La Bohème di Leoncavallo sta alla Bohème di Puccini come una tartare di manzo tagliata al coltello, con capperi e gocce di limone, sta a un raffinatissimo filetto alla Rossini, con foie gras e tartufo. Due modi diversi di intendere la stessa materia, due ricette che condividono qualche ingrediente ma restituiscono sapori profondamente differenti. E guai, però, a pensare che la prima sia soltanto una versione meno riuscita della seconda. È questo, in fondo, il curioso destino della Bohème di Ruggero Leoncavallo: essere nata sotto una cattiva stella, o meglio sotto quella, assai più luminosa, dell'opera che Puccini avrebbe consegnato alla storia appena un anno dopo. Da allora il confronto non le ha concesso tregua, relegandola troppo spesso al ruolo di curiosità bibliografica. La riproposta del Teatro Regio di Torino, nell'ambito del Festival Verismo, offre invece l'occasione per restituirle una dignità autonoma e scoprire una partitura che, al netto delle sue discontinuità, possiede carattere, inventiva e parecchie ragioni d'interesse.

Del resto, basta guardare alla drammaturgia per accorgersi che le due Bohème non sono affatto la stessa opera raccontata con musiche differenti. Leoncavallo, che firma anche il libretto, resta assai più vicino alle pagine di Murger e soprattutto alla dimensione corale della vicenda. La comunità degli artisti non è un semplice fondale sul quale si consuma il dramma sentimentale di una coppia: è essa stessa protagonista, con le sue rivalità, le sue intemperanze, le amicizie e le inevitabili disillusioni. Anche Marcello e Musette acquistano uno spazio ben più rilevante rispetto alla loro controparte pucciniana. Ne risulta un'opera meno raccolta intorno alla tragedia di Mimì e Rodolfo e più interessata a restituire il colore di un'intera generazione. E la musica segue questa impostazione senza preoccuparsi troppo della coerenza stilistica: valzer, motivi da café-concert, reminiscenze rossiniane, echi di Meyerbeer, suggestioni wagneriane e persino qualche ammiccamento parodistico convivono in una partitura che sembra divertirsi a cambiare abito continuamente. Non tutto si amalgama alla perfezione, naturalmente, ma sarebbe un errore scambiare questa varietà per mancanza d'identità. L'identità di Leoncavallo sta proprio in questa inquietudine, in una scrittura che non rinuncia a sperimentare e che, soprattutto nella seconda parte, riserva sorprese tutt'altro che trascurabili.

A tenere insieme una materia tanto variegata pensa Andrea Battistoni, autentico protagonista musicale della serata. Il direttore affronta la partitura senza cercare di uniformarne le molteplici anime e ne mette piuttosto in evidenza le differenze, trovando per ciascuna il giusto peso. Nei primi due atti asseconda il brio, le movenze danzanti e il gusto salottiero di tante pagine, ma senza mai perdere di vista la precisione ritmica e la chiarezza degli incastri strumentali. L'orchestra non si limita a sostenere le voci: dialoga continuamente con il palcoscenico, disseminando il discorso di commenti dei legni, risposte degli archi e dettagli timbrici che contribuiscono a definire personaggi e situazioni. È proprio qui che si apprezza il lavoro di Battistoni, capace di evitare l'effetto antologia e di ricondurre episodi anche molto diversi a un disegno musicale riconoscibile.

La vera svolta arriva con il terzo atto, quando il clima cambia sensibilmente e la partitura abbandona progressivamente la spensieratezza iniziale. Il cromatismo si infittisce, la tensione armonica si fa più pronunciata e le suggestioni wagneriane, fino a quel momento disseminate qua e là, acquistano un significato drammatico più preciso. Battistoni accompagna questa trasformazione con un sensibile mutamento del peso orchestrale, lasciando respirare le frasi e facendo emergere la densità di una scrittura che guarda ormai ben oltre il bozzetto d'ambiente. Nel quarto atto governa con sicurezza la concentrazione della tensione verso il finale, mantenendo sempre un rapporto equilibrato fra buca e palcoscenico. Attenzione alle dinamiche, varietà degli accenti e cura delle sfumature timbriche sono i punti di forza di una direzione che restituisce alla partitura tutta la sua mobilità. Ottima la risposta dell'Orchestra del Regio, precisa e partecipe, così come quella del Coro preparato da Gea Garatti Ansini. Proprio l'intervento corale del secondo atto, con i cantori distribuiti anche in sala, è uno dei momenti più felici della serata: una soluzione teatrale che non ha nulla di gratuito e che restituisce concretamente quella dimensione collettiva sulla quale Leoncavallo costruisce la propria Bohème.

Francesco Micheli, con la collaborazione drammaturgica di Michele Panella, organizza la lettura scenica intorno al succedersi delle quattro stagioni della vita: la primavera dell'entusiasmo giovanile, l'autunno delle disillusioni e infine l'inverno della morte. Un percorso abbastanza esplicito, che trova nelle scene di Davide Signorini uno spazio sostanzialmente unitario, delimitato da pareti convergenti e trasformato attraverso arredi, quadri e tendaggi. Il primo atto si presenta come un Café Momus traboccante di colori, fiori e decorazioni, con un gigantesco albero di Natale a dominare la scena. I costumi di Giada Masi, fantasiosi e volutamente sopra le righe, restituiscono bene il carattere anticonformista e un po' sgangherato della compagnia. Il risultato è un ambiente volutamente caricato, nel quale l'esuberanza dei personaggi trova una corrispondenza visiva immediata. Ma è soprattutto il secondo atto a funzionare: lo spazio si trasforma a vista, si aprono le finestre degli edifici circostanti e la festa si allarga progressivamente fino a coinvolgere la platea, con il coro che scende fra gli spettatori. Una trovata efficace, perché trova una motivazione nella stessa concezione drammaturgica dell'opera e non si riduce a un semplice espediente per animare la sala. Dal terzo atto la tavolozza si impoverisce, le pareti vengono rivestite di tendaggi e l'ambiente perde progressivamente la sua vivacità. Nel quarto i protagonisti sono invecchiati e quel piccolo albero di Natale, ormai lontano dal gigantesco apparato iniziale, diventa l'immagine di una felicità che non può più essere recuperata. A completare il quadro, il grande arazzo con teschio e clessidra, forse fin troppo esplicito nella sua simbologia. I movimenti coreografici di Matteo Ceccarelli e le luci di Gianni Bertoli accompagnano con coerenza il progressivo incupirsi della vicenda. Micheli firma insomma una regia leggibile e riconoscibile, non sempre immune da qualche sottolineatura didascalica, ma capace di trovare nel secondo atto e nella trasformazione dello spazio fra giovinezza e vecchiaia i suoi risultati più convincenti.

La compagnia di canto offre un quadro complessivamente positivo, con alcune prove particolarmente riuscite. Matteo Lippi è un Marcello centrato sotto il profilo vocale e stilistico: emissione luminosa, buona omogeneità, fraseggio elegante e una linea di canto che evita opportunamente di scivolare in un'enfasi declamatoria fuori misura. È probabilmente l'interprete che trova il rapporto più naturale fra le esigenze musicali e quelle teatrali del proprio personaggio. Anna Goryachova, Musette, affronta invece un ruolo che richiederebbe maggiore luminosità e libertà nella zona superiore della tessitura. La voce presenta una certa opacità e qualche difficoltà nella zona acuta del rigo, elementi che finiscono per limitare la brillantezza di pagine come «Mimì Pinson la biondinetta». L'interprete possiede comunque vivacità scenica e una buona comprensione del personaggio, riuscendo a restituirne la componente capricciosa e provocatoria, anche se la prova vocale rimane meno convincente.

Alessandro Luongo affronta Rodolfo con una vocalità baritonale di bel peso, che conferisce al personaggio una fisionomia inconsueta rispetto all'immagine abitualmente associata al ruolo. Il colore scuro e la solidità dell'emissione non ne compromettono l'espressività, mentre la presenza scenica gli consente di trovare un'efficace dimensione teatrale. Particolarmente significativo il suo intervento nell'apertura del quarto atto, «Scuoti, o vento, fra i sibili». Francesca Dotto disegna una Mimì musicalmente accurata, con una linea vocale sensibile e un apprezzabile controllo del fraseggio. La sua interpretazione convince soprattutto per la cura musicale, anche se sul piano espressivo il personaggio rimane talvolta un po' pallido e meno incisivo rispetto alla vivacità dei compagni di scena.

Fra i comprimari spicca Simone Del Savio, uno Schaunard di notevole efficacia teatrale, che sfrutta con intelligenza la componente ironica e caricaturale del personaggio senza trasformarla in macchietta. Francesco Salvadori tratteggia un Colline misurato e autorevole, mentre Matteo Peirone conferisce a Barbemuche la sicurezza e l'esperienza di un interprete navigato. Convincente anche Pablo Gálvez come visconte Paolo. Una menzione particolare merita Manuela Custer, Eufemia, per la precisione musicale e il notevole senso del palcoscenico, qualità condivise da Manuel Pierattelli, efficace nel delineare Gaudenzio. Partecipata la prova di Roberto Covatta nel ruolo di Durand. Completano il cast Nicola Pamio, Adrian Autard, Daniela Valdenassi, Alessandro Agostinacchio, Caterina Borruso, Alejandro Escobar, Ilaria Lucille De Santis e Roberta Garelli.

Alla fine, il Regio festeggia con convinzione. Numerose le chiamate al proscenio per il direttore, la compagnia di canto e tutti i complessi artistici, accolti da un pubblico caloroso e partecipe.

 

Pierluigi Guadagni

 

 

LOCANDINA

 

TEATRO REGIO DI TORINO

STAGIONE 2026/2027 – FESTIVAL VERISMO

LA BOHÈME

Commedia lirica in quattro atti

Musica e libretto di Ruggero Leoncavallo

Dal romanzo Scènes de la vie de bohème di Henri Murger.

Prima rappresentazione: Venezia, Teatro La Fenice, 6 maggio 1897.

 

INTERPRETI

DIRETTORE D'ORCHESTRA: Andrea Battistoni

REGIA: Francesco Micheli

DRAMMATURGIA: Michele Panella

SCENE: Davide Signorini

COSTUMI: Giada Masi

LUCI: Gianni Bertoli

MOVIMENTI COREOGRAFICI: Matteo Ceccarelli

MAESTRA DEL CORO: Gea Garatti Ansini

ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO REGIO DI TORINO

Nuovo allestimento del Teatro Regio di Torino.

FOTO: MATTIA GAIDO