Coro Claudio Marino Moretti
con sopratitoli in italiano e in inglese
nuovo allestimento Fondazione Teatro La Fenice
in coproduzione con Fondazione Arena di Verona e Opera Nazionale Ellenica
Foto Michele Crosera
UN BALLO IN MASCHERA, G. VERDI – INAUGURAZIONE STAGIONE LIRICA DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA, DOMENICA 11 GENNAIO 2015
Con Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi si è aperta anche la stagione lirica al Teatro Comunale di Bologna, nell’allestimento che vi abbiamo raccontato nel 2013 dal Teatro alla Scala di Milano e che abbiamo rivisto volentieri, sia perché complessivamente lo si può considerare uno spettacolo godibile, sia perché dal punto di vista musicale abbiamo avuto il piacere di assistere a cosiddetti ‘bei numeri’.
L’idea registica di Damiano Michieletto, che con Paolo Fantin (scene)e Carla Teti (costumi) costituiscono ormai un’ inconfondibile macchina creativa, prevede una scena ‘inscatolata’ come è spesso d’uso attualmente, nella quale con elaborati cambi di scena si alternano man mano lo studio di Riccardo, una specie di sala conferenze, la sgargiante scritta al neon che sovrasta tutti nella festa finale, e così via. Come dicevamo due anni fa, la storia viene trasportata verso qualche decennio fa, ove si assiste alle tipiche e concitate fasi che animano le campagne elettorali dei presidenti americani, circondati da assistenti tuttofare, qui capeggiati da Oscar versione segretaria in carriera, col fidato Renato che è diventato il bodyguard del protagonista, ed il ballo in questione è la festa che si svolge al termine della campagna. Ma i personaggi sono coerenti alle intenzioni del libretto, l’amore tra Riccardo ed Amelia è lo stesso, come pari è l’ira di Renato e dei congiurati nei confronti del protagonista, visto a un certo punto come un uomo che arriva al potere senza troppi scrupoli e di cui vendicarsi. Il tutto è condito, come avevamo sottolineato allora, da immagini non nuovissime di prostitute che si aggirano per le vie notturne della città, sagome propagandistiche di Riccardo, dietro alle quali si nascondono gli invitati al party che quindi diventano anonimi burattini in balia del politico di turno; e non poteva mancare in tutto ciò anche la Ulrica versione imbonitrice, che oltre a predire il futuro è in grado anche di guarire gli invalidi. Come dicemmo allora, lo spettacolo si vede con piacere, pur non aggiungendo nulla di particolarmente innovativo a tante rappresentazioni viste in passato.
Dal punto di vista musicale registriamo ancora una volta lo stato di grazia del tenore Gregory Kunde, che continua ad inanellare successi dopo successi con grandissimo consenso di pubblico. E’ una forza notevole in campo, si muove come un leone che riesce a contenere il suo ruggito dosandolo con proprietà ed intelligenza; il fraseggio è preciso, la voce dal timbro pieno, vigoroso, che trova nelle note acute la sua piena realizzazione, sempre perfettamente nel ruolo dell’uomo di potere, ma pur sempre umano, con le sue ingenuità ed imprudenze.
Debutta Maria Josè Siri nel ruolo di Amelia. Il soprano mette molto della sua grazia e personalità nel personaggio, tratteggiando una donna lacerata tra la passione amorosa, il rispetto per se stessa e la fedeltà, mantenendo così un contegno non per questo mieloso, ma di rigore ed eleganza, sostenuto da un canto intenso, armonioso su tutta la gamma, che trova la sua somma espressione nella supplica ‘Morrò, ma prima in grazia’: un sussurro di amore e pietà.
Dissensi per la prova di Elena Manistina nei panni di Ulrica. Nel grave sembra scomparire, mentre appare più a suo agio nel registro medio – acuto, dando la sensazione di una tessitura adatta a ruoli di altro genere; ne risente anche il personaggio che quindi deve essere caricato più del dovuto per risultare credibile. Speriamo di risentirla in altre occasioni.
Altro felino in scena Luca Salsi intesse un Renato molto dinamico, di carattere, che si avvale dello strumento che possiede per sottolineare ogni sfumatura del personaggio, offrendo così corrispondenza appropriata tra canto ed azione, forte del suo timbro scuro e rotondo.
Per l’Oscar donna che alterna abitini femminili all’austero completo da lavoro registriamo soprattutto la buona prova attoriale di Beatriz Diaz, che forse ha una voce leggermente robusta per il ruolo interpretato, ma è certo gradevole all’ascolto.
Completano il cast nei ruoli dei congiurati Samuel e Tom, i discreti Fabrizio Beggi e Simon Lim, Paolo Orecchia e Bruno Lazzaretti come Silvano e Giudice, e .Luca Visani come servo di Amelia.
Ottima la prova del coro guidato da Andrea Faidutti e delle voci bianche di Alhambra Superchi.
Il direttore musicale Michele Mariotti sceglie per questo ‘Ballo’ una conduzione molto dinamica, che scava nella partitura per trovarne giusti slanci e pulsioni. Sembra gustare ogni momento nella direzione, accompagnando spesso col labiale anche gli interpreti, avvolgendo e sostenendo le note, alternando ritmi serrati con altrettanti momenti di puro lirismo, sempre nel rispetto dell’azione narrata. L’orchestra lo segue come un faro ed il suono diventa caleidoscopico.
Applausi interminabili hanno accolto la chiusura dello spettacolo, con ovazioni, batti mani e piedi per Kunde, Siri e Salsi, nonché per il Maestro Mariotti; qualche contestazione alla rappresentanza della messa in scena, con Michieletto assente per improcrastinabili impegni all’estero. La serata è stata dedicata alle vittime degli atti terroristici avvenuti nei giorni scorsi a Parigi, inoltre una pioggia di volantini gialli auspicanti una maggiore oculatezza nella gestione amministrativa del teatro è piovuta dalle gallerie. Una serata ricca di emozioni dunque, in tutti i sensi.
Maria Teresa Giovagnoli
LAPRODUZIONE
| Direttore | Michele Mariotti |
| Regia | Damiano Michieletto |
| Assistente alla regia | Roberto Pizzuto |
| Scene | Paolo Fantin |
| Costumi | Carla Teti |
| Luci | Alessandro Carletti |
| Assistente alle scene | Daniele Pietrobon |
| Assistente ai costumi | Agnese Bertani |
| Maestro del Coro | Andrea Faidutti |
| Maestro del Coro Voci Bianche | Alhambra Superchi |
GLI INTERPRETI
| Riccardo | Gregory Kunde |
| Renato | Luca Salsi |
| Amelia | Maria Josè Siri |
| Ulrica | Elena Manistina |
| Oscar | Beatriz Diaz |
| Silvano | Paolo Orecchia |
| Samuel | Fabrizio Beggi |
| Tom | Simon Lim |
| Un giudice Un servo di Amelia | Bruno Lazzaretti Luca Visani |
Allestimento in collaborazione con Teatro alla Scala Milano
Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna
Foto Rocco Casaluci
CONCERTO DI CAPODANNO AL TEATRO LA FENICE DI VENEZIA – 30/31 dicembre 2014, 1 gennaio 2015
Con un Concerto di Capodanno dal ricco programma si chiude e si apre l’anno solare alla Fenice di Venezia, caratterizzato come di consueto da una prima parte riservata al pubblico in sala ed una seconda parte estesa al pubblico televisivo, che si conclude con il coro del Nabucco ed il brindisi della Traviata di Giuseppe Verdi. Protagonisti di questa edizione il giovane Maestro inglese Daniel Harding alla testa dell’Orchestra della Fenice, gradito ritorno dopo il concerto del 2010/11, il soprano Maria Agresta, di recente applaudita in Simon Boccanegra proprio su questo palcoscenico, e l’atteso tenore Matthew Polenzani.
La prima sezione è dedicata a Beethoven con una ouverture che celebra guarda caso proprio il teatro, Die Weihe des Hauses (la consacrazione della casa, qui intesa come teatro), ove viene sottolineata proprio la quasi sacralità dell’avvenimento per cui fu eseguita in primis nel 1822, ossia la riapertura dello Joseph-stadt Theater di Vienna. Ed è soprattutto questo carattere di ‘solennità’ profana che affiora dall’esecuzione dell’orchestra per questo lavoro, già nelle prime battute e persistente per tutto il pezzo. La Sinfonia n.8 in fa maggiore, precedente di circa dieci anni, è considerata da molti come un ritorno al settecento di cui piuttosto ne è un elaborato sviluppo se non addirittura una parodia, per la giocosità dei temi, la leggerezza che se ne esala e la sua irresistibile ballabilità. Il Maestro Harding guida le varie sezioni con morbidezza e gesto delicato, da cui deriva un suono raffinato e ricco. In questo caso è parso però che la partitura potesse essere ulteriormente ‘masticata’ per coglierne a pieno carattere e dinamicità.
Con Rossini e la sinfonia deLa gazza ladra si cambia decisamente registro: dopo l’introduzione aperta dai tamburi dal tono piuttosto imperioso, quasi una sottolineatura delle singole note ad esaltarne la componente maestosa, si passa ad un tocco di leggerezza ed un impeto brioso che arricchiscono l’impasto di insieme fino allo sfociare nel crescendo finale. L’orchestra trova nuova linfa e sembra decollare nelle mani del direttore.
Breve intermezzo potremmo definire ‘D’immenso giubilo’ eseguito dal coro feniciano, tratto da un momento di apparente felicità in un’opera marcatamente fosca e drammatica quale Lucia di Lammermoor, che sancisce il passaggio verso la parte cantata dagli interpreti solisti.
Con Puccini e la conclusione del primo atto de ‘La bohème’ si entra nel vivo del concerto. Matthew Polenzani esordisce con ‘Che gelida manina’: la sua è una voce salda e sa imprimere degna espressività al canto. Maria Agresta dà il meglio di sé con il classico ‘Mi chiamano Mimì’: il suo strumento si fa morbido, il fraseggio impeccabile e l’interpretazione sentita fin quasi alle lacrime. Il duetto ‘O soave fanciulla’ chiude il momento idilliaco con il consueto sparire della coppia tra le quinte. Ed è qui in particolare che l’orchestra si è resa protagonista ed al tempo stesso perfetta cornice per i solisti, creando sonorità vellutate e offrendo colori molteplici, sottolineando pause, dosando con intelligenza i crescendo, come se il respiro dei cantanti fosse all’unisono con il direttore.
Per la sezione dedicata a Verdi, quasi un divertissement per il soprano Agresta la sua ‘Sempre libera’ da La Traviata, per l’occasione dal ritmo particolarmente serrato, come a sottolineare il vortice di pensieri che affollano la mente della giovane festaiola.
Polenzani imprime invece gravità e sentimento alla sua ‘Quando le sere, al placido’ dalla Luisa Miller.
Momenti di deliziosa esaltazione orchestrale con il Boogie-woogie di Nino Rota da Napoli Milionaria, un omaggio ad Eduardo De Filippo, ed il Can-can della Danza delle ore dalla Gioconda di Ponchielli. Il suono si fa scintillante e carico di vitalità, l’orchestra è coinvolgente.
E balzando da un’epoca e l’altra non potevano mancare i due ‘mast’ del concerto, come detto ‘Va pensiero’, cui va reso merito a coro ed orchestra per la particolare leggerezza con cui è stato eseguito, ed il brindisi della Traviata con i solisti, bissato a furor di una platea parecchio festosa e soddisfatta.
Maria Teresa Giovagnoli
PROGRAMMA
Ludwig van Beethoven
Die Weihe des Hauses
Ouverture, op. 124
Sinfonia n.8 in fa maggiore op. 93
****************************
Gioachino Rossini
La gazza ladra: Sinfonia
Gaetano Donizetti
Lucia di Lammermoor: «D’immenso giubilo»
Giacomo Puccini
La Bohème: «Che gelida manina» - «Mi chiamano Mimì» - «O soave fanciulla»
Nino Rota
Napoli Milionaria: Boogie-woogie
Amilcare Ponchielli
La Gioconda: Can-can dalla Danza delle ore
Giuseppe Verdi
Luisa Miller: «Quando le sere, al placido»
La traviata: «Sempre libera degg’io»
Nabucco: «Va’ pensiero sull’ali dorate»
La traviata: «Libiam ne’ lieti calici»
direttore Daniel Harding
soprano Maria Agresta
Die Weihe des Hauses
Ouverture, op. 124
Sinfonia n.8 in fa maggiore op. 93
****************************
Gioachino Rossini
La gazza ladra: Sinfonia
Gaetano Donizetti
Lucia di Lammermoor: «D’immenso giubilo»
Giacomo Puccini
La Bohème: «Che gelida manina» - «Mi chiamano Mimì» - «O soave fanciulla»
Nino Rota
Napoli Milionaria: Boogie-woogie
Amilcare Ponchielli
La Gioconda: Can-can dalla Danza delle ore
Giuseppe Verdi
Luisa Miller: «Quando le sere, al placido»
La traviata: «Sempre libera degg’io»
Nabucco: «Va’ pensiero sull’ali dorate»
La traviata: «Libiam ne’ lieti calici»
direttore Daniel Harding
soprano Maria Agresta
tenore Matthew Polenzani
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Maestro del Coro Claudio Marino Moretti
FOTO MICHELE CROSERA